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基本乐理：七十种常用音乐术语

2024-07-30209次艺考信息

基本乐理:七十种常用音乐术语

基本乐理

七十种常用音乐术语

1、套曲Cycle

一种由多乐章组合而成的大型器乐曲或声乐器

2、组曲Suite

由几个具有相对独立性的器乐曲组成的乐曲

3、奏鸣曲Sonata

指类似组曲的器乐合奏套曲.自海顿.莫扎特以后，其指由3-4个乐章组成的器乐独奏套曲（钢琴奏鸣曲）或独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲（小提琴奏鸣曲）

4、交响曲symphony

大型管弦乐套曲，通常含四个乐章.其乐章结构与独奏的奏鸣曲相同

5、协奏曲concerto

由一件或多件独奏乐器与管弦乐团相互竞奏，并显示其个性及技巧的大型器乐套曲.分独奏协奏曲、大协奏曲、小协奏曲等

6、交响诗symphonicpoem

单乐章的标题****响音乐

7、音诗poeme

单乐章管弦乐曲，与交响诗相类似

8、序曲overture

歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。十九世纪又出现独立的音乐会序曲

9、前奏曲prelude

带有即兴曲的性质、有独立的乐思、常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引的中、小型器乐曲。

10、托卡塔toccata

节奏紧凑、快速触键的富有自由即兴性的键盘乐曲

11、幻想曲fantasia

形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲

12、随想曲capriccio

形式自由的赋格式的幻想曲，19世纪后是一种富于幻想的即兴性器乐曲

13、狂想曲rhapsody

始于19世纪初以民族或民间曲调为主要素材的具有鲜明民族特色的器乐幻想曲

14、练习曲study

为提高乐器演奏者技术水平而写的乐曲

15、无词歌songswighout

抒情的小型器乐曲，有伴奏声部，旋律声部象歌曲样的钢琴曲

16、浪漫曲Romance

罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲

17、叙事曲ballade

富于叙事性、戏剧性的钢琴独奏曲

18、夜曲nocturne

流行于18世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，常在夜间露天演奏

19、小夜曲serenade

晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人在恋人窗前所唱的情歌

20、谐谑曲scherzo

诙谐曲。节奏强烈，速度较快、活泼的三拍子器乐曲或声乐曲

21、间奏曲intermezzo

为歌剧或戏剧中的过场音乐或幕间曲；另一种为形式较自由篇幅较小的器乐曲

22、赋格曲fugue

拉丁文音译意为遁走。以复调手法写成的大型乐曲

23、卡农canon

纯以模仿手法构成的复调音乐形式

24、轮唱曲round

用同度或八度卡农手法写成的声乐曲

25、创意曲invention

复调结构的钢琴小曲。类似前奏曲或小赋格曲。巴赫始用此名称

26、练声曲vocalization

没有歌词而用韵母、音节或唱名演唱的声乐练习曲

27、回旋曲rondo

由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲

28、变奏曲variation

主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲

29、进行曲march

用步伐节奏写成的乐曲

30、特性曲characterpiece

指富于诗情画意和生活情趣的器乐小曲，主要是钢琴小曲

31、晨歌alborada

起源于西班牙西北部的加利西亚的田园风味乐曲

32、田园曲pastorable

原为欧洲16-17世纪一种乡村题材的戏剧表演，歌剧的前身之一。近代音乐中是模仿牧人所吹肖姆管曲调和圣诞吹奏乐的器乐曲或声乐曲，源于意大利。

33、船歌barcarolle

威尼斯船工所唱的歌曲以及模仿这种歌曲的声乐曲和器乐曲

34、悲歌elegy

表现哀伤情绪的声乐曲或器乐曲

35、摇篮曲berceuse

抒情声乐曲或器乐曲。描写摇篮摆动的节奏，近似船歌。

36、嬉游曲divertimento

18世纪欢娱宾客的一种器乐重奏组曲

37、即兴曲impromptu

偶发创作的抒情特性曲，19世纪成为器乐短曲曲名，形式类似歌曲

38、无穷动perpetuummobile

从头至尾贯穿着急速节奏的乐曲

39、小品bagatelle

轻快，幽默的特性曲，常为钢琴小曲

40、幽默曲humoreske

富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快情致的器乐曲

41、新事曲novellette

始创于R.舒曼的一种钢琴特性曲

42、演绎曲paraphrase

14——16世纪教会音乐中的演绎曲是自由加工的素歌旋律。F.李斯特借用此名称称其为声乐曲和器乐曲，特别是为歌剧选曲所作的钢琴改编曲为演绎曲

43、舞曲dancemusic

根据舞蹈节奏写成的器乐曲或声乐曲

44、小步舞曲menuet

起源于法国民间的三拍子舞曲，因舞步极小而得名

45、加沃特gavotte

起源于法国民间的中速、四拍子舞曲

46、塔兰泰拉tarantella

起源于意大利的速度迅急、情绪热烈的舞曲

47、波尔卡polka

起源于捷克的速度较快的二拍子舞曲

48、华尔兹waltz

圆舞曲。一种起源于奥地利民间的三拍子舞曲。

49、马祖卡mazurka

起源于波兰民间的情绪活泼热烈的三拍子双人舞曲

50、波罗乃兹polonaise

波兰舞曲。起源于波兰民间的庄重，缓慢的三拍子舞曲

51、哈巴涅拉habanera

阿伐奈拉。由非洲黑人传入古巴的中速二拍子舞曲

52、探戈tango

起源非洲后传入阿根廷的中速、二拍子或四拍子的舞曲

53、独唱solo

由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏的演唱形式，有时也用人声伴唱

54、齐唱unison

两人以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一旋律的演唱形式

55、重唱ensemble

每个声部均由一人演唱的多声部声乐曲及演唱形式。按声部或人数分二重唱、三重唱、四重唱

56、领唱leadachorus

由一人唱众人和的演唱形式

57、合唱chorus

两组以上的演唱者，各按本组所担任的声部演唱同一乐曲的演唱形式

58、无伴奏合唱acappella

纯粹由人声演唱不用乐器伴奏的合唱形式

59、合奏ensemble

由多种乐器组成，常按乐器种类的不同而分为若干组，各组分别担任某些声部，演奏同一乐曲的演奏形式

60、伴奏accompaniment

由一件或多件乐器奏出，用以衬托主要的歌唱或器乐演奏部分。用以烘托舞蹈的器乐配乐也常称为伴奏

61、独奏solo

由一人演奏某一乐器，常用其他乐器或乐队伴奏

62、齐奏unison

两个以上的演奏者，按同度或八度音程关系同时演奏同一曲调

63、室内乐chambermusic

通常指由少数人演奏，演唱的重奏曲、重唱曲。

64、二重奏Duet

由两件乐器分奏两个声部的室内乐

65、三重奏Trio

由三件乐器分奏三个声部的室内乐

66、弦乐三重奏stringtrio

由小提琴、中提琴、大提琴分奏三个声部的室内乐

67、钢琴三重奏pianotrio

由钢琴与另两件乐器（弦乐器或管乐器）演奏的室内乐

68、四重奏quartet

由四件乐器分奏四个声部的室内乐

69、弦乐四重奏stringquartet

由两个小提琴，一个中提琴、一个大提琴演奏的室内乐

70、钢琴四重奏pianoquartet

由小提琴、中提琴、大提琴、钢琴演奏的室内乐

现代音乐和声理论

章和弦新论

传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。

第二章和弦标记

本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。

1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。

2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。

3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。

4。减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。

5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。

6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7，降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.

7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7，RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.

8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7，LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.

9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7，LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.

10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5，升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.

11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9，而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。

12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于较低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于较低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD，实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。

第三章各级和弦的功能

流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。

下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个：C，Dm，Em，F，G，Am，Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。接下来是每个和弦的属性，很重要哦！

C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。

Dm，即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的较重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。

Em，即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。

F，即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子“飞”起来的感觉。我们听到的美国乡村乐和描写西部大草原和级和弦来表现。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是不同的。

G，即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。

Am，即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁，悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以是和弦的进行连贯，不呆板。1-6-4-5是极为常用的进行，事实上就用这四个和弦就可以写歌了。

Bdim，即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。

在了解了上述和弦的属性之后，大家就可以尝试为歌曲配和弦了。不过这是一个长期探索和实践的过程，能否配出基本正确的和弦不是寥寥文字可以教会的，也不是本教程的目标，我们的目标是配置出更好更优美的和弦，我们不该停留在对与不对的层次上。就我个人经验而说，如果你能做到以下几点，那你就向编曲跨出了关键一步：1，能在一遍内听出歌曲的基本调内和弦（即1，2，3，4，5，6，7级和弦）2，对歌曲常用的离调和弦比较敏感，一般也应当在1到2遍内分辨出其离调和弦。3，看乐谱上的和弦可以想象出其音响，如果别人演奏错误，能马上察觉。4，看一条单旋律，不用任何乐器，在心里能为它配和弦。

我们现在的流行音乐体系是纯西方的，旋律与和声地位同等重要。如果对和声不进行系统的研究，是难以制作出优秀的现代音乐作品的。

第四章各级变化和弦

接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。

注：所有和弦转位都沿用传统名称，转位称六和弦，第二转位称四六和弦。

1，主四六和弦（K46和弦）

这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C（这可是很常用的结尾哦）我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G（主四六和弦）倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是较经典的终止式。

2，二级六和弦

二级六和弦是二级和弦的转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦（四级和弦）只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要有1-4级进行的和声，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了！这就是二级六和弦要达到的。

3，大二级和弦

这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦（五级和弦），也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦较重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA（首调）则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲（如《今宵多珍重》）都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些。

4，大三级和弦

这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲<WeWishyouaMerryChristmas>就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。

5，大六级和弦

这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的“离调感”十分远，所以能制造出很动听的。在C大调中是A或A7和弦（和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦）它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A（A7）-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的较好例子。看一下：3-4|2--|这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢？Am可以，Em也可以，但它们都不是较好的，试过用A（A7）吗？那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，的圣诞歌曲全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。

6，一级七和弦

这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦，1-3-5-b7，看清楚了，这是一个大小七和弦，是降SI而不是还原SI，在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面，一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性，又由于它本身属于主和弦系列，所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行，就可以在这两个和弦当中插入一个一级七和弦，形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌就使用了该和弦。

7，小四级和弦

大调中，四级和弦应当是大三和弦，但有时侯我们也会使用它的降三音形式，就形成了小四级。它的较有效作用是置于四级和主和弦之间，也就是在C大调形成F-Fm-C的进行，小四级当然是一个小三和弦，它的加入会使音乐突然变得忧伤，所以它不但可以置于四级和主和弦之间，而且可以直接加在乐曲中的某个部分。的<Edelweiss>（雪绒花）在较后结尾时，就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。

8，五级增三和弦

这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音，变成增三和弦。在C大调中是Gaug（G+），这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时，可以用五级增三和弦来代替五级和弦，增加意尤未尽的气氛，然后音乐稍作停留便又从主和弦开始，这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。

9，降六级和弦

是一个常用的变化和弦，是大三和弦，在C大调中是bA和弦，b6-1-b3，降LA-DO-降MI。这个和弦看上去离C大调很远，确实如此，因为它只有一个音DO属于C大调自然音阶，嘻嘻，就是这个DO成为降六级较大的应用之处。因为绝大多数大调的歌曲都会结束在主音DO上（首调），我们可以利用降六级含有DO音，把降六级置于主和弦的前面，达到一种特殊的音响。在C大调中，如果本来是G7-C的终止，现在可以用G7-bA-C来替代，这样就能得到这样一种：旋律虽然保持是DO，但和弦是降六级-主和弦，非常有色彩。它可以烘托出那种宏伟，壮观的终止，不是属到主简单了事。

10，降七级和弦

相比降六级而言，降七级离原调好象近一点。在C大调中，降七级是bB和弦，b7-2-4，降SI-RE-FA，也是大三和弦。它含有RE，FA两个调内音，它可以被较自由地运用在歌曲中间部分，如果旋律中出现了这两个音就有可能使用降七级。在歌曲中如果在本来使用一般和弦的地方改用降七级，会有一种突然转调的感觉，降七级后面可以接1，4，5级和弦，C大调中，C-bB-C，C-bB-F等都是常见的。邓丽君的《千言万语》，TheBeatles乐队的<Hey，Jude>，<HelloGoodbye>，都使用了降七级和弦，取得了很好的。降七级还有一个用处就是对降六级作进一步扩展，把bA-C扩展为bA-bB-C，也就是在降六级与主和弦之间再插入一个降七级，得到一个连续上行大三和弦的，更适合于那些气魄很大，雄壮而有震撼力的终止。

11，降三级和弦

这也是一个用得不算太多的变化和弦，在C大调里是bE和弦，b3-5-b7，降MI-SOL-降SI，也是大三和弦。它离C大调也比较远，只有SOL是调内音，因此只有旋律出现SOL时，它才有考虑的可能。它适合在乐曲中起丰富色彩的作用，使用一下以后马上又回原调。这种和弦就一定要用得好，用得到位而不能滥用。有一首的英文老歌（《奔放的旋律》——“人鬼情未了”的插曲）后半段就用了一个降三级。

12，降二级和弦

降二级和弦在流行音乐中用得比较少，在爵士乐中倒有一定的使用.经典和声学里给予这个和弦以一个名字，叫"那波里和弦".当然对于我们的应用者来说不一定要了解这么多.这个和弦在C大调里是bD和弦，b2-4-b6，离C大调相当远，在钢琴上听是完全没有关系的，但这样就注定了它是一个极有色彩性的和弦，一般可以用在曲子的结尾，在主和弦的前面，感觉是十分奇特的.不过我没有找到合适的例子来说明，以后再补上吧。

第五章和弦使用手段

1.保留根音这种手法在很多流行音乐中有应用。它的意思是在一段和弦连接里，根音不按照正常和弦根音走动而是一直持续在一个音上保持不动，较常见的是保留主音。具体点就是类似这样的连接：C——-F/C——-G/C——-C，和弦原来的意思是1级到4级到5级，但根音却一直保持在C上，这种手法也削弱了原来和弦间强烈的对比，使它们能"粘合在一起"，所以能给人以稳定，温馨的感觉，用在前奏，歌曲的A段比较合适。BryanAdams的成名曲《EverythingIdoIdoitforyou》一开始就用了这个手法，你可以仔细去听一下。在经典和声学中称这种手法为"主持续音"。和声就是这样奇怪，也许你会说G/C的和弦，用C作G和弦的根音，难道就不会发生小二度冲突？所以说理论既是我们前进的员也是较大的束缚，当我们把一串和弦连起来后，你就会发现根本体会不到小二度的冲突，试一下吧！

2.延留音，先现音

我一直感觉到，和声的较大魅力在于"期待感"，也就是当一个和弦出现时，我们就等着它应该走向的那个和弦的出现，做到与我的"心理听觉"相一致。延留音和先现音可以满足我的这种"僻好"。我们先说延留音，它的意思就是把甲和弦中的某个音延续到接下来的乙和弦中，并且这个音不是乙和弦中的音。例如这样的进行：F——-Gsus4——-G7——-C，其中Gsus4和弦的构成是5，1，2三个音，而DO音是从F和弦延续下来的，它并不属于G和弦，由于它加入了G和弦中，使G和弦原来的属功能被削弱，DO音代替了原来SI应有的位置，但抢了别人的位置是一定要还给人家的，所以"期待感"在这里产生，听觉上我们等待着DO进行到SI去，于是后面一个G7的出现满足了我们的听觉需求，并且较终解决到主和弦上，得到完满的终止。这是较常见的延留音形式。我们可以自己创造出更多的可能，把某个和弦的某个音延续到后一和弦上，造成一种"迟到的解决"，很诱人的。再来看一下先现音，它和延留音正好相反，就是在甲和弦中先出现了后一个乙和弦的某个音，而这个音并不属于甲和弦。当音乐进行到乙和弦的位置时，这个先现音成为了和弦音，音乐得到了解决。比较有的办法是先现根音。如这样：F/G——-G7——-C，它原本的意思是4级——5级——1级的简单进行，不过在4级和弦上它先出现了后一个5级和弦的根音——G，结果造成了一种很奇特的，使4级和弦也有了属功能，三个和弦的连接变得紧密了。

先现音和延留音是调动听众胃口的手段，我们应该好好利用，也可以一起使用，如：F/G——-G7——-Csus4——-C，连续使用了延留音和先现音，非常不错。

怎样练唱节奏、节拍？

声乐教学中的规范引导语言

嗓音功能本身是每个人生来固有的，但是唱得动听的能力却主要是训练的结果。歌唱是通过用特殊的方法——多方法的语言来训练嗓音功能而获得的。这是因为人体的各发声器官在歌唱时运动状态和它们间的相互协调作用是看不见摸不着的，主要是依靠声乐老师把自己歌唱发声的感受、体验、歌唱的经验和方法，通过通俗的、精炼的、准确的、形象的、生动的教学语言传递给学生并指挥他们的发声器官协调配合，让他们歌唱，教师再根据学生的歌声，进行判断、评价、提示，再应用教学语言，引导他们逐步调节、校正发声机体，使之找到正确的歌唱方法。那么，在教学中教师如何运用好语言教好声乐课，下面就我的教学实践谈点自己的经验体会，这些经验也同样运用于中小学音乐教学。

一、精炼准确性

声乐是一门实践性很强的艺术，正确的歌唱方法主要是靠训练获得的，而训练又必须是在有限的课时内进行，这就要求老师的语言要精炼而又准确。老师的教学语言精而准才能抓住教学中的主要矛盾，精而准才能体现教学的重点，精而准才能解决声音中的主要毛病，精而准才能对症下药，精而准才能使学生对复杂的理论理解透彻，如通常可以听到老师在课堂训练中这样提示学生：气息沉、吸气深、吐气稳、下巴掉、笑肌提、牙关开、咽腔张、前胸松、后背紧、气息通、双肩落等。也有些老师在课堂上针对某个问题大讲特讲面面具到，有的则空谈声乐理论，使学生感到漫无边际，无重点，演唱中会感到无所适从。

声乐教学语言的精练准确既要合乎逻辑，又要顾及到学生的认知能力，使学生容易理解，过于专业化的教学用语，如：“运用头腔共鸣来歌唱”、“运用胸、腹式联合的呼吸方法”、“你要用真假声混合的唱法唱”，以及过分强调教师自我体验的提法，如：我是应用头腔共鸣唱的，就是把声音唱在头上，让头顶来歌唱等等的语言往往会让学生莫明其妙，弄不明白。精练准确的教学是建立在活泼通俗易懂的教学语言上的，在声乐教学中教师不断扩展自己的知识面，丰富发展自己的教学语言，教学中就能达到化复杂为简单，化抽象为具体，化模糊为生动的教学，精炼准确的语言来自教师客观敏锐的听觉，它是教学的基本功，也是声乐教学的基矗精练准确的语言来自教师主观努力的教学经验，它是教学实践而成的积累。也是声乐教学的关键。

二、辩证统一性

在声乐教学中，每一个学生都有一个训练的总目标，教师对这一总目标的教学要求，心中是有数的，但在具体的分阶段的教学中，不可能把未来的目标要求拿到现阶段来付诸实施，在对学生进行歌唱技巧训练，音乐处理表现，音乐感受和创造思维的综合训练过程中，教师要处理好整体要求和局部训练的辩证统一的关系，声乐教学主要是靠教师的听觉和辨力来指导学生的训练，听到了学生演唱中的问题，就要拿出具体的办法去解决，声乐教师责任就是要训练学生有一对客观的耳朵，能听出自己演唱时的对与错，所以教师的分辨能力和教学方法是直接影响学生的演唱水平的，就声音的训练来讲，正确的歌唱方法是整体的歌唱，这就要求声乐教师的思想方法是辨证的，听觉是平衡的，看问题是客观的，分析和解决问题是全面的，比如在声音的训练中，当强调声的高位置时，同时要强调气息的低控制，否则就会产生气浅、喉紧，发出的声音尖、挤、卡、虚的现象，在提示气息下沉有深度时，同时要保持高的歌唱位置，反之就会破坏歌唱状态的平衡性和完“整性。在训练中让学生把喉咙打开时，又要提示学生把声音唱的集中；提示靠前唱时，又要注意声音的垂直性；提示歌唱发声中要有点感觉时，又要注意整体面的结合；提示笑肌上提时注意下腭向下松的感觉，真声位置假唱，假声位置真唱，闭口音开着唱，开口音关着唱，这一系列的训练方法、观点、语言无一不贯穿在辩证统一的规律之中。

三、形象比喻性

声乐教学中由于声乐教学语言语义的不确定性，学生对教师讲述的要求常常感到不易理解，教师采用形象的语言把比较抽象的概念具体形象化。为了达到训练的目的，教师还常采用启发式的感觉教学方法，所谓感觉教学就是将我们日常生活中能做到的一些动作和感觉用于歌唱和训练之中，通过这些感觉体会到科学的发声状态，达到训练的。如：训练气息下沉时，用闻花的动作，双手提水的感觉去体会就不至于把气吸到胸上。当训练声音靠前唱时，教师会说“让你的声音先向后划圈再抛向前方”“让声音坐在气上滑出去”“唱高音时要像跳高运动员起跳时脚先向下蹬，身体再向上抛的感觉”“声音要始终向前滚动的唱，气才不会重”“声音的高位置像雨伞的伞蓬，气像伞的把”，“声音像风筝在空中自由飘荡，？气息要像线轴始终在下面拖妆？“吸着唱”“喊着唱”“真的唱”“假的唱”“收着唱”“开着唱”“竖着唱”“圆着唱”“扁着唱”等等。在声乐教学中采用确切生动，形象的语言，比用单纯技术性的阐述，更易为学生所理解和接受。

声乐教学没有器乐教学那样直观，学生只能通过聆听教师的演唱和从教师的教学语言中，去理解发声的原理和琢磨歌唱的技法，去领会音乐作品的内涵，去创造美好的声乐艺术形象。教学语言起到信息传导与反馈的作用，对声乐教学的语言研究探索，对促进声乐教学水平，教学的提高，有着十分重要的意义，同样对中小学音乐课教学有意义。

什么是半音？半音介绍

在整个乐音体系中，相邻的两个音级（不论基本音级或变化音级）之间的音高关系就是“半音”，半音是音高关系中的较小单位。用分数1/2来标记。

相邻的音级左边的音总是比右边的音低半音，同样，右边的音级也总是比它左边相邻的音级高出半音。

“音乐基础理论”（下）复习提要(3)

第四节现代通俗名曲欣赏

通俗音乐是指比古典音乐细致、深刻、严谨、高雅程度要差一些，而比流行音乐更严谨、规范的音乐。

一、约纳森《杜鹃圆舞曲》*

约纳森是瑞典作曲家，《杜鹃圆舞曲》是其代表作。

乐曲采用三拍子舞曲写成。主题出现模仿杜鹃叫声，使乐曲显得活泼，接下来第二主题旋律连贯而流畅，具有歌唱性特点，展现出一个欢快热闹的舞蹈场面。较后乐曲再现主题，在愉快的气氛中结束全曲。

二、格什文《蓝色狂想曲》*

格什文美国作曲家，成名之作为1919年创作的歌舞音乐中的通俗歌曲《斯瓦尼》。《蓝色狂想曲》是1924年应美国爵士乐指挥保罗·怀特曼之约而作。管弦乐曲采用钢琴与管弦乐队合奏形式，故又称“钢琴与乐队”。首场演出时，作品以独特的风格使听众大为兴奋，成为美国音乐界轰动一时的新闻。

乐曲一开始由单簧管从较低音区吹出低沉的颤音，然后突然向上滑奏，冲出两个八度，直至高音区。随后各式各样的主题争先恐后涌出，显得十分热闹。然后出现节奏性很强的主题，既幽默又有几分忧愁。作品的后半段，由小提琴奏出柔和而伤感的主题旋律。较后重复前面出现过的主题后，圆满结束。

三、哈恰图良《马刀舞》*

哈恰图良原苏联作曲家，创作具有亚美尼亚民族音乐的特点，还受法国印象主义的影响。

《马刀舞》作于1942年，为管弦乐曲。选自芭蕾舞剧《加雅涅》（剧情略）。

乐曲采用三部曲式写成。开始以定音鼓、军鼓以及弦乐器等奏出速度极快的强烈节奏。然后出现节奏强烈、旋律迅疾奔放的主题。在主题变化反复后，出现具有对比性的中间部，具有舞蹈性特点。第三部分再现主题，结尾音乐显得轻巧，采用五声音阶式的上行音调结束。

第九章西方古典音乐欣赏

节西方古典音乐概况

西方古典音乐有着灿烂辉煌的历史。奴隶社会中，古希腊、古罗马的音乐文化占有很重要的位置；中世纪，宗教音乐占有统治地位；其特点是以歌唱为主的多声部音乐形式；11世纪世俗音乐和民间音乐发展起来；文艺复兴时期，器乐逐渐取得重要地位；经历16、17世纪，器乐的发展为18世纪的古典音乐打下基础。

一、古典音乐的划分

18世纪是古典音乐的分界线。18世纪以后，进入古典音乐时期，音乐史步入一个辉煌的时代。

二、古典音乐的流派

1. 巴洛克音乐时代

这是古典音乐的个流派。“巴洛克”原意是不圆的珍珠，较先用在建筑上。巴洛克形式是以动的音乐来对抗以前静的音乐。代表作曲家是巴赫和亨德尔，巴赫被称为“音乐之父”。较初典型的音乐风格是歌剧，其次是器乐曲。巴洛克音乐较忌呆板和不动感情，因此演奏家们常常即兴装饰他们的乐句，使音乐更立体、更多彩、更辉煌。

2. 古典乐派时代

18世纪下半叶开始的古典乐派时代，奥地利的海顿、莫扎特和德国的贝多芬是代表人物。这个时期的音乐形式基本上是器乐，声乐退居其次。奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响乐等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式在这一时期确立。海顿创作了上百部作品，被称为“交响乐之父”；莫扎特的曲子富有天分，人们称他为“音乐神童”；贝多芬以革命中的英雄为作品的主人公，他被称为革命的古典作曲家。

古典乐派的作品具有较强的哲理性，在感情表达上趋于理性精神，比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉。

3. 浪漫主义乐派

19世纪20年代进入浪漫主义乐派时代，杰出的作曲家有德国的舒曼、门德尔松、韦伯、波兰的萧邦、奥地利的舒伯特、法国的伯辽兹。浪漫主义音乐较突出的特点是：情感至上，重主观、个性、民族性、强调抒情，它以感情的激流，冲跨了古典主义的理性王国，感情统御了一切。

4. 民族乐派时代

民族乐派是浪漫主义的重要分支，它出现于19世纪下半叶。代表有奥地利的约翰·斯特劳斯、捷克的德沃夏克、德国的勃拉姆斯、俄国的格林卡。其特点是运用本民族的主题和民间的音乐遗产，作品有浓厚的民族味道。

5. 印象主义乐派时代

印象主义乐派萌生于19世纪的法国巴黎，是法国的德彪西。印象主义源于法国画家莫奈的《印象·日出》。

印象主义的主要特点是注意音响、音色，表现反映难于捉摸的东西，喜欢暗示和隐喻，造成一种模糊的轮廓、朦胧的色彩，难以分辨的色调变化。

第二节西方音乐作品欣赏

一、器乐作品的体裁形式

1. 小夜曲

“小夜曲”英文词义是“傍晚的音乐”。它既是声乐体裁，又是器乐体裁。声乐小夜曲起源于欧洲中世纪，其形式多于傍晚在恋人窗下演唱，因而得名。器乐小夜曲是指18世纪流行的一种组曲器乐套曲，其形式采用管弦乐合奏，弦乐合奏或管乐合奏。

2. 回旋曲

器乐体裁的一种。回旋曲是指以一个基本主题为中心，以两个以上的插部与主题交替出现而形成的器乐曲。

3. 圆舞曲

起源于18世纪下半叶奥地利北部的一种三拍子民间舞曲。19世纪起风行于欧洲各国城市，继而流行全世界。

4. 序曲

原指歌剧、清唱剧等大型作品的开场音乐。17、18世纪的歌剧序曲分“法国式序曲”和“意大利序曲”，前者采用慢板、快板、慢板的图式，后者采用采用快板、慢板、快板图式，后世交响乐就由此演变而来。

5. 协奏曲

是指由一件或几件独奏乐器与管弦乐队协同演奏的器乐套曲。

6. 变奏曲

以一个主题为蓝本、运用变奏手法多次发展主题，使主题得到多方面的表现的一种乐曲。

7. 奏鸣曲

16、17世纪泛指各种器乐曲，18世纪后半叶起，指由一种或两种独奏曲演奏，由3个或4个乐章组成的器乐套曲，如：钢琴奏鸣曲、小提琴奏鸣曲等。

8. 交响曲

指管弦乐队演奏的大型（奏鸣曲型）套曲。起源于意大利歌剧序曲。

9. 组曲

指由若干乐曲或乐章组成的套曲，套曲中的各曲相对独立，结合较自由。

二、名曲赏析

重点赏析以下作品：

贝多芬《献给爱丽丝》*、《第五交响曲》*（命运）、《第九交响曲（合唱）第四乐章》*

《献给爱丽丝》贝多芬，德国杰出的音乐家，古典乐派的代表人物之一。1789年法国资产阶级革命进步的思想意识给他许多启发，从而奠定了他追求正义和歌个性自由、憎恨封建专制压迫的思想。他用音乐号召人们为人类的自由和幸福而斗争。

《献给爱丽丝》是他创作的一首钢琴作品，作于1810年4月27日，传说为他的学生特雷泽·马尔法而作。作品结构严谨，感情非常真挚和温柔亲切，是一首动人的音乐小品。

乐曲采用a小调，曲式为回旋曲式。主题旋律非常明快清新，表现出童稚和天真的情趣。这首乐曲似乎有种对话的意味，听起来使人感到清新而温柔，流畅而开朗。

舒伯特《军队进行曲》*、《小夜曲》*

约翰·斯特劳斯《蓝色多瑙河圆舞曲》*

约翰·斯特劳斯，奥地利作曲家、指挥家、小提琴家，“圆舞曲之王”。其音乐保存了奥地利民间音乐的朝气、魅力和芳音，同时又兼备维也纳城市音乐的强烈感情。

《蓝色多瑙河圆舞曲》作于1867年，按照维也纳圆舞曲形式写成，有序奏、5首小圆舞曲和结尾部分。开始的序奏分为两大段落，首先小提琴的颤音造成“水波荡漾”的背景；接着，圆号奏出全曲的主要音调。柔和的旋律，仿佛多瑙河从沉睡中苏醒。序奏的第二段落，乐曲的速度变快，使人振奋，象征新的一天开始。在一段具有冥想气质的引子后，依次出现5首小圆舞曲。结束部有两种形式。一种合唱结尾较短；一种管弦乐，结尾较长，规模较大，它再现了圆舞曲和某些主题部分，较后，乐曲在热烈、欢腾的气氛中结束。

比才《卡门序曲》*

柴可夫斯基《如歌的行板》*

德沃夏克《第九交响曲》*（“新世界”又名“自新大陆交响曲”）

欣赏时注意：1. 了解作者及其作品简介；2. 把握作品的构成“作品分析”；3. 尽量结合作品的曲式、旋律以及乐器的表现来欣赏、体会作品。

关于本期课程内容学习的要求：

一、凡复习提要中列出的重要作品，各教学班点原则上都要组织学生欣赏。在欣赏的基础上，辅导老师应结合作品进行讲解、帮助学生分析、体会。

二、注意理清有关中外音乐史的线索，掌握重要的人物、事件和作品等。

三、注意弄清与欣赏有关的音乐基础知识，如不同乐器的表现力，器乐作品的体裁形式、曲式、调式等。有的还需要把上个学期学过的乐理知识结合起来。

四、无论欣赏分析中国还是外国的音乐作品，都应注意了解作者的有关情况，作品写作的时代背景，作品要表现的思想，作品的结构，并且结合有关的音乐知识来理解分析。

附思考与练习：

一、名词

声乐艺术：是以人声为乐器的一门音乐艺术。

美声唱法：18世纪流行的一种歌唱方法，其目的在造就美妙的歌声

山歌：是指劳动号子以外的各种山野歌曲，是劳动人民在山野、田间、牧场劳作、休息时即兴抒发内心思想感情的一种抒情民歌。民歌

号子：是劳动人民在生产劳动过程中创作演唱的，并直接与生产劳动相结合的民歌体裁。它是一种与劳动节奏紧密配合，直接伴随劳动而歌唱的民歌。

小调：又称小曲，是指在城镇中流行的民间歌曲。曲调优美流利、结构整齐，具有曲折、细致的表现特色，手法多样，往往是经过民间艺人加工提炼而成。

颂歌：一切为歌颂党、歌颂祖国、歌颂、歌颂革命英雄和民族英雄、歌颂大地河山、歌颂崇敬的对象和心爱的事物的歌曲，都称为颂歌。

叙事歌曲：是叙述故事的歌曲，其歌词具有史诗、叙事诗或故事诗的性质，有时歌词本身就是一首史诗、叙事诗或故事诗。

表演歌曲：是把表演和歌唱结合在一起的演唱形式。

诙谐歌曲：是用风趣的笔触逗人笑乐的歌曲。通过这种手段既可褒贬社会生活中的真善美和假丑恶，又可表现劳动人民机智、幽默的性格和乐观主义精神。

讽刺歌曲：是用风趣的笔触逗人笑乐的歌曲。通过这种手段既可褒贬社会生活中的真善美和假丑恶，又可表现劳动人民机智、幽默的性格和乐观主义精神。

摇篮曲：也叫催眠曲。原指母亲在摇篮旁为使婴儿安静入睡而唱的歌曲，后来逐渐发展成为一种独立的音乐体裁。

小夜曲：是指源于欧洲中世纪骑士文学的一种爱情歌曲，流行于意大利、西班牙等国。通常是年轻人在黄昏和夜晚徘徊于恋人窗前演唱的情歌。

华尔兹：来源于德国民间舞蹈。它与宫廷舞蹈风格完全不同，舞曲属慢三拍或快三拍形式，节拍强弱分明，突出拍的重音，节奏清晰，表现出外露热情的情绪。

波尔卡：来源于波西米亚民间舞蹈。1840年左右，来源于波西米亚的波尔卡以较快的速度在城市流行。它与华尔兹不一样，多用较快的二拍子形式，节奏明快，富有跳跃感。

探戈舞：来源于阿根廷民间舞蹈。1900年左右，起源于阿根廷民间音乐舞蹈形式的探戈舞开始传入欧洲，虽遭到一些贵族的敌视，但未能阻止探戈舞的普及和发展，相反起了迅速推广的作用。

布鲁斯；由美国黑人创造，流行于19世纪初的美国社会的流行音乐。“布鲁斯”的意思是“哀怨、忧郁的”，采用一种慢4/4拍节奏，歌词多半是伤感、哀愁的内容。布鲁斯是声乐曲，主要在黑人社会流传，20世纪20年代进入美国白人社会，成为白人社会流行音乐的主流。

爵士音乐：起源于美国黑人，是流行音乐领域影响较大，占有重要地位的音乐形式。它是一种喧闹的，强调节奏的器乐曲，多采用即兴演奏。

摇滚乐：摇滚乐是由一位叫普雷斯利的歌星开创的，摇滚一词出自一首黑人歌曲。它是一种以黑人中流行的节奏与布鲁斯综合而成的音乐形式。这种演奏非常喧闹，节奏很重，而且带有挑衅性。

迪斯科：原意为唱片夜总会，它是一种具有强烈而单一节奏的跳舞音乐，没有强弱交替的重拍，具有一种轻快跳跃的感觉。迪斯科每分钟固定125拍。

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