基本乐理,世界的三大轻音乐团

2024-07-30 16:43:41207次行业资讯

基本乐理,世界的三大轻音乐团

基本乐理

世界的三大轻音乐团

轻音乐在当前人们的音乐生活中占有重要的地位。优美、健康的轻音乐不仅可供消遣娱乐，同时也能陶冶情操，提高欣赏者的音乐水平。

世界上有不少优秀的轻音乐队，其中以法国的保罗·莫里亚乐团、德国的詹姆斯·拉斯特乐团和意大利的曼托瓦尼乐团较为，他们的演奏都十分注重悦耳的音响，并运用现代音乐的手法改编了一些古典名曲，使人们逐渐熟悉了贝多芬、肖邦、柴可夫斯基等们的名作，对于普及古典严肃音乐起到了相当重要的作用。

1、曼托瓦尼之声——意大利曼托瓦尼乐队

曼托瓦尼乐团在流行音乐乐坛中拥有大量听众，这个乐团的演奏风格流畅舒展，旋律优美、动听，音响华丽丰满。

这个乐团的指挥曼托瓦尼于1905年生于意大利威尼斯的音乐世家，父亲曾是托斯卡尼尼乐团的小提琴手。曼托瓦尼自小在父亲指导下学习小提琴，青年时代举家迁居英国，考入伦敦音乐学院。16岁即公开演出布鲁赫和圣-桑的小提琴协奏曲。18岁时，他在伯明翰组织了一个六人乐队，在旅馆和剧场中作职业性演出，以演奏轻音乐为主，他是乐队的主要小提琴手。他那精湛的小提琴演奏技巧和华丽、明朗的美妙琴声，使人听后回味无穷，于是他以小提琴演奏家的身份赢得了巨大的声望。1933年，曼托瓦尼加入了英国籍，此后他重新建立了一个以弦乐为主的庞大的管弦乐团，这就是后来的曼托瓦尼乐团。

曼托瓦尼从管弦乐队的弦乐器中找到了一种富有特殊色彩的音响，这种富有特色的弦乐演奏，就此成为他的乐团所独有的音乐特色。此后，他改编了大量雅俗共赏、和谐悦耳的乐曲，听众给他的乐团起了一个“曼托凡尼之声”的雅号。相比那些喧闹热烈的现代流行音乐来说，曼托瓦尼的音乐无疑是一服令人舒畅的清凉剂。

曼托瓦尼的成功，主要在于他充分了解小提琴的表现方式，并能恰如其分地操纵管弦乐队，使整个乐队非常精确地表达出这位小提琴家所特有的演奏风格，使听众为之着迷。

2、法国音乐之神——法国保罗·莫里亚乐队

每当你听到那种独特、新鲜、浪漫的弦乐音响，明晰、活泼的节奏和铜管、打击乐器的音色后，就很容易分辨出这是保罗·莫里亚乐团演奏的轻音乐。

这一乐团的指挥保罗·莫里亚于1925年出生于法国马赛，幼年学习钢琴，并显示出良好的音乐天赋。进入马赛音乐学院学习的四年间，他受到了扎实的正统音乐教育，14岁时以优异的成绩毕业于该院。由于对爵士音乐感兴趣，他较终放弃了作钢琴家的愿望而投身于流行音乐圈内。17岁时，他组织了一个乐团，较初在各国的夜总会和音乐厅巡回演出，以后转移到欧洲的音乐活动中心巴黎演出。他在长期的演出活动中，对编曲、作曲和演奏进行了新的探索，逐渐形成了一种独特的风格，因而声名大噪，一帆风顺。各国重要的音乐节日都纷纷邀请他率团参加演出。

保罗·莫里亚乐团被人誉为“情调音乐的使者”、“第二次世界大战后的法国音乐之神”。该轻音乐团拥有包罗万象的曲目：著的电影的主题歌和主题音乐、欧美各国的流行音乐、拉丁美洲和西班牙的爱情歌曲、法国歌曲、俄罗斯名曲、夏威夷的吉他曲、肖邦的音乐、日本风情的乐曲、圣诞歌曲乃至甲壳虫乐队的歌曲等等，简直是无所不包、应有尽有。他善于同流行歌坛的名星合作，为他们谱写和改编乐曲。他的音乐也如其人，温和典雅、平易近人、饶有风趣。

保罗·莫里亚乐团十分注重旋律与和声，其风格清新明朗，华丽纯朴，从不过分夸张。尽管他也以弦乐为主，但他巧妙地利用弦乐器来改进乐曲的节奏，与清亮、舒适的打击乐器相配合，所产生的清晰、活泼的节奏成为保罗·莫里亚乐团所独有的特色。

3、舞会音乐之王——德国詹姆斯·拉斯特乐队

詹姆斯·拉斯特乐队在世界各地的演出，以热烈的旋律、独特的和声赢得了千百万听众的欢迎和赞赏。詹姆斯·拉斯特擅长将乐队作多种多样的变化，以多种不同形式的组合来演奏古典音乐、民间音乐、歌剧或舞剧音乐、电影插曲、舞曲、流行音乐以及舞台剧、电视剧中的插曲等等。此外，这个乐队还配置了一支训练有素、和声优美的伴唱、合唱队。

乐队指挥詹姆斯·拉斯特出生于德国不来梅，自幼学习钢琴。14岁时，考入当地的音乐学院专攻大提琴。1955年，他在汉堡德意志广播电台提任大提琴演奏员并开始作曲，以后自行组织乐队，并担任领班、编导和作曲，一举成为欧洲较有成就的音乐家之一。1968年，他的乐队被评选为当年的流行乐队。从此，这位身材修长的“舞会音乐之王”成为誉满全球的流行音乐乐坛的杰出人物。

詹姆斯·拉斯特乐团的音乐常透露出欢乐、愉快和乐观主义的气氛，有一种不可抗拒的吸引力和动人心弦的感染力。不管是古典音乐、流行歌曲或民族民间音乐，都渗透着他自己的风格。一般人认为，古典音乐比较艰深难懂，但他以现代手法加以改编后，古典乐曲便注入了一种新的生命力，而且以使人亲近和了解的方式演奏出来，使从未听过欧洲古典音乐作品的人，也能享受到古典音乐的美妙。平时，他经常与乐队队员研究、探讨乐曲的改编和演奏方式，使队员感到人人有份，从而达到协调一致，充分体现他的要求。

前些年，西方广播电台每每于午夜播放一种叫做“入梦乐”的音乐。这种宁静而优美的小曲即由詹姆斯·拉斯特改编，这些小曲可以帮助人们松弛紧张的神经，消除一天工作后的疲劳，促使人们在平静愉悦、温暖柔和的音乐声中进入梦乡。

一场音乐会中的音乐物理问题

美好音乐享受的背后——

到现场去听一场音乐会，在一个具有高度物质文明和0012精神文明的社会里，对于一个普通劳动家庭来说，是一个节日。这是一种文化，一种享受，也是一种感情的交流，还可以说是一种美的升华。然而你知道吗？在音乐中还包含了许许多多的物理问题。

报幕员出来了，如果是一个不用扩音设备的音乐厅，那他站的地方一定是舞台正中偏前的位置，在这个位置上讲话，全场听起来较清晰，声音也较响。北京中山公园音乐堂的舞台干脆做成一个扇面，报幕员站在扇面的焦点上。

音乐厅的听众大厅，有的做成长方形，有的是扇形。顶棚有的高，有的低。四边的墙壁常常用木板做成“孔隔”、“窝状”。这些都是通过声音的反射来控制声音的音质及其在大厅内的分布。还有，帷幕、座椅、顶板、墙壁、地毯等都有吸声的问题。

乐队上来了。为什么小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴和大贝司之间有一定数量比例？为什么弦乐器与管乐器之间又有一定数量比例？所谓单管制、双管制、三管制的管弦乐队配置又意味着什么？乐队在舞台的位置如何？同一类乐器处在一起是为了什么等等。这里包括有音量问题和音色问题，即声音的叠加和强弱的配比，而在强弱的比例中又还有音色的配比。

各种乐器的发声机理当然是物理问题，不同的乐器有不同的音色，因此，乐器之间都有着传统的“搭配”。乐器的分类方法较普遍的也是较科学的是按其发声的物理机制分类。

和声、和弦、声音的协和以及中国唢呐的“不合群”等也是一种物理现象。而配器，也无非是各种音色、音量的搭配和穿插。你能同时听到并分辨出不同乐器，这是由于声波独立传播的性质造成的。

如果剧场用了扩音器，或者是录音设备，那么，舞台上分布的、乐队前摆放的、歌唱者手里的传声器，俗称“麦克风”，无论从其类别、性能、放置位置、高度、相互间的距离等都是不同的。这些都是音乐电声问题。音乐电声问题还有音箱的类别、性能、个数、放置位置等。弄得不好，还会有反射声与歌唱声脱节，扬声器发出尖叫声等。

舞台上现在有声控的音乐灯光，也是靠声音的强弱去控制的。

十二音序列音乐的代表性作曲家有哪些

本世纪初，徳奥美术界针对印象主义画派提出了一种新的艺术理论，它强调表现自我感受和主观意象，用夸张的形体和色彩发泄内心的苦闷。表现主义绘画题材大多是孤独的人生，表现隐藏在内心的悲愤和难以忍受的痛苦。这种画风很快引起了音乐家的共鸣。奥地利作曲家勋伯格率先扯起了表现主义的旗帜。在他的音乐中，有一种紧张、恐惧、焦虑的情绪。他于1909年左右。开始打破传统的调性、和声的基本规则，在瓦格纳“半音阶和声”的基础上发展成一种自由无调性的新的音乐风格。在二十年代初，勋伯格进一步将音乐创作从表现主义发展到把十二平均律中每个半音同等看待，从根本上否定了音乐内部的调式、调性的功能关系。他在1923年作的《钢琴曲五首》等作品的某些段落中开始运用十二音序列的技法，其后又在有关方面做了大量的创作实践。勋伯格以十二音技法作于1947年的《一个华沙的幸存者》被认为是一部极为成功的作品。作品叙述的是反抗徳国人的华沙暴动事件。1947年夏，作曲家在他加利福尼亚州的休养地接见了一位从华沙犹太区侥幸逃出来的人，他是少数几名幸存者之一，因藏身于该城废墟下的下水道中得以幸存。他的口述使勋伯格似乎听到了一部反映徳国法西斯残暴、狂乱的疯狂交响曲，于是作曲家便于12天之内把他脑海的意象记录了下来。1948年11月4日，首演于新墨西哥，一曲演毕，被要求再来一遍，其后在世界各地无数次演出中也大多如此。人们普遍认为这种题材只有用十二音序列的技法来写作才可以产生这种。勋伯格的学生贝尔格和威伯恩与导师一起，发展了勋伯格的十二音序列法。贝尔格作于1923年的歌剧《沃采克》、《露露》以及《小提琴协奏曲》等，把“序列”扩大到旋律、节奏、力度、音色结合等各种音乐创作手段中去；威柏思甚至使用类似计算的方法，把音乐元素编成各种序列，构成音乐。其后，有了一批在这个领域里认真探索的人们，他们当中以德国的斯拖克豪森和法国的悔西安，直到现在仍在不断地实践着，他们的努力产生了广泛而深远的影响。十二音序列法，是作曲家用自己排列的十二个平均律半音的序列及其各种变化进行创作的方法，它是在创作实践中逐渐形成的，不是先有一些条条框框，以规定创作。它一直在不断地变化发展，除了一个序列的十二个音按固定的次序只能出现一次的“不重复”原则之外，没有其他必须严格遵守的规则。半个多世纪以来，对十二音序列音乐的评价毁誉参半。确有内容、形式十分独特、而又能为人们乐于接受的作品。而不少人也对这类作品感到厌烦，称之为使人越来越受限制的的“一成不变的半音调色板”，是枯燥的理性时代的作品，在它“瘦骨嶙嶙的躯体上从来也不曾有过什么非常抒情的东西。”

摇滚乐器-爵士鼓

爵士鼓（JAZZDRUMS）起源于美国。它是一套以鼓为主的组合性打击乐器。由一人演奏始时专为爵士乐伴奏。

“爵士”二字，并非指英国皇室的勋位，而是一名早期美国黑人乐手的名字，全名为爵士波•布朗。早期的爵士乐是美国下层黑人们自娱自乐的音乐形式，当这位的黑人乐手演奏时，人们常常兴奋的高呼“爵土，再来一个!”。后来，这种音乐就因这位黑人歌手而得名．习惯上称做“爵士乐”了。

爵土鼓从外观上看去就像一排架子上挂着很多鼓．鼓手演奏起来十分神气、显眼，抑扬顿挫的立体鼓点铿锵动听。在我国，人们就按它的外型而习惯叫它“架子鼓”，鼓手的演奏俗称“打架子鼓”。

较初期的爵上鼓非常简单，只有大军鼓、小鼓和军镲。人们把大军鼓立放在地上，架起小鼓，用脚把大鼓踢响，再把一根棍子插在地上，挂上一片军镲。十九世纪中期，美国南北战争结束，能歌善舞的黑人从解散的军队那里获得不少乐器。如大小军鼓、钹镲等，(这些乐器几乎成了后来爵士乐中的主要乐器)天才的黑人把各类鼓镲巧妙的组合在一起，就成了爵士鼓的雏型。他们把大军鼓安上支架放在地上，配置一个能鼓动鼓面的踏板。再把小鼓和军镲分挂在大鼓的两边。这样，一个人就能同时操纵多件打击乐器。后来通过发展、改良，慢慢就演化成了现代的爵士鼓。随着爵士乐的不断发展。鼓手的技术也不断提高，简陋的装置再不能适应乐队和鼓手的需要，于是就在打击乐组合中逐渐加入了几个去掉响弦的小鼓，打起来嗵嗵嗵嗵，与大鼓、小鼓交相呼应十分动听，后来就以它们发出的声音命名为“嗵嗵”(TOM—TOM)。我国的习惯叫法为“嗵嗵鼓”，因为嗵嗵鼓的型制很像水捅，有的也叫它“桶鼓”。随着爵士乐的发展，能够连动的踩镲也加了进来。直至发展到型制健全、操纵方便、具有两面大鼓、七八面嗵鼓、八九面吊镲的世界性打击乐器了。

二十世纪中期，摇滚乐(Rook)在美国风靡起来，旋即在世界掀起强劲的旋风，由于爵士鼓变化多端的节奏和鼓手高超的演奏技艺，迅即成为摇滚乐中不可缺少的组合型打击乐器了。摇滚乐以它强烈金属的音响和丰富多变的节奏，使人产生音的摇晃滚动感觉，特别招致青年人的垂青。

在我国，随着社会的进步、人民生活水平的提高、人们对自娱性的音乐开始有所要求。摇滚乐、通俗歌曲逐渐成为人们文化生活的组成部分，爵士鼓亦属热门乐器，尤其受到青少年朋友的欢迎

第三讲学认五线谱

首先，五线谱是由三个主要的部分组成的:音符、谱号、谱表。

节谱表

现在我们首先来介绍一下谱表：

用来记写音符高低的表格，就叫做“谱表”。

五线谱，顾名思义是由五条线组成的。的确，是由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成的。这就是五线谱的谱表。它们的顺序是由下往上数的。

　较下面条线叫做“第”，往上数第二条线叫“第二线”，再往上数是“第三线”、“第四线”，较上面一条线是“第五线”。

由于音符非常多，所以“线”与线之间的缝隙也不能浪费的，也就是“线”与“线”之间的地方叫做“间”。这些间也是自下往上数的。同“线”一样。较下面的一间叫做“间”。往上数是第二间、第三间、第四间。下面请看谱例:

每一条线和每一个间都代表着一个音的高度。

然而这五条“线”和四个“间”还不够表达我们的情感心声，如果还有更高的音或者更低的音出现怎么办呢？于是就产生了更多的“线”和“间”。

　这些临时多出来的“线”和“间”叫做“上加线”和“下加线”。上面多出来的线叫做“上加线”，上面多出来的“间”叫做“上加间”。下面多出来的“线”和“间”叫做“下加线”和“下加间”。这些“线”和“间”向上下两边呈放射形。“上加线”和“上加间”是自下而上，往上数的，分别叫做“上加一间”、“上加”、“上加二间”、“上加二线”、“上加三间”、“上加三线”…………以此类推。

在五条线下面加出的线是从上面向下数的（与上加线相反）。分别称作“下加间”、“下加第”、“下加第二间”、“下加第二线”……也是以此类推。（如下图）

这里面有一个需要注意的有两点：

1、“上加线”和“下加线”根据音符只需要画一条短线，不需要很长。够表示音符就可以了。（如下图）

　 2、在表示“上加间”和“下加间”的时候，不需要再把这个音符上面或下面的线画出来了。（如下图)

第二节谱号

在五线谱上确定音高的位置---也就是音名位置的符号叫做谱号。

谱号就象男女有别一样，在五线谱上看上去是相同的音，由于谱号的不同而代表着不同的音高，这些谱号分别有高音谱号，低音谱号，C谱号三种。

　在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表，标有低音谱号的是低音谱表，同样，标有C谱号的就是C谱表，亦叫中音谱表，或叫次中音谱表（后面要详谈）。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器，象小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等，还有包括人声的男女高音声部，通常高音谱表用得较为普遍，除了特殊乐器声部以外，大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部，比如象大提琴，大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等等……

谱例1：　高音谱号（G谱号）

谱例2：　低音谱号（F谱号）

谱例3：　C谱号

第二单元第三课节拍、节奏的强弱规律

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节拍

节奏强弱规律

节拍节奏强弱规律

第三讲　节拍、节奏的强弱规律

在音乐中，强弱的变化较能体现出音乐的情感特性，它是处理音乐的关键所在，是较能表现乐感的关键因素，所以对于在节拍、节奏中的强弱规律就一定要准确地把握好，只有这样才能体现出音乐的律动。

节　各种拍子的强弱规律

3.1.1　二拍子

在二拍子的乐曲中，强弱规律是一强一弱交替地出现，这种规律更容易表现出音乐的律动感，强弱的对比较强，能产生较强的动感，所以常用在进行曲或欢快的乐曲之中，特别是在快速的乐曲中，更能得到充分的展现。

二拍子的特点就是单一、对称和方整。我们在演奏、演唱二拍子的音乐时，要准确地把握住它的基本强弱规律，要突出它的拍强拍，并要注意第二拍的弱拍，让这两拍有明显的对比，才能使人在听觉上感受到二拍子的律动。如果将这二者的强弱关系弄反了，就可能使整个乐曲面目全非、见笑大方。

咱们的毛泽东

3.1.2　三拍子

在三拍子的乐曲中，其强弱规律是一强二弱，强拍每隔两拍才出现一次，与二拍子相比就显得不是那么紧张、急促了，但三拍子的乐曲缺少对称和方整性，多的是流畅和灵活，并且具有强烈的不平衡感，正是如此才让三拍子的乐曲显现出圆舞曲的风格特征，而慢速的三拍子乐曲又能表现出音乐的优雅与抒情性的特点。

我们在演奏、演唱三拍子的音乐时，要依照它的基本强弱规律来进行演奏、演唱，突出它的拍强拍和后两拍在弱拍，体现出三拍子乐曲的摇曳性特征。正是这种摇曳的律动才形成了与二拍子相对应的两种基本的节拍类型。

在一些音乐中常会出现二拍子与三拍子先后出现在同一首乐曲的现象，在这里我们就可以仔细来感受不同的单拍子类型之间的区别和不同的情趣。

小步舞曲（贝多芬）

3.1.3　四拍子

在四拍子的乐曲中，其强弱规律是强、弱、次强、弱，其中的次强拍是很有意思的，它相对于强拍来说是弱拍，而相对于弱拍来说又是强拍，但总体来说，次强拍在整个小节中仍然是处于的弱拍地位，所以在四拍子中也可以说是一强三弱。

在四拍子的乐曲中，强拍每隔三拍才出现一次，律动周期加长，它与二拍子、三拍子相比就更加舒展、宽广，动力性减弱，而抒情性增强。

但同时四拍子是由两个二拍子相加而形成的拍子复拍子，它必然会带有二拍子的某些特征，像二拍子的对称性、方整性，以及二拍子的基本律动，即每两拍之间的强弱对比关系。这种四拍子与二拍子的多重特点重合，就使得四拍子的强弱的层次更加丰富和细腻，当速度较快、力度较大时有很明显的二拍子特点；而演奏舒缓的乐曲时又显露出它的抒情性特征。

思念

3.1.4　六拍子

在六拍子的乐曲中，其强弱规律是强、弱、弱、次强、弱、弱，就像四拍子的强弱规律一样，六拍子中的次强拍也可以看作是弱拍，那么它的强弱规律就是一强五弱，强拍每隔五拍才出现一次，它的抒情性就更明显。

但同时它又是两个三拍子的相加，于是六拍子的律动又具备了三拍子的特点，当六拍子乐曲速度较快时，就更富有圆舞曲的特点，并且同时它也具有二拍子的特点：可以将每三拍看作是二拍子中的三连音（一拍），就如同将二拍子速度的放慢，每一拍都是三连音所组成的，三连音中的每个音就是六拍子中的一拍。

由此可见，在节拍中的强弱规律是十分复杂和有趣的，准确地把握住每种节拍的强弱规律是很有必要的。只有依照基本的强弱规律来演奏乐曲才能达到应有的。

乘着歌声的翅膀

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