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基础乐理：中国古典摇滚音乐起源

2024-07-29211次艺考信息

基础乐理:中国古典摇滚音乐起源

基础乐理

中国古典摇滚音乐起源

中国音乐起于何时？这个问题颇难确定，据古籍所载，伏羲女娲时，已有“琴”、“瑟”、“箫”的发明。这时的“琴”即是现在所讲的“古琴”之前身。围绕古琴所作的诗所发生的故事不计其数，有诗曰“窈窕淑女，琴瑟友之”。有“伯牙善鼓琴，钟子期善听，子期死，伯牙破琴绝弦，终身不复鼓琴”的故事，可见琴声乃心声。古琴在国乐中占有很高的地位。“筝”之渊源于“瑟”，与“琴”有着异曲同工之妙。因其在春秋战国之际流行于秦，故史称“秦筝”。“筝”之音色华丽优美，明亮抒情，善于表现行云流水的意境。今天我们将“琴”、“筝”并置，呈现在您的眼前，愿您能在悠悠琴声中，领略到华夏民族博大精深的文化渊源及厚重的艺术底蕴。古琴，亦称七弦琴，或丝桐、绿绮等，因缚弦七根又称“七弦琴”。琴体由面板和底板胶合而成，形狭长。弦外侧的面板上嵌有十三个圆点的“徽”。唐朝诗人刘长卿诗句：“泠泠七弦上，静听松风寒。”其“七弦”指的就是古琴，“泠泠”则指的是古琴的音色。

今天和人言及中国古典音乐和西方古典音乐的时候，有人人为在近来的两三百年的时间里，中国的音乐，特别是古典音乐已经在走向一种没落，不仅是各种乐器没有发展，就连作曲家也是在19世纪末和20世纪初才出现的，更不必说各种乐谱（更有甚者竟然说中国根本没有真正意义上的乐谱）。

就钢琴一种乐器而言，早在BAROQUE时代，已经有一个发展的雏形，然后在经过古典，烂漫，现代，甚至

可我认为中国的传统古典音乐一方面有工业的因素在里面，同时也和中国的传统思想在里面。首先，中国对于艺人是一种歧视态度；其次，传统的思想里是力求简约无为清净闲适的不象西方的力求严谨细致：关于中国的乐谱如广陵散乐府诗经宋词元曲比比结实，只不过现在所谓的乐谱部分已经失传，而只留下了文学部分了……等等，我并没有说中国没有乐谱，我和你一样是反对说中国没有乐谱这么一说的，我知道中国古代的记谱方法是用宫商角子羽这些文字来记谱的，包括诗经楚辞乐府唐诗宋词元曲都是有谱的只不过，在儒教统治的古代，艺人一直处在三教九流的较底层，和妓女一般，只是比花子高一些，所以那些中国古典的个种艺术形式都只是以一种文学的形式流传下来的（万班皆下贫，惟有读书高）。所以才给那些只有半吊子的所谓汉学家看成是中国根本没有古典音乐。

对于，古典音乐，我的一个观点是中国的艺术是高于西方艺术的，他之所以不让西方的，或者只崇尚西方文化而对自己文化毫无研究的人们接受，是因为中国文化是一种综合的包罗万象的文化艺术，他是被西方划分政治哲学艺术社科天文等等学科的综合体，例如一首古诗词他同样又是一种哲学观点的体现，又是一种艺术的表现（古诗词的唱法据说已失传了）等等：同样古代的士人如果靠上功名，在事业上有所成就，他可能作为政治家同时有时文学家，军事家改革家（中国原先的文人都是博览群书的，其实就只一篇文章中原本就有很多方面的知识道理）天文学家地理学家等等；如果官场失意的话他就有可能成为艺术家棋手甚至医生（历来的古代文人当中有很多都是擅长歧黄之术的）。

古琴美学思想中的道家思想

道家对古琴美学思想影响深远。《老子》崇尚自然为美，排斥人为之乐、有声之乐，推崇“淡兮其无味”的音乐风格，倡导自然、无为、体现道之精神的“大音希声”。庄子继承了《老子》的自然观，主张“法天贵真”，对束缚人性、违反自然的儒家礼乐思想进行了毫不留情地批判（见《骈拇》、《马蹄》等篇）。但庄子并没有完全否定有声之乐，而是提出“中纯实而反乎情，乐也”的，要求音乐表达人之自然情性，而不应拘于人为的礼法。基于此，《庄子？大宗师》所载子桑“父邪，母邪？天乎，人乎”的悲歌在古琴审美中就不但实现了对情的肯定，而且实现了对悲乐的肯定，《庄子？让王》中提出的“鼓琴足以自娱”的，则强调了古琴音乐的娱乐作用、审美作用。

老、庄上述思想渗透在其后古琴美学思想的各个方面。《老子》“淡兮其无味”的思想被阮籍、嵇康、白居易、周敦颐、徐上瀛等人吸收、发展，在音乐审美上形成对“淡和”之乐的崇尚，限制了古琴音乐风格的多样性，对古琴的发展产生了较大的消极影响；《老子》“大音希声”的思想则为陶渊明、白居易、薛易简等人所继承，使崇尚“希声”之境成为众多琴人追求的目标；庄子“得意而忘言”的思想被陶渊明等众琴人所继承，使追求言外之意、弦外之音成了古琴音乐审美中的重要特征；老、庄对自然之美的推崇为嵇康、陶渊明、李贽等多人继承，使古琴美学思想重视人和自然的联系，追求人和自然的统一；庄子以自由为美、音乐可自由表达感情的思想又被嵇康、李贽等人发展，提倡音乐要成为人们抒发心声的艺术，而不是封建统治的工具。另外，老、庄明哲保身、退隐出世的思想也对古琴美学思想有一定的影响。

《老子》“淡兮其无味”、“大音希声”的观点受到琴人的一致推崇，对古琴音乐审美产生了重大影响。“淡”出自《老子？三十五章》“道之出言，淡兮其无味”。文献显示，《老子》提出“淡”的范畴后，在汉代之前并未引起大的反响。魏晋之后，经学受创，玄学盛行，“淡”之审美受到重视，所以阮籍说“道德平淡，故五声无味”，提倡恬淡之乐，排斥美声、悲乐。至唐，“淡”开始被较多地用于形容琴乐风格，“清泠由本性，恬淡随人心”、“曲淡节稀声不多”、“古声淡无味，不称今人情”、“入耳淡无味，惬心潜有情”、“心静即声淡，其间无古今”等琴诗表明恬淡之音已被唐人作为古乐、雅乐的标志而受到推崇，在古琴音乐审美中占有重要的地位。宋周敦颐援道入儒，以儒家思想为基础，对《老子》的思想加以吸收、融合，提出“淡则欲心平，和则躁心释”的“淡和”说，从而使“淡和”成为儒、道两家尊崇的音乐审美观。“淡和”审美观既与道家恬淡的主张相符，又与儒家中和的主张相合，所以被众多琴人所接受。宋真德秀在《赠萧长夫序》中就竭力赞扬古琴“希微”、“寥寥”之风格，明严天池也说：“惟鼓琴，则宫商分而清和别，郁勃宣而德意通，欲为之平，躁为之释”（《琴川汇谱》）。徐上瀛则认为“琴之元音，本自淡也”，“琴声淡则益有味”，并说“淡”就是要“使听之者游思缥缈，娱乐之心，不知何去”（《溪山琴况》）。

清汪？更将“淡和”发展到极端，认为“先王之乐，惟淡以和。淡，故欲心平；和，故躁心释”（《立雪斋琴谱》），将“淡”作为一个居于“和”之上的重要审美准则。他将“淡”的标准定为“节有度，守有序，无促韵，无繁声，无足以悦耳”，是以儒释道：“节有度，守有序”是儒家提倡的“中声”；“无促韵，无繁声”显然和儒家禁止“烦手淫声”的思想一致；“无足以悦耳”则是对儒家崇尚“一倡三叹”之乐、排斥“？堙心耳”之声思想的发挥，完全否定了古琴音乐的艺术性。较之“中和”、“平和”，“淡和”强调音乐要灭人欲，释躁心，更加排斥音乐的艺术性，排斥音乐对感情的表达，所以对古琴的自由发展有更大的消极作用。《老子》“淡兮其无味”的主张与儒家思想结合，形成“淡和”审美观，既是以儒家思想改造道家思想的结果，也是道家思想本身局限所致。《老子》的目的就在于以无为否定有为，以“大音希声”否定有声之乐，所以它较终会由“淡兮其无味”发展至“淡和”，对音乐美学思想产生消极影响。

《老子》“大音希声”以有声之乐为参照，充分肯定了无声之乐的永恒之美，后被《庄子》纳入古琴理论，说“有成与亏，故昭氏之鼓琴也；无成与亏，故昭氏之不鼓琴也”（《齐物论》）。这一思想备受文人推崇，对传统古琴美学思想产生了巨大影响。历代琴人无不将“希声”作为演奏的至境，以追求琴乐的含蓄之美。徐上瀛在《溪山琴况》中从演奏美学角度对“希声”有详尽的描写，对《老子》的思想进行了全新的诠释，如“静”况所说“所谓希者，至静之极，通乎杳渺，出有入无，而游神于羲皇之上者也”，“迟”况中所说“疏如寥廓，？

若太古，优游弦上，节其气候，候至而下，以叶厥律者，此希声之始作也；或章句舒徐，或缓急相间，或断而复续，或幽而致远，因候制宜，调古声淡，渐入渊源，而心志悠悠不已者，此希声之引申也；复探其迟之趣，乃若山静秋鸣，月高林表，松风远拂，石涧流寒，而日不知哺（晡），夕不觉曙者，此希声之寓境也”。值得注意的是，徐上瀛此处对“希声”的解释是建立在有声之乐的基础上，和老、庄本意不同。徐氏之言代表了绝大多数琴论的观点，古典琴论中的“希声”之“希”多为稀疏之意，即指“调慢弹且缓，夜深十数声”（白居易《夜琴》）、“曲为节稀声不多”（白居易《五弦弹》）的有声之乐，而《老子》“大音希声”之“希”是“听之不闻名曰希”之意，指无声之乐。“大音希声”对古琴美学的积极影响表现在人们以此追求“淡而会心”的含蓄之美，要求创造音乐的深远意境，追求音乐的弦外之韵味；其消极影响则表现在琴人以“希声”为准，排斥古琴演奏中的“烦手淫声”、“靡曼烦响”，陈幼慈、祝凤喈等人都有类似琴论。

《庄子》提出“言者所以在意，得意而忘言”（《外物》），又提出“心斋”———“无听之以耳而听之以心，无听之以心而听之以气……虚而待物”（《人间世》）、“坐忘”———“堕肢体，黜聪明，离形去知，同于化通”（《大宗师》），要求审美主体忘掉自身、忘掉功利，超越个人的生理感官、摆脱个人之机心，用心灵去感受、体验、想像，达到与自然融为一体、物我合一的自由审美境界。这对古琴美学也有深刻影响，所以陶渊明提出“但识琴中趣，何劳弦上声”，认为音乐的真意不在声音本身，而在于声音之外，弹琴就是为了求得弦外之意趣。

此后的琴论也都重视音、意之关系，以心手俱忘、回归自然、天人合一为其较终目标，并从创作、演奏、欣赏等各个角度、各个层面体现出对弦外之音、音外之意的追求。

如《庄周梦蝶》和《坐忘》两曲的音乐创作表现了这种对物我两忘的追求，而成玉？、欧阳修、苏轼、庄臻凤等人的琴论则表现了琴人在演奏、欣赏中格外追求言外之意的表达，弦外之美的体验，认为演奏时意比声更重要、欣赏时心比耳更重要，心意既得，形骸俱忘，才是音乐至境。刘籍说“遇物发声，想像成曲，江山隐映，衔落月于弦中，松风飕？，贯清风于指下”（《琴议》）；徐上瀛说“与山相映发，而巍巍影现；与水相涵濡，而洋洋徜恍；暑可变也，虚堂疑雪；寒可回也，草阁流春”（《溪山琴况》）；祝凤喈说“迨乎精通奥妙，从欲适宜，非独心手相应，境至弦指相忘，声晖相化，缥缥缈缈，不啻登仙然也”（《与古斋琴谱》暨《补义》）。他们所描述的就正是这样的至境，所以颜元在《四存篇》里干脆将“心与手忘，手与弦忘”列为能琴的重要标准之一。

李贽继承、发展了庄子“法天贵真”、反对束缚、追求自由的精神，以“童心”说为其音乐美学思想的基础，对代表典型儒家美学思想的“琴者，禁也”进行了尖锐的批判，提出“琴者，心也，琴者，吟也，所以吟其心也”。此出自《焚书》卷五之《琴赋》，其美学意义有三：首先，“琴者，心也”视琴乐为抒发人们内心感情的艺术，突破了“琴者，禁也”思想的束缚。儒家视古琴为君子修身养性、治家理国的工具，倡导“平和”、“淡和”之审美观，从排斥音乐旋律、节奏的变化到否定音乐的娱乐功用，直至禁止音乐对感情的抒发，严重束缚了古琴艺术的发展。

由于儒家音乐思想在传统音乐思想中的统治地位，这些思想始终成为古琴美学思想的主流，为封建文人所推崇，李贽是历史上个明确对此发出挑战的思想家，“琴者，心也”则是数千年孕育的非主流思想的惟一大胆表现。其次，李贽在论述“琴者，心也”时，突破了魏晋以来“丝不如竹，竹不如肉，渐近自然”的传统思想，提出“同一心也，同一吟也”、“心同吟同，则自然亦同”，心殊则手殊，手殊则声殊，手虽不能吟，但“唯不能吟，故善听者独得其心而知其深也”，认为琴乐比人声更近自然，显示他对纯音乐丰富的表现力有深入的认识。孟子曾言“仁言不如仁声之入人深也”，尽管两人立论的出发点不同，但在承认音乐比语言等更能打动人心这一点上倒是一致的。

再次，“琴者，心也”的提出是建立在“以自然之为美”的基础上，即表现以自然为美、较近自然为较美，是李贽“童心”说在古琴美学领域的体现。李贽认为“夫童心者，绝假纯真、较初一念之本心也。若失却童心，便失却真心，便失却真人”（《焚书？童心说》）。此童心即人生之初的自然之心，失却了童心，便非真人。由此出发，李贽格外强调人的自然情性，提出“盖声色之来，发于情性，由乎自然，是可以牵合矫强而致乎？故自然发于情性则自然止乎礼义，非情性之外复有礼义可止也。惟矫强乃失之，故以自然之为美声，又非于情性之外复有所谓自然而然也。故性格清澈者音调自然宣畅，性格舒徐者音调自然疏缓，旷达者自然浩荡，雄迈者自然壮烈，沉郁者自然悲酸，古怪者自然奇绝。有是格便有是调，皆情性自然之谓也”（《焚书？读律肤说》）。既然音乐是发于情性，由乎自然，所以就应该表现人之自然情性，而不应束缚于人为的礼义，因为“非情性之外复有礼义可止也”。这种以自然为美、追求古琴自由表达人之各种感情的观点是对道家“法天贵真”思想的继承和发展，是对儒家礼教思想的突破。

“琴者，心也”是道家古琴美学思想的重要，它的提出使道家古琴美学思想进入更加合理的阶段。此认定音乐是一种自由表达人们思想感情的艺术，其根本价值是对情感的表达，而不是封建统治的工具。音乐既然自由表情，就不应对其进行限制，只以“平和”、“淡和”为美，排斥其他音乐，而应自由抒发“情之所激”，诉“发狂大叫，流涕痛哭”等不平之情。“琴者，心也”和儒家“琴者，禁也”形成了鲜明的对立，它是儒道两家音乐思想在古琴论坛上的一次剧烈碰撞，对于古琴音乐的自由发展具有重要意义。

受李贽的影响，古琴美学出现了“声以情为母”等。清人李渔也在《闲情偶寄》中说：“‘妻子好合，如鼓琴瑟’，‘窈窕淑女，琴瑟友之’，琴瑟非他，胶漆男女而使之合一，联络情意而使之不分者也。”这些思想尽管在当时没有受到应有的重视，有的甚至遭到封建卫道士的围攻，但它们对情感价值的强调、对于古琴音乐的发展具有十分重要的意义。

吉他演奏十大要决

一些青年吉他爱好者出于吉他的狂热爱好而立志想成为一名吉他演奏家，于是便拚命练琴

。一段时间之后，居然可以弹出几段高难度的独奏曲了（不管演奏的质量）。然后就以演

奏家自居，并且总觉得世道对他不算公平，因他觉得，塞戈维亚、叶佩斯等人并不比他高

明多少，只是时机较好罢了。这种心情使他迷惑、狂妄、孤芳自赏，以至于看不起所有吉

他爱好者。这种现象，大家可能已司空见惯。实际上这怪不得谁。这些青年并不知道作为

一个演奏家，绝不仅仅是单纯会弹几个曲子就可以了。本文希望通过几个方面的介绍，使

吉他爱好者能够更全面的自我完善，成为一名名符其实的吉他演奏家。

一、职业吉他手应具备的基本素质

职业吉他手（包括吉他教师）应该具有良好的音乐素质及文化修养。音乐素质包括：1.

对音准的敏感；2.对节奏的准确理解与表达；3.对和声及复调的理解与表达；4.视唱练耳

的训练；5.对音乐内涵的感受、理解和表达力。（包括理解作曲家的意图，本人的体会与

自己的想法等）以上所要求的并没有关于演奏技巧上的能力问题，但它毫无疑问地会影响

一个人对音乐的接受能力和表达能力。例如对音准及和声的敏感可以及时发现乐谱中的错

误；对于作曲的一些基本知识又可以使你将乐谱中的错误纠正；视唱与练耳可以帮助你快

速地从没有听过的乐谱和听到唱片即可以将乐谱记录下来；具有较高的欣赏水平可以使你

更多的了解不同演奏家的风格、特长与不足，而不会在演奏某一乐曲时盲目地模仿录音。

这些都是足以说明音乐素质的重要性。

如何迅速提高自己修养呢？首先要有一定的文化水平，读一些名著，体会各个不同年代

人们的思想、生活与追求。倾听各种不同形式、风格的乐曲，包括声乐、器乐等等，还可

以读些介绍世界名曲的书籍和欣赏有关乐曲。

视唱练耳是业余爱好者容易忽视的训练。业余条件下，使用首调唱名方式更为容易和见效

。与固定唱名不同的是一定要首先注意各调主音的位置，不必非使用专门的教材。随便唱

能找到的各种高音谱号的乐谱都行，像小提琴、长笛、小号与键盘乐器的高音的乐谱表等

等。联耳能写出首调音高也基本够用了（但一个合格的演奏家不但能听出乐曲的旋律，而

且还能分辨出调式、和弦及复调并可以将它们记下谱来）。

总之，要做一个有心人，随时注意和系统学习相结合就能逐步提高自己的素质。

二、如何得到一把称心如意的吉他

常言道"工欲善其事，必先利其器"。拥有一把得心应手的吉他的确是一个吉他爱好者的

首要问题。尤其是对水平较高的人来说更是如此，但我国目前的情况要做到这一点并不简

单。一是高档的国产吉他并不好买；二是进口货的性能──价格比例往往差距太大、难以

承受。笔者的建议是：买进口货一要经济承受得起；二要托真正内行的人去买一把型

号的吉他。知道型号便可以有相当的质量，也可以由此知道大概的价格及制造用料和

做工，音色也有。不知道型号而只认牌子很可能上当。如果有条件，我劝爱好者购买

国内有可靠信誉的厂家生产的高档琴，这远比买国外吉他好和实惠。

选购吉他的时候千万别忘了琴弦的作用。高质量的琴弦会给吉他的声音增色不少。另外

，不同的环境也会给人完全不同的印象。例如，在一间较大而安静的空房子里由于混响声

强而会使任何吉他的声间变得更加悦耳。因此，带着一把自己熟悉的吉他去比较、鉴别会

使你评价更准确和客观。

三、如何科学地安排练习时间

吉他演奏的进步是依靠科学地、不懈地长期努力才能得到的。有人说，演奏家要服"终生苦

役"虽然是一句笑话，但反映了系统的、长期练习的重要性。

首先是每日练习时间的问题。应该承认人是有差异的，传说小提琴帕格尼尼极少练

琴然而却具备超人的技巧。但有的人每天则需每天练七八个小时才能有些进展、否则连保

持水平都有困难。当然这也和人的勤奋程度有关。例如日本青年演奏家山下和仁便是每天

无论如何也要用六个小时来练琴。据统计一般的职业演奏家平均的练琴时间在四个小时左

右，对于任何人来讲、技巧的进步都是时间的积累，那种认为理解后便会掌握只是一种幻

想罢了。

集中精力练习是效率较高的练习方法。而如何安排练习时间是直接影响效率的。个人应

针对自己的具体条件安排较有利的练习时间，在练习时尽量避免外界干扰影响自己。可以

每天将练习分为两段或三段进行，以免过度疲劳影响精力集中。但过于分散的练习也不会

有好处，这就像一壶水在炉子上煮一会儿拿下来，凉了后再放上去煮一会，那么这壶水一

天也不会开的道理是一样的。

四、如何进行每日练习和如何练习陌生曲子

每日练习主要解决三个方面的问题：1.基本功与技巧。2.学习新的曲目。3.提高音乐的

表现力。它们所占用的时间比例可以各占三分之一（也可以根据自己的情况而定）。但每

日的次练习都要着重于基本功锻炼，使手指灵活。基本功包括各种音阶练习、琶音练

习，但练习一定要有重点，即根据自己的不足安排练习。而不要盲目地一段一段地练。另

外，练习曲不同于视唱练耳，要把练习曲练熟并很好地弹奏下来，适当地提高或减慢速度

，增加或减少音量和做到运用自如，便更能提高练习的。每次练习都较好选用不同练

习目的的几个曲子来练，以免偏废。如要选用音阶练习、琶音练习，以及不同调式、节奏

、及和声的乐曲来练。有了良好的基本功便可以大大提高练生曲子的速度。上面提到的练

习是为了提高手指的灵活及适应性，为提高试奏能力要找一些生疏乐谱来视奏。用慢而稳

的速度集中精力练习，做到尽量少出错。好的演奏家都有极强的视奏能力，所以可以掌握

大量的演出曲目。

一般人练习生曲多数喜欢先找录音带来听，或者就是练习自己早已熟知而还没学会的曲

子，而对没有听过的曲子则没兴趣或者觉得不好练。这种练习方法很有弊病。由于对乐曲

缺乏理解与客观分析，单凭先入为主的印象而导致了拙劣的模仿。正确的方法是：即使是

熟曲子，也要严格地看谱子，按照正确的节奏慢慢地视唱旋律，再按照乐谱及依靠上面标

注的指法慢速度试奏。还要分析指法是否科学、合理？这要考虑两个方面，一是音乐的需

要，如一个音究竟在那个把们与琴弦上才更合适；二是指法要便于演奏，超出技术能力就

会影响音乐的表现。指法不合理的地方可以根据自己的条件进行标注和更正。另外要大音

量演奏，使自己弹得更有把握。还可以将技巧上复杂的部分单独拿出来练习，然后再合成

。熟练以后速度自然即可上去。这时要注意乐谱上的音乐术语、并理解和表现它们，此时

再听录音时这就不会盲目地模仿而是能体会到演奏家的风格以及各家的长短了。长时间坚

持下去就会培养出自己的演奏风格来。

完全没有听过后曲子也是按照上述方法学习。但更要注意音准与节奏。可以用吉他只弹

奏乐曲的旋律声部，并使之尽量动听、以体会乐曲的情绪、味道。任何乐曲只要熟悉了旋

律你就会感到好练了。

对于自己已经掌握的曲子要经常复习，并且仔细倾听自己的演奏。录音机是一面很好的镜

子，往往听录音更容易发现自己的不足。反复的推敲便会使乐曲的表现日臻完善。

为了日后演出的需要，一定要有保留曲目。保留曲目要将乐曲记熟。任何时候不用看谱也

可以弹下来。这些曲子较好每天弹一遍，尤其是技巧比较难的曲子。在曲目积累得不能每

天全部都弹一遍的时候可以选择重点练习。但如果总去练那些较难的部分，那你会发现在

舞台演出时往往大的漏洞出现在那些自己认为有把握的部分。

五、如何选择良师

鉴于我国目前的吉他教育水准，可以说这个问题是很难有统一答案的，笔者只是给大家

提一点建议供参考。

目前教吉他的教师有很多，教材也是五花八门：五线谱、六线谱、简谱全部有。民谣弹唱

、通俗弹法、正统古典各式具全。而且凡是会弹一点儿吉他的人全有教学的权力，所以选

择良师不是易事。笔者认为，凡是打算正规的接受古典吉他课程的爱好者，一定要选择使

用指甲弹奏尼龙弦古典吉他并且使用五线谱授课的教师。虽然自学成才也是很可贵的，但

在演奏姿势上往往难以规范，教师的水平又没有考核。因此，在投师前要听一听其他人的

反映如何。

每一段的升华都可能再寻找一个新的教师。除非你有一个值得信赖并且水平很高的教师。

即使这样也仍然有必要向其他人请教。但请记住，不要参与教师间的矛盾。对于教学方式

的差异，可以思考其中道理，选择其合理的方式学习，也可以向老师委婉地提出建议，当

然也应该毫不犹豫地离开只讲大话不负责任的"教师"。

目前正式上课的方式有两种：一种是集体课，一种是个别课。上集体课时要特别注意听

讲，记住教师强调的部分。

如果一时难以找到你认为合格的吉他教师，也可以找个有音乐修养的人。例如职业钢琴

手、提琴手、指挥等等，让他们做你的教师。听你表演的曲目，让他们提出音乐上的要求

，我想肯定会更好。

近年来国外来华讲学的人也多了起来，认真品质每个人讲课是有益处的。但是也不能太

迷信了，认为外国的月亮比中国的圆那也是片面的。总之教师与学员是一个矛盾的两个方

面，好的教师难找，但是良好的学习态度、方法以及随时注意与音乐有关的各种知识并积

累总结无疑也是十分重要的。

六、如何处理好不同时代、地域音乐

形成自己的风格绝不意味着用同一种办法去处理所有的乐曲。相反，丰富多彩的曲目、

风格多样的表现力才是真正的吉他演奏家所必须具备的。

不同时代和不同地域（国家）的音乐。从作曲上以及表演风格上都有相当的差别，由目

前古典吉他音乐会的保留曲目来看较早的是十六世纪的乐曲，基本可以分为文艺复兴时期

、巴罗克时期、古典音乐时期、浪漫派、印象派、民族东派以及现代多调性及无调性音乐

，以至还有以流行音乐和爵士音乐改编的乐曲。

从音乐史的角度讲、音乐是由简单到复杂、到多样化，和声从三和弦至七和弦、九、十一

、十三等越来越复杂，节奏由严格规整到随情绪变化，情调则是由庄重、幽雅到突出自我

，无调性音乐则完全废弃了正统音乐所具有的调性、和声系统、旋律结构等等较重要的特

征。这些特点，一些可以很快从乐谱上识别出来，另一些我们应该参考名家演奏的各种录

音或音乐会上欣赏、揣摸、体会出来，当然不只是听吉他音乐、钢琴、提琴及交响乐与爵

士乐，它们在节奏上与古典音乐的较大不同是：古典音乐的速度是可变的但音符的时值要

相当准确，但流行音乐为了其"味道"可任意改变音符的时值使之超前或滞后而不能改变速

度。

模仿是学习各种艺术的一种重要手段。但是模仿主要的目的是理解他人艺术表现方法以

供自己参考，尽量拓宽自己的曲目范围，例如巴赫的鲁特琴改编成吉他的作品具有典雅的

复调音乐的特征，贝里亚尼和索尔作品则较

现出的光辉灿烂的、塔雷加的吉他曲则较重视吉他本身的特色以至非用吉他才能演奏

出其来，阿尔贝尼斯与格拉那多斯钢琴作品被改编成吉他的乐曲突出了西班牙音乐的

民族特征，而劳罗与维拉-罗勃斯所具有的豪放而直率的南美风格更令人难以忘怀，要把这

些风格迥异的音乐表达得恰到好处，的确需要良好的修养与对音乐的敏感，抓住各种风格

音乐的本质特征非要下一番苦功。欣赏、分析、比较、鉴别并实践，得出自己的结论就能

获得成功。

七、如何参加吉他比赛

参加比赛是检验自己并且是一举成名的好机会，所以许多人都特别愿意参加比赛并渴望

成名，然而其中许多人都因选错了策略而没有取得相应的成绩，笔者仅对爱好者参加国内

吉他比赛提出一些忠告：国内一般的比赛，有设标准曲目与自选曲目的，也有没有标准曲

目的，另外有规定初赛、复赛、决赛不能报相同曲目的，并无统一规定，就其科学性来说

，每轮都有标准曲目并能提供乐谱，复赛与决赛有自选曲目的（在规定时间内弹完）是比

较正规的比赛。

标准曲目如果组委会提供乐谱，那在练习的时候一定要按所标指法一丝不苟地演奏，并

注意乐谱上的各种表情记号，这些便是很重要的评分依据，如果你有很好的技巧与表现力

、单因指法被扣分是不值得的，另外，千万不要以为快速的演奏就会获得好评，我们欣赏

乐曲的时候道德注意到的是音乐的美而不是其难度如何，这是表演者与欣赏者较容易脱节

的地方，就是说永远注意自己的音乐而不是技术，就更容易成功。

自选曲目仍然要遵守以上规则，一段表演得很好的小品胜过弹得支离破碎的大奏鸣曲。

所以一定要选自己力所能及的乐曲，不要让技巧影响自己的表现力，很多人以为只要自己

选了高难度曲目就一定要得，那将是很危险的，即使在体操比赛上，难度与完成情况

也是相辅相成的。当然，难度大表演得又好的人当然应该是胜利者。

如果条件许可的话，尽量不选重复的曲目，（每轮的曲目不同），以显示自己的实力（有

一句谚语说："一个人如果只有一根头发，那这根头发再黑再长，人们也只能叫他秃子）。

另外，比赛的心理素质也对成绩起着举足轻重的作用，分析影响情绪的原因有以下几个

：

1.信心不足，害怕失误。其实任何人在舞台上都会有失误，不要为失误耽心，要集中精

力注意表现音乐，并且告诉自己：别人一定也会这么紧张，情绪就会好转。

2.怕不公平。这种现象虽然不是处处都在，却也是司空见惯的，然而听听山下和仁

的话是有益的："比赛提供了一个难得的机会，只要缴纳很少的报名费，就可以在较好的音

乐厅和许多较的音乐家面前演奏……他非常严肃地听你演奏……我比赛没有任何野心

，仅仅把他看成是一场难得的音乐会。"确实如果不是时刻想着名次，那演奏一定会多

了。另外还有上点，就是观众是的""。如果你作了"无冕之王"那你是觉得很坦然

还是愤愤不平呢？我觉得前者更好些，另外，一次比赛仅仅是一次比赛，还会剥夺一个人

一生的幸福，以后还有机会，记住以上的话应该能奏效。

3.准备不充分。只求乐曲的难度而在舞台上忘了如何完整演奏，演奏中琴弦或指甲出了

毛病，忘记了带脚凳，眼睛看了下面又突然看见了某人而惊慌，脑子里一片空白，这些也

是紧张的重要原因，解决的办法是：一切都要有计划、有步骤的进行，首先将比赛所弹曲

目练得十分纯熟，指甲提前修整好并细心保养，琴弦要用高质量的新弦，提前两天把弦调

好，尼龙弦很容易跑音可以先将它用手拉（垂直于指板方向）。使其应力均匀，比赛前列

一个单子写明要带哪些东西，赛前少接触人将心稳定下来。在舞台上注意仪表风度，如果

有话筒尽量离话筒近些（良好的音色与足够的音量会使你增加信心）。眼睛多注意手而少

他顾，倾听自己的乐曲，不要注意已经发生的错误，集中以后的演奏，相信一定会将自己

的较好水平发挥出来。

参加国际性的比赛按我国目前水准还有许多差距，但是比赛的意思都是差不多的，只要

详细地阅读该比赛委员会所规定的章程，即可明白其要求及一切规则，这些章程都是比赛

前很久就通过各种方式告知给选手的，如果想出国比赛，除知道参加比赛的手续及规则外

，更重要的是高层次的比赛更重视乐曲的严谨与感情处理，准备的时候如果没有一个合格

的演奏家指导，可以请有较深的音乐修养的人听你的演奏，倾听他们的意见，一定会有收

获。

八、如何开好个人演奏会

在积累了相当数量的曲目后，每个吉他手都会渴望开个人独奏音乐会，个人演奏会可以

分为各种情况，如正式与非正式的，普通的听众或吉他与音乐爱好者。综合的吉他音乐或

纯古典吉他的独奏，一般来讲，非正式的音乐会应该采取较多演奏形式，如古典、民谣、

电吉他与小提琴、长笛、口琴的重奏等等。这样能显露出你的多才多艺又使一般观众不至

感到乏味，正式的演出场合，如在音乐厅内的表演一般可以用一两种形式（独奏与重奏）

，在曲目的选择上常常是一种以种个历史时期与不同国家的乐曲全面选择，以突出自己的

表现力，另一种是只选择某个作曲家的作品，说明自己深厚的功底与众多的保留曲目。

就如每个演奏家具有自己的风格一样，他们也同样具有某些缺点，选择曲目的时候要扬

长避短，这可以使自己的优势更好地发挥出来。曲目顺序的安排也很重要，不同速度、风

格以通俗与生疏的曲子要很好地穿插在一起，另外，开场与压台的曲目一定要精心选择，

以使音乐厅掀起一个个高潮，使观众进入情绪，共同享受欣赏音乐的欢乐，报幕词要简明

并要对曲子做些解释，可以更好帮助观众了解乐曲内容，场合合适的话也可以自己报幕，

适当的风趣语言，会缩短与观众之间的距离，当然有节目单更好。

开音乐会同样会遇到临场紧张的问题，解决的办法与参加比赛时一样，另外，力图使观

众理解你并使他们爱听你的音乐是克服紧张较好的方法，音乐会与比赛较大的不同是：比

赛的主要的目的是比较或者说是挑毛病，而音乐会的观众是来欣赏你的演奏，思想有

充分准备就能克服慌张的神态。

九、开阔视野，完善自己

现代社会是丰富多彩、多层次、多角度的生活，里根总统曾是个电影演员、名星兼摄影

家、足坛名将又是医学教授，这几乎成了"现代人"的特征，然而按照我们的传统习惯，却

总是认为这种"一心二用"是"不务正业"，于是有些人将流行音乐与古典音乐对立起来，嘲

笑威廉斯弹电吉他，或者认为凡同时会两种技能以上的人必然水平不高，笔者以为凡有这

种思想的吉他手的表现力多少会受到影响，目前国际上真正单纯以演奏古典吉他为职业的

演奏家为数并不多，然而，并非以此谋生的吉他手的水平也不一定水平就低，随着生活条

件的提高，人们所注意的不再是温饱问题（专以演奏古典吉他为生在国外并非容易）而是

追求生活质量、完善自我，所谓的"业余"与"专业"之分一般人总认为是"水平"之分，实际

上"业余"是指不以此为谋生手段而已。因此笔者认为我们热爱吉他，想提高自己的水平，

加强自己的艺术修养与造诣，但并非一定将以职业演奏家为自己的较高理想，在我们这个

并不富有的国家里，广大的吉他爱好者都挤在这个小圈子里必然会造成许多人失望，过份

的单打一也会影响我们在其他方面才能的发挥，因此笔者认为"现代人"应该更会安排自己

的未来，开阔视野，在音乐方面要涉及学习古典的、现代的、流行的各方面，抓住它们的

本质与精华、艺术方面如：美学、绘画、雕塑、摄影都浏览一下，充实自己的鉴赏力。自然

科学方？

嬉惨？蚝没？∪纾菏？⒗怼⒒？⑽摹⒅敝良扑慊？？蓟岫阅阊芯恳帐醮？粗苯踊蚣浣拥暮

么Γ？踔亮己玫奶逯识蓟崾悄愠晒Φ囊环荼Ｕ希？？灰？讨吹匾晕？松？牡缆分挥幸惶酢

？

十、团结一致，共同为发展我国的吉他事业奋斗

似乎各行各业都充满了各种矛盾和复杂的人际关系，它影响了我们许多精力。然而艺术

又非体育比赛，难得区分水平的的高低。一个真正搞艺术的人，应该从艺术的观点去

看问题，而不能盲目地说三道四，以他人的短处来比较自己的长处，强调别人的弱点，甚

至为树立个人威信而对他人进行人身攻击。每个人都比较了解自己，但对别人的了解就不

是那么容易的事！为了我国吉他的总体水平的提高，我们要提倡艺德，提倡相互讨论、交

流心得。有不同观点可以争论，目的是提高认识。而不是为了压倒对方。每个吉他爱好者

如果都能把自己的潜力充分发挥出来，把全部精力投入到事业中去，那么，我国的吉他艺

术水平必定会迅速得到提高

哪些音程是不协和的？

同人摇滚音乐

同人音乐是业余的个人或同人社团所制作的音乐制品，如歌曲唱片、歌曲音像档案，为同人文化的产物。主要在同人志贩售会或相关店家公开、贩售。

同人音乐大致可分为以下三类

•重新编曲

将电玩游戏等既存作品的音乐施以独自的编曲后发表。为遵守著作权法行二次创作，此类作品需经由原作者的同意，或者是在原作者订下的二次创作规则的范围内才能进行发表。

•原创乐曲

•印象曲

以既存作品的印象为主题而作为该作品的二次创作物发表的原创乐曲

同人音乐与同人词的指涉范围有重叠之处。一般来说，着重于填词上的作品，称为同人词，歌曲可使用原装音乐或上述任何类型的同人音乐。而称为同人音乐的作品，则着重于其编曲或作曲。但同人音乐一词广义使用时，亦常包括同人词作品。另外，同人音乐和同人游戏的亲和性高，在同人游戏的乐曲提供或原声带的作成上经常有合作的活动。

与其它音乐创作的异同

虽然独立音乐与同人音乐的活动内容有重叠、易混淆之处，但同人音乐为同人活动，并不是以赚取利益或商业出道为目的。作品的取得、同好的交流方式等和独立音乐也有所不同。

参见

•同人

乐理知识学习

标1的行，是我们通常说的do re mi fa sol la si，叫自然音级。标2的第二行叫变化音级，比如1和2之间会有一个音符，#1或叫b2（升1或降2），其他音符同理。那你看到行和第二行加起来一共有12个音符，我们管他们叫12平均律，音乐中用的音符一般就这12个。1到#1或者#1到2是一个半音，就是较近的两个音符是半音的关系，那你会发现3和4这两个音是半音关系，还有1组半音关系是7和1.那1和2，2和3这种，中间还有一个音符的，我们叫全音。自然音级里只有3和4，7和1是半音关系。我们管do re mi fa sol la si叫唱名。对应的CDEFGAB叫音名。每个音都对应有一个音名。1的是C。其他同理。

如果一个谱例前面写了1=C，那就是C调，我们就把C这个音当作1，然后按照关系来排列了一个新的音阶。那依次就是CDEFGAB。

如果一个谱例前面写了1=G，那是G调。我们把G这个音当作1，那因为1和2是全音关系，G到A是一个全音关系，所以2就应该是A。G调的1，其实就是C调的5，G调的2其实就是C调的6.

简单的理解调的概念，其实就和楼梯一样，你从不同的位置开始计算而已，每级台阶之间的关系都是不变的。图的第四行就是G调的音阶构成了，其实就是按照全音半音的关系计算了一下而已。你可以以C调当作基准调，记住所有的音之间的关系，然后来换算别的调。

那12平均律和吉他有什么关系呢？吉他的空弦到1品，品和品之间都是半音关系。所以就可以推算吉他上所有的音。比如空弦6弦的音是低音3（mi）。那因为3和4，是半音关系，空弦到1品是半音关系，所以1品就是4.那4到5是全音关系，就应该空一个品来计算，所以5就在3品。

“音乐基础理论”（下）复习提要

责任教师蓝鹰

“音乐基础理论”是电视中专“话剧与影视表演”专业的一门基础课，根据教学计划的安排，该课开设两个学期。所用教材为借用中南工业大学出版社出版的《大学音乐教程》，上学期学习了章至第五章的内容，主要是乐理。本学期学习剩下的内容，即第六章第九章。现将有关复习内容和要求说明如下。

各章节复习要点

第六章声乐艺术欣赏

节声乐的含义、主要特点及其分类

一、声乐艺术的概念及其特点

声乐艺术是以人声为乐器的一门音乐艺术。

声乐艺术的特点：，其发声的震源体是声带，而声带受气息冲击颤动，声带的振动受大脑和体力的支撑；第二，声乐艺术是音乐与诗词的结合；第三，它具有更丰富的表现形式。

二、声乐艺术的分类

通常根据音质、声区结构、音色、音域等几个方面的综合情况将人声分为七大类：女高音、女中音、女低音、男高音、男中音、男低音、童声。其中女高音和男高音又可在分类。

第二节声乐艺术的演唱方法

根据发声技巧、声音色彩、演唱风格、表演方式上的差异，目前国内通常将演唱方法分为：美声唱法、民族唱法、通俗唱法三种。

一、美声唱法

美声唱法一词出自意大利语“beleanto”。这是18世纪流行于意大利的一种歌唱方法，其目的在于造就美妙的歌声。

美声唱法有三项要求：1. 具有自然优美的声音，在整个歌唱音域范围内使声音保持均匀；2. 经过严格的训练，达到对极为华丽的音乐作品能够唱得毫不吃力；3. 充分掌握美声歌唱的风格，而这是不能教出来的，只能在欣赏意大利歌唱家的歌唱中去体会。

美声唱法注重发声的科学性，讲究声音的本质美，追求声音的光彩、力度、发声的通畅等。

二、民族唱法

民族唱法是“民族民间唱法”和“中西结合唱法”的统称，也称为“中国唱法”。

民族唱法的特点是注重声音的民族特性。嗓音中具有符合民族审美习惯的质朴感和亲切感，音色真实、明亮靠前；对语言十分讲究，强调风格、韵味，并以其为歌唱观念的核心；讲究“声、情、字、味、表”的全面修养，注重“声情并茂”。

民族民间唱法又包括民歌唱法、传统戏曲、曲艺唱法两大类。

中西结合唱法是在传统的民歌唱法的基础上，借鉴和揉进美声唱法，“洋为中用”的大胆尝试。

三、通俗唱法

通俗唱法又称“流行唱法”。作为一种演唱风格，已形成一种客观存在。

通俗唱法的特点是：1. 无严格的技术规范；2. 把“自娱”作为表现的主要目的，强调其“倾诉性”和“宣泄性”，也就是以情感人和自我情感的流泄；3. 力求演唱的生活化、大众化和口语化。

第三节不同体裁声乐作品的欣赏

声乐作品的体裁，根据历史形成的内容和表现形式的相似或近似的特征，大致分为：民歌、进行曲、颂歌、抒情歌曲、叙事曲、表演唱、讽刺歌曲、诙谐歌曲、摇篮曲、小夜曲等。

一、民歌

民歌的表现手法洗练、质朴，艺术形象鲜明、生动，它真实而深刻地表现人民的生活、思想和愿望，反映着人民的历史和民族的特性。

1. 中国民歌

民歌即产生于劳动人民长期的社会实践中，对人民生活有着深远影响的，经过口授心传的民间歌曲。

根据产生的社会条件、功用要求、音乐表现方法和典型的音乐特征性格，我国民歌的主要体裁可划分为号子、山歌和小调。

号子是劳动人民在生产劳动过程中创作演唱的，并直接与生产劳动相结合的民歌体裁。它是一种与劳动节奏紧密配合，直接伴随劳动而歌唱的民歌。

《澧水船夫号子》、《扁担歌》（《走绛州》）。

山歌是指劳动号子以外的各种山野歌曲，是劳动人民在山野、田间、牧场劳作、休息时即兴抒发内心思想感情的一种抒情民歌。

四川山歌《槐花几时开》*(加*的作品是应重点的作品。下同)、云南山歌《放马山歌》。

小调又称小曲，是指在城镇中流行的民间歌曲。曲调优美流利、结构整齐，具有曲折、细致的表现特色，手法多样，往往是经过民间艺人加工提炼而成。

小调大体可分为四大类：吟唱调、谣曲、时调、舞歌。

《绣荷包》、北方小调《对花》、江苏小调《无锡景》。

少数民族民歌。东蒙民歌《牧歌》*、哈萨克族民歌《美丽的姑娘》、回族民歌《上去高山望平川》。

2. 外国民歌

由于对民歌有不同的理解，一些个人创作的歌曲、音乐剧中的主题歌也被当作民歌。

印尼民歌《星星索》*、日本民歌《樱花》、美国民歌《老黑奴》、意大利民歌《桑塔·露琪亚》*、俄罗斯民歌《三套车》*。

二、进行曲与群众歌曲

1. 进行曲

这是一种富有战斗性与群众性的歌曲体裁。

其特点是：节奏铿锵、律动性强，旋律干净利落，感情威武雄壮，形象鲜明单纯，结构短小精悍；多采用2/4、4/4拍子，以齐唱、合唱为主；对于整齐步伐、统一思想、壮军威、鼓斗志等方面均能产生明显作用。

《义勇军进行曲》*（聂耳曲、田汉词）的欣赏。

2. 群众歌曲

这是一种具有广泛群众性的歌曲体裁。

其特点在于：旋律流畅，形象单纯质朴、结构短小，易解性强，易唱易记；多采用2/4、4/4或3/4等单一性节拍，以齐唱为主，轮唱或简单的二部合唱次之。

《没有共产党就没有新中国》*（曹星火词曲）的欣赏。

三、颂歌和抒情歌曲

1. 颂歌

一切为歌颂党、歌颂祖国、歌颂、歌颂革命英雄和民族英雄、歌颂大地河山、歌颂崇敬的对象和心爱的事物的歌曲，都称为颂歌。

根据内容、体裁、形式的不同，颂歌大体可分为三类：种颂歌，曲调宽广、速度较慢，具有庄严宏伟的气魄；第二种颂歌带有进行曲风格，多采用二拍子和四拍子，曲调刚毅豪迈，气势雄壮宏伟；第三种颂歌具有抒情歌曲的特点，气息宽广且富于歌唱性，抒发对所歌颂的人物和事物的深情厚意。

《祖国颂》*（乔羽作词，刘炽作曲）、《北京颂歌》（洪源词，田光、傅晶曲）。

2. 抒情歌曲

抒情歌曲是通过作者对现实生活的感受，抒发其诗化的情怀。

抒情歌曲直接抒发人们内心的思想感情，表达人类各种各样的情感。旋律常以甜美柔和、幽静平稳、深情沉思以及轻快跳荡、愤慨悲痛等感情为基调，富有歌唱性。

《教我如何不想他》*（刘半农词、赵元任曲）、《父老乡亲》（石顺义词、王锡仁曲）。

四、叙事歌曲和表演唱

1. 叙事歌曲

叙事歌曲是叙述故事的歌曲，其歌词具有史诗、叙事诗或故事诗的性质，有时歌词本身就是一首史诗、叙事诗或故事诗。

根据音乐的不同风格和形式，可将叙事歌曲分为两类：一是民歌风格的叙事诗；一是说唱风格或朗诵调性质的歌曲。

《苏武牧羊》、《魔王》（歌德词、舒伯特曲）

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