音乐理论基础：什么叫切分法？什么叫切分音？(2)

2024-07-30 09:32:09210次行业资讯

音乐理论基础

什么叫切分法?什么叫切分音?(2)

五线谱和简谱

一、简谱

简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便，因此在我国广泛流传。简谱有它的优点，但也有它的缺点。例如记合奏合唱，它就不象五线谱在视觉上那么清楚，而记钢琴谱几乎是不可能的。过去有人认为简谱简单、不科学，因而否定了简谱在现实音乐生活中的重要作用，那是错误的。应该承认：简谱对音乐的普及和推广，作出了重大的贡献。在今

简谱的创造和发展过程，因为缺乏有关的材料，还不能作准确的介绍。法国的加林(1786-1821)和舍维(1804-1864);英国的格兰威尔(1785-1867)和葛尔文(1816-1880)，在简谱体系方面，都曾作过研究和整理。我国的简谱是由日本传来的。这种体系与舍维的体系已有所不同。按照舍维体系，八分音符和十六分音符的短线，都加在音符的上方。

然而日本的简谱到了我国，特别是解放后十年来，又起了许多变化和发展，现在只将现行的简谱作如下的简单介绍。

在简谱体系中，音的相对高度暖和七个阿拉伯数字来表示的。这几个音的相互关系，除34、7i半音外，其他全为全音。

标记：1234567i

唱法：dorimifasollasido

在音符的上面加一小圆点，即表示高八度演唱，加两个圆点表示高两个八度;反之，在下面加一个圆点，即表示低八度演唱，加两个圆点表示低两个八度。

要准确地表示音的高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。

为了避免在音符的上面或下面过多的加点，在合唱、合奏谱中，往往应用移高或移低八度的方法来记低声部或高声部。例如：男高音、男低音、琵琶、低胡用高八度记谱;梆笛、板胡用低八度记谱等便是。

音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。

在简谱体系中也应用附点。但只到四分音符为止;再长的音符，如二分音符、全音符则继续用增加短横线来表示。

附点全音符：1-----

附点二分音符：1--

附点四分音符：1.

附点八分音符：1.

附点十六分音符：1.

表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目、在0的右面加附点来标记。通常所用的休止符如下：

全休止符：0000附点全休止符：000000

二分休止符：00附点二分休止符：000

四分休止符：0附点四分休止符：0.

八分休止符：0附点八分休止符：0.

十六分休止符：0附点十六分休止符：0.

三十二分休止符：0(下加三横线)附点三十二分休止符：0(下加三横线)

长达数小节的休止，可用长休止号。写在小节内，上面的数目字表示休止小节的数目。

仅有长度而无一定高度的音，用X记号来表示，音的长短则用在X后面或下面加短横线来标记。

在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。

简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。

速度标记和表情术语记在行乐谱开始处的上面。

在多声部的记谱中，小节线多半是分开的，各声部单独记写。但有的器乐曲的小节线是按照乐器的分组连起来的。不论是分开或不分开，各声部的小节线一定要上下对齐。

记谱时要注意音符的空间距离，使小节与小节，拍与拍的距离大致相等，一拍之内音符少的要写松一些;音符多的要写紧一些。少于四分音符的各种音符，低音点要记在短横线下面。

简谱体系中音值组合法的规则，基本上与五线谱相同。只是在复拍子中不用代表整小节的一个音符，而用连线把音符按单拍子分组后连结起来。

休止符的组合法和上面所谈情况相同，当然不必再用连线。

连音记号记在音符的上面，用开口的括弧加上表示连音的数目字来标记。

简谱中的移调非常简单，只要把调号改动一下便可以了。例如C大调的乐曲要移高大二度时，只要把1=C改成1=D便完成了。

简谱中变音记号只用升(#)、降(b)和还原三种，重升(×)、重降(bb)是不用的。

在简谱体系中，较长的确定的转调，不用临时变音记号，而用转调后的调号来标明。

五线谱中所用的装饰音记号、省略记号、力度记号、速度记号基本上都适用于简谱。

为了避免代表断音的圆点和高音点相混，在简谱中断音用▽或▼来表示。

短倚音用小的十六分音符或十八音符标记，写在主要音的左上方或右上方，并用连线与被装饰的主要音相连。

前奏、过门、尾声和五线谱一样，用小音符标记，有的也用括弧括起来。

记写和弦时，音符下面的短横线，仅在较低音下记出。

关于简谱的记谱法，目前还没有一个较完整的体系，以上所谈的仅是简谱中一般较普通的知识，是很不全面的。

二、工尺谱

工尺谱是为我国所特有的记谱方法。在民间流传甚广。直到今天许多老艺人还是习惯用工尺谱来演唱或记谱。在研究整理民族音乐遗产、向民间音乐学习方面，它仍有着积极的特殊的意义。

工尺谱系何时开始创用，已很难考查。根据历史记载，古代对工尺谱各音的写法与今天通用的写法也颇不一致。目前我国各地所流行的工尺谱，在写法上和读法上也仍然大不相同。

详尽地、系统地研究工尺谱，是个专门的学问，也是一件艰巨而复杂的工作。这里所介绍的仅是这方面的一般常识。

工尺谱在传统写法上是由右而左作直行书写的，但近二三十年来，也有以简谱的形式横行书写的。

在工尺谱中，音的高低是用“上尺工凡六五乙”七个汉字及其变体来标记的。根据目前一般的唱法，它的音高关系与简谱的1234567相同。即工凡、乙(亻上)之间为半音，其他相邻两音之间为全音。

工尺谱中音的长短是用板眼符号(记在每拍的个音的右侧。、或×代表板，·或о代表眼。)、每拍中所包含的字数、字体的大小、字与字之间的距离来表示的。

如果一个音的时值超过一拍以上时，那末就在这个字的下面加一直线。直线所占的时间根据音的长短标记的总原则。

近四十年来，在工尺谱的直行书写中，除了以上所讲的音值标记外，往往还在字的左侧或右侧加用纵线来表示。纵线的记写和意义与简谱音符下的横线相同。

一拍内包括六七个以上的字或节奏较复杂时，大都用加赠板(拍的细分)的方法来记写。

在工尺谱中，乐句与乐句之间常留有一定空隙，以表示乐句的划分。乐段的标记则有两种方法：一种是段与段之间留有较大的空隙，一种是分段记写。

在工尺谱中，音的休止叫做歇板和歇眼。歇板和歇眼的记法有两种：一种是在歇板或歇眼处写一“勺”字，而在这个“勺”字的右侧注明板或眼的符号;一种是在歇板或歇眼处留出一定的空隙，在这个空隙的右侧，即记板眼符号的地方，记以歇板或歇眼符号。歇板符号用“棥被颉啊痢崩幢硎荆??鄯?庞谩皸”或“△”来标记。

上面所讲的歇板和歇眼的写法，都是表示一拍开始时的休止，但在旋律进行中，往往不是在一拍的开始处休止，在这种情况下，比较清楚的写法是在休止的地方写上一个“勺”字。

如果要在一拍半的音后面休止半拍时，一般都用歇眼符号“△”写在板的符号“×”的下面来表示。

工尺谱中调的标记，数十年前和现行的已大不相同。为了正确了解各种调名所代表的调的高度，现将数十年前流行的调名、现在流行的调名和国际通用调名的音高关系列表如下：

现在流行的调名数十年前流行的调名国际通用的调名

小工调小工调(乙字调)D调

乙字调凡字调A调

凡字调上字调bE调

上字调六字调bB调

六字调尺字调F调

尺字调四字调(五字调)C调

正宫调(五字调)正宫调G调

现行工尺谱的调的名称及调的关系，是以小工调为基础，以工音为关键来确定的。例如某调的工音相当于小工调的六字，便称为六字调，某调的工音相当于小工调的尺字，便称为尺字调。也就是说：以小工调的六字为工，便叫做六字调，以小工调的尺字为工，就叫做尺字调，余类推。

在民间还有以笛上的按孔或开孔的数目作为调名的。如三眼调、两眼调等。

工尺谱中的强弱记号、反复记号、表情记号、速度记号等，都是用文字来标记的。有的记在工尺音字的左侧，有的记在板眼符号的右侧，也有的记在工尺音字的行间。

较后谈谈工尺谱译简谱的问题。

将工尺谱译成简谱，是个相当复杂的问题。前面我们已经讲过：由于时代、地区的不同，工尺谱有着各种各样的写法和读法，因此，译谱时便不能简单化。例如，五台山僧寺中所流传的宋朝乐谱中，《八板儿》(即《老六板》或《老八板》)的开头一句，记作“一一工四合”，其实就是通行工尺谱中的“工工四尺上”，译成简谱便是“33621”。也就是说，译前者要以“合”为“1”，而后者则以“上”为“1”。这是由于新、古音阶的不同而产生的。

有时为了乐器演奏上的方便，许多工尺谱是采用移调记写的。譬如把正工调的谱翻成小工调记写，即把原来的“上尺工”写成“凡六五”。在这种情况下，译成简谱时便不能译作“456”，而应译成“123”。

总之，在进行译谱时，一定要经过仔细的研究、分析，确定其调性，辨别其音的高低关系，这样译写的乐谱才能求得准确。

曲式

曲式在不同的时期确实有所不同。我们通常所说的曲式——乐段、二部曲式、单三部曲式、复三部曲式、变奏曲式、回旋曲式、奏鸣曲式和奏鸣回旋曲式，看似是一个从低级到的进化过程，但我个人的观点是，不能用进化论来看曲式的演进的。比如在古典时期交响曲的末乐章中常常使用的回旋曲式，就是从古代欧洲民间的轮舞歌曲中起源的。作曲家在创作的时候可以使用“复杂”的或是很“简单”的曲式，但复杂的未必是的，简单的也未必是低级的。莫扎特经常在交响曲或是协奏曲的末乐章使用回旋曲式，其结构往往条分缕析，一目了然;而后世的作曲家，比如柴可夫斯基也使用回旋曲式，其结构往往比较复杂，比如他《第四交响曲》的第四乐章，将变奏原则也融入到回旋曲式中，但是我们不能说莫扎特作品中的回旋曲式是低级的，而柴可夫斯基作品中的回旋曲式是的。

关于曲式发展史的问题，笔者尚未见到一本中文或英文的专著，由于笔者不通德文和法文，所以对这两国的著作不甚了了。但是在音乐史上的某些时期，的确是有一种或是几种曲式是作曲家的钟爱。由于没有文献的参考，本人只能粗略总结如下：

我们现在经常看到的Da Capo曲式，就是aba曲式，起源于以亚历山大·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派中的Da Capo Aria，即“返始咏叹调”。其中的a与b往往性格相左，假如a段是非常激动的，那b段就可能会是平静的;而当音乐进入到a的再现段时，往往会由歌者自由地对旋律进行装饰，以显示自己高超的演唱技巧。直到今天，当我们听一些aba曲式的作品时，经常会碰到演奏家将再现的a做一些装饰性的变化，这就是这一传统的余韵流风。

后来，在巴洛克时期的古组曲或是大协奏曲中，其第二舞曲往往是由三件管乐器演奏的，比如巴赫的《乐队组曲》和《布兰登堡协奏曲》，这称作“Trio”，即“三声中部”;除此之外，我们还会在古组曲中见到小步舞曲、第二小步舞曲，或是布列、第二布列，在演奏这些作品时往往需要在演奏完第二小步舞曲(或布列等)时，再一次演奏小步舞曲(或布列等)，这两种形式就是后世复三部曲式源头。

单三部曲式和复三部曲式在古典、浪漫以及二十世纪的作品中都俯首可拾，但是这两种曲式的盛期是在文艺复兴晚期和巴洛克时期。

回旋曲式和变奏曲式都时期源于古老的体裁：前者是古代的轮舞，而后者是帕萨卡利亚和恰空，帕萨卡利亚往往指固定低音变奏曲，而恰空指的是固定旋律变奏曲。回旋曲式和变奏曲式也是在各个历史时期都可以见到的曲式类型。变奏曲式在浪漫主义时期略有衰落，并不是作曲家较为青睐的曲式，但是也出现了诸如勃拉姆斯《第四交响曲》第四乐章这样优秀的范例。

奏鸣曲式是西方音乐对人类文化的一个巨大的贡献!奏鸣曲式中处处体现的对比、统一原则，不仅仅是西方文化精神的凝炼，而且与我们中国古老的文化也是不谋而合。当奏鸣曲式在巴洛克晚期初见端倪的时候，它就开始被众多的作曲家所使用。严格的奏鸣曲式的例子在巴赫的音乐中不多见，但是一些奏鸣曲式的因素在其音乐中就屡见不鲜了。而和巴赫同时代的作曲家多梅尼科·斯卡拉蒂(A·斯卡拉蒂的儿子)、巴赫的小儿子C·P·E· 巴赫、曼海姆乐派的作曲家以及海顿对这一曲式的形成和发展做出了巨大的贡献。从这一时期往后，几乎没有作曲家没写过奏鸣曲式的作品。奏鸣曲式在古典和浪漫主义时期得到了空前的发展，其形式越来越复杂。

以上是按照曲式分类的一个简要的概述。如果按照音乐史的分期，我们可以概要总结如下：

文艺复兴晚期和巴洛克时期：以单三部曲式、复三部曲式和变奏曲式较为常见。法国古钢琴学派中存在不少回旋曲式的作品。奏鸣曲式处于萌芽时期。

古典时期：各种曲式结构分庭抗礼，难分伯仲，古典交响曲套曲在此时期得以确立。其乐章往往是奏鸣曲式，第二乐章往往是复三部曲式或是变奏曲式，第三乐章往往是复三部曲式，第四乐章是回旋曲式或是奏鸣回旋曲式。

浪漫主义时期：奏鸣曲式是较为重要的曲式结构。其它的曲式类型亦很常见。这一时期，还出现了几种曲式结构共同结构而成的作品，比如舒伯特《第九交响曲》的第三乐章，其总体是一个复三部曲式，而作为复三部曲式的A部又是一个奏鸣曲式，复三部曲式的B部又是一个复三部曲式。这样的曲式我们称之为混合曲式。此外，我们还能看到一些无法用传统曲式学来归纳的作品，比如肖邦的《回旋曲》Op.1，其结构为：ABCAD，这样的曲式我们称之为自由曲式。

二十世纪：音乐风格异彩纷呈。很多作曲家抛弃了传统的曲式结构进行创作，出现了很多的曲式结构，比如以往不太常见到的拱形曲式，在巴托克的作品中比比皆是。传统的曲式结构也依然存在，有些作曲家，特别是十二音音乐的作曲家，在其作品中丧失了调性的组织力之后，又开始使用传统的曲式结构来组织音乐。总之，二十世纪音乐中的曲式很难用传统的眼光去观察，音乐创作的变化使得音乐分析方法也有了很大的变化。据《新格罗夫音乐和音乐家大辞典》(第二版)，无调性音乐的分析理论有：音级集合理论、对称理论和转换生成的各种网络理论。

音程-基本乐理

教授：孙荣绮

中国音乐家协会会员、国家二级演奏员

联系方法：孙老师信箱 sunrongqi@yeah.net, sunrongqi@ccnt.com.cn

节音程、曲调音程、和声音程

在音乐体系众多的音。音与音之间的关系叫音程。(实际上就是两个音之间的“距离”)。

音程中的两个音，各自都有自己的名称，低音叫做“根音”(也叫下方音)、高音叫做“冠音”(也叫做上方音)。

一曲调音程

“根音”与“冠音”先后发出的关系，叫做“曲调音程”(也叫旋律音程)。

谱例1：

曲调音程分别有“上行”、“下行”、和“平行”。在谱面上书写要根据发音的先后次序来书写。

谱例2：

二和声音程

“根音”和“冠音”同时发出声音叫做“和声音程”。

谱例3：

和声音程在谱面上标画的时候上下两个音一定要对齐。(注：二度音是不能对齐的，也对不齐，只能错开写，但是应该低音在左边，高音在右边。)

三音程的读法

上行的曲调音程与和声音程都要从低读到高(也就是从根音读到冠音)。而下行的曲调音程和平行的的曲调音程一定要读出走向。比如说：从G到下面的B，或者是从E平行到E，等等。

第二节音程的度数音数

1 度数

在我们日常生活当中，有很多的计量单位。比如说量长度的有公里、米、厘米、尺、寸，重量单位有斤、两等等。

音程同样也有一个度量单位，这就是“度”，也叫做“度数”。

其中还包含着“音”也叫做“音数”。音程的大小名称都是由“度数”和“音数”决定的。

五线谱上的每一条线和每一个间都是一度。两个音同在一条线上，或者同在一个间里的时候，这两个音的音程关系叫做“一度”，或者叫做：“同度”。

如果两个音，一个在线上，另一个音在紧挨这个音的间里，那末这两个音之间的音程关系叫做：“二度”。

如果两个音都在线上，而且是较近的两条线上，或者是两个音同样在两条较近的间里，这两个音之间的音程关系就叫做：“三度”。就是音程的度数。也就是两个音中间相距有多少个音级。

谱例1：

2 音数

音程的构成，除了“度数”还包含有“音数”。

音数是指两个音级之间包含着多少个半音。

音数是由分数来表示的： “1”表示是全音、“1/2”表示是半音、“1.1/2”表示一个全音加上一个半音。

辨别音程的关系，就是要根据两音之间的“度数”和两音之间包含的“音数来确定，为了音程的完整性，我们还需要在“度数”和“音数”的前面再加说明性的五个字：大、小、增、减、纯，分别用在不同的音程上。

下面举例说明：

音数是0的“一度”叫做“纯一度”它们是同度。比如：C-C D-D E-E F-F G-G A-A B-B 。

谱例2：

下面面紧接着是“小二度”，它的音数是1/2的小二度，而音数为1的二度叫“大二度”。在自然音阶里 E - F 、 B - C 是“小二度”(半音)，其它两音相邻的音程关系都是“大二度”。

谱例3：

下面总的列表来说明：

3 音程的标写

音程的度数要用阿拉伯数字标写。音数用大、小、增、减、纯、倍增、倍减来标写。比如：大六度就要写程“大6”，小二度要写成“小2”，纯五度就写成“纯5”，依次类推有这样一个规律：凡是二度、三度、六度音程，都用“大”“小”两个字来区分;而一度、四度、五度都用“纯”字。

第三节自然音程和变化音程

1 自然音程

纯音程包括：纯一度、纯四度、纯五度、纯八度。

大音程包括：大二度、大三度、大六度、大七度。

小音程包括：小二度、小三度、小六度、小七度。

增四度、减五度也叫“自然音程”。

2 变化音程

变化音程是由自然音程变化而来的。

大小音程是可以互相转换的。举一个例子：大六度音程，如果把把冠音降低半个音，或者将根音升高半个音，那末这个音程就从大六度变成了小六度。由此可以看得出，音程的度数是由两个音之间的距离来决定的，音程的性质(大、小、纯、增、减)是由它所含的音数决定的，这就是变化音程。

谱例：

第四节协和音程和不协和音程

音乐在人听起来由舒服和不舒服的区分。这是由于同时出现的音(也就是和声音程)有协和与不协和之分。协和的音程人们听起来就悦耳，而不协和的音程人们听起来就刺耳、很难听，有一种压迫感。听起来悦耳的音程是协和音程，听起来是刺耳的、不融和的音程就叫做不协和音程。

下面我们先谈谈协和音程：

协和音程一共有三种：

1 极完全协和音程：纯一度、纯八度。

2 完全协和音程：纯四度、纯五度。

3 不完全协和协和音程：小三度、大三度、小六度、大六度。

以上这三种音程的音响各有不同：

极完全协和的音程，听起来是一个音，或者是几乎是一个音的。(纯八度有一点空洞的感觉)。

完全协和音程，听起来是互相包容的，很舒服的感觉.

(不完全协和音程，听起来有一点跳的感觉，虽然如此却还可以容忍，所以也算在协和音程之内)。

4 不协和音程听起来就十分刺耳了，这种音程包括大二度、小二度、大七度、小七度、以及增减音程。

不协和音程使人的听觉受到刺激。但是在特定的情绪和条件时经常使用到这种不协和音程的，我们在音乐作品会常常听到它们。

第五节单音程和复音程

单音程比较简单些，它是指在一个八度之内的音程，叫做单音程。超过一个八度之外的音程叫复音程。

单音程的称呼比较容易一些，是几度就可以直接称呼。比如大三度、纯八度、增二度、小七度等等。

复音程相对来讲就比较复杂一些。简单的办法可以用“加七”或“减七”的办法来算。

用“加七”的办法算是这样的：把现有的度数加上七度，然后一共是几度就直接称呼它的度数。(请看谱例1里的1、3、5、6)

用“减七”的办法算是这样的：减去八度但是要称为“隔八度的多少度。下面举例：

谱例1：

第六节音程的转位

音程的转位：就是把音程上下两个音的位置颠倒过来(根音和冠音互相倒置)上方音成为下方音，下方音成为上方音。这就是音程的换位。

音程转位可以在一个八度之内，也可以超过一个八度。

音程的转位可以单独移动根音和冠音，也可以将根音和冠音同时移位。

谱例1：

音程转位以后出现的现象：

(一)音程通过转位以后，除了改变它们之间的度数以外，还改变了它们之间的关系和种类。

1 首先是大音程经过转位以后，都变成了小音程，而小音程却成为了大音程。

2 增音程和倍增音程经过转位都变成了减音程和倍减音程。

下面我们看一个图表：

(二)音程转位以后改变了度数，计算的方法如下：

原位音程的度数和转位音程的度数的总和相加起来是九度。要计算转位音程的度数只要在九度里将原位音程的度数减掉，就是转位音程的度数。

还有一个办法是反过来。将原位的度数与转位的度数相加等于九，也是可以的。

依次类推。

(三) 音程转位以后不改变它们的性质，也就是说：协和音程经过转位仍然是协和音程，不协和音程还是不协和音程，不完全协和音程同样也是依旧。

(四)音程经过转位以后，单音程变成了复音程，而复音程则变成了单音程。

八度与和弦弹奏技术

八度技术是钢琴中较常用、较重要、也是较难的技术之一。钢琴弹奏者八度技术差的远比单音技术及其它技术差的人多很多。就是钢琴家中，也有些人八度技术并不算很高明。八度技术十分高超的钢琴家，世界上不是很多。八度技术主要为手腕技术，因为，弹奏八度的人体技术关键部位是手腕。为什么?这是人体的生理构造与生理机能所决定的。人的手臂关节有指关节、掌关节、腕关节、肘关节与肩关节。这其中，弹八度，可作为手臂动作轴心的关节，只可能是腕、肘、肩三个关节。谁也不可能以指关节或掌关节为动作轴心来弹八度。在腕、肘、肩三个关节中，如以肘关节为轴心来弹八度，动作反应必笨重、迟顿，不可能弹快。如以肩关节为轴心来弹八度，动作反应比肘关节还不如。而以腕关节为动作轴心，动作反应就很灵敏，就可弹快。所以，弹八度要以腕关节为动作轴心;相应，八度弹奏力量的发出和弹奏位置的支配，也应主要在腕部。因此，我们说，弹八度的人体技术关键部位是手腕。这样说，并非无视手臂其它部位对弹八度的重要作用。弹八度，除手腕必须灵活、有力、有弹性外，手掌、手指也须坚硬、有力，触键时能牢牢撑住，使手腕所发之力经手掌、手指时凝聚不散，充分传导至琴键。如手掌、手指软弱、松散，纵使手腕再有力，力量经手掌、手指时也会大大散失，发出的音必虚、散、飘、浮。此外，如弹强音量八度，仅*腕力还不够，还须加进小臂乃至大臂的力量。所以，弹八度，手的其它部位也相当重要。八度的正确弹奏方法：须说明，这里讲的是指弹奏技术性或华彩性(CADANZA)织体类型之八度的基本方法，而不是指弹抒情性八度旋律(LYRICAL&OCTAVE-MELODIE)的方法，或以乐曲不同音乐要求而变化运用的种种其它特定方法。

首先讲弹一般音量八度的方法，也是进行八度基本练习应持的方法。之后，再讲弹强音量八度的方法。一般音量八度(OCTAVE)的正确弹奏方法可归纳为十五点：

一、触键时，手掌、手腕和小臂要大体成一直线，并与键盘面基本平行。如手腕和小臂高于手掌，而所弹又是一般音量或弱音量，弹出之音必轻盈、飘浮。有少数乐曲的八度，就要求这种轻飘，手腕和小臂必须高于手掌来弹。但一般情行，特别是进行八度基本练习时，手腕和小臂切莫高于手掌。有些人弹琴，手腕一处高高拱起，高出前后的手掌和小臂，这种手形违反人的生理自然，弹出的音会异常虚散或僵硬不堪。这种怪样子定要纠正。

二、弹一般音量八度，小臂要保持稳定。整个手要以腕部为轴心上下动作，动作大小视弹奏音量强弱而定，一般音量愈强动作愈大。但进行八度基本练习，特别是初练八度时，动作幅度愈大愈好，以加大动作量，增强练习。不过，八度技术高的人，动作幅度一般都较小，因其腕功强，稍加动作就可达到各种要求。但他们的技术了必定来自当初长久的大幅度的练习。

三、弹一般音量八度，要以腕部为主要发力点。腕部既要用力，又要放松。弹奏中要随时调节同一部位的这二者矛盾关系，使之协调、统一。若用力有余，放松不足，必动作僵木，发音尖硬，手臂酸累过度而无法久弹;反之。若放松有余、用力不足，定动作松垮，发音模糊，手臂失控而乱甩乱拍。腕部发力时，还要用松弛、自然的巧劲，不能用僵紧、生硬的拙劲，特别要充分发挥腕部自身固有的弹力。

四、弹一般音量八度，臂膊(尤其是小臂)要放松，勿用臂膊尤其是小臂加压、加力。不少人弹八度因腕力不足，一味用臂膊，尤其是小臂加压、加力，往往产生两种恶劣后果：一是臂膊，尤其是小臂因之僵硬、紧张，弹不多久即酸累不堪，无法久弹;二是往往形成一恶性循环，即由于腕力不足而借助臂膊;又因借助臂膊，手腕养成对臂膊的依赖性，自身之力就总练不出，总要依赖臂膊。克服困难这一恶性循环的办法是：让臂膊，尤其是小臂充分放松，而失去加压、加力的可能，使手腕在无外力借助下自行动作，逐渐练出自身独立功力，无须再*臂膊。

五、弹八度，手的起落要充分利用自然反弹力与惯性力，落下后要*反弹力弹起，弹起后要*反弹力落下，有如跳动之球，往复不断。这样弹，一则富于弹性感，生动;二则省力，能久弹。一些人弹八度，不懂用这样的自然之力，手起手落用尽拙劲，酸累不堪。

六、弹技术性或华彩性织体的八度，通常以大、小指并弹为好。非特定情形，较好其中不夹换大指同四指并弹。因为，大、小指并弹出的音，较大指同四指并弹的音更集中、挺拔、鲜明，颗粒性、弹性感与清晰度也更强。

七、弹八度时，弹奏之大、小指较前端小关节要弯曲、挺立，整个指头要坚硬。要用大、小指尖外侧部位触键，触键面要宜小不宜大。一些人弹八度，指头散软，小关节松垮开不停甩动，像在琴上拂扫，弹出的音虚散、模糊。这种不良形态必须纠正。

八、弹八度时，弹与不弹的手指都要自然弯曲、挺立，掌关节也要挺起，整个形成一种向上禹外支撑的自然形态的“架子”、“模子”。这个“架子”、“模子”要有一定的紧度和硬度，但不可紧张、僵硬，弹奏时要只做以腕部为轴心的上下整体动作，自身形状定型不变。一些人弹八度，手不撑立和定型，乱晃乱甩，像把刷子，弹出的音含糊不清，并充斥手指拍键的杂音。这种坏毛病必须纠正。

九、弹八度，手背内、外两侧高低要大体相等，整个手臂呈基本水平状。不少人弹八度因小指无力支撑，致手背外侧倾斜下陷，形成手背内高外低.本已无力的小指又被下陷的手背压住，更用不上劲，弹不出有力之音.这样，还往往出现一恶性循环：小指无力致手背下陷;下陷的又压住小指，使之难以充分活动，而练不出自身之力，令手背下陷得不到改变。克服这一恶性循环的办法是：弹奏时，尽力令小指支撑住，使手背下陷不了;甚至有意识将手背外侧微微抬高，给小指以足够空间充分活动，使其自身之力慢慢练出。

十、弹一般音量八度，臂膊要放松，手要有一定紧度和硬度。这是一个矛盾难点：往往臂膊放松，手也随之松散、疲软;手有紧度和硬度，臂膊，尤其是小臂，也连带绷紧、僵硬。要努力使这二者协调。办法为：1、意念上将二者区分开，心中同时想到和感到一处放松，另一处有紧度和硬度;2、掌握好手腕的用力与放松。手腕是臂膊和手的交界部位，与二者紧密关联，手腕的用力与放松关系掌握好了，臂膊和手的同类关系也就易于协调了。

十一、在八度两个音的相互音量关系上，可有三种弹法：1、左、右手用力重心分别偏重于左手大指或右手小指，突出这两指所弹之八度高音;2、与前者相反，用力重心分别偏重于左手小指或右手大指，突出这两指所弹之八度底音;3、两手用力重心各都均衡，左、右手所弹音量基本相等。种弹出的较清晰、生动、明亮、光彩，节奏性与颗粒感较强;第二种弹出的较宽阔、浑厚、丰满，雄劲，混响度与共鸣感较多;第三种弹出的介于一、二种之间。弹奏者应依所弹奏音乐要求，目的明确地择弹其一。人的大、小指中，先天大指强、小指弱，弹八度大指弹出的音往往容易自然性强于小指。对此，弹奏中要随时留意纠正。

十二、弹八度除特定要求外，手指触键那一刹那，一要力量集中，二要时间短促。这样弹出的琴声就响亮、持久。

十三、弹八度的人体技术关键部位是手腕，而关键作用仅次于手腕的则是大、小指指尖部位，包括大、小指指头较前端小关节。手腕在八度弹奏中的功能主要为：启动手的弹奏动作，并作为动作轴心;发出手的弹奏力量;支配手的弹奏位置。指尖部位的功能主要为：支撑手的落键;向琴键传送手的弹奏力量;对手的触键进行细微调节。许多人弹不好八度，究其原因，多因缺乏手腕功夫，次为指尖部位功力欠缺。因此，要弹好八度，关键要练好手腕及指尖部位的相应弹奏技能，即手腕要灵活、有力、有弹性、有耐力，指尖部位要坚硬、敏锐。

十四、遇到长的快速连续八度段落，即使八度技术强的人，弹到后面，手臂也难免一定程度愈弹愈累。要圆满弹下来，不致因手臂过累而坚持不下，就要掌握好手臂，尤其是小臂的放松，调节好整个弹奏过程中手臂力量的耗用，使手臂弹到较后仍有余力。

十五、初练八度时，可从下列基本练习方法入手：1、在一个键上重复弹多下，再换弹另一键;2、弹各种下同八度音阶与琶音;3、弹自己确定的各种八度模进音型。初练时，宜多分手弹，多慢弹。专练八度的练习曲不多，初可选练如车尔尼练习曲作品740第49首，等等。当已初步掌握了八度弹奏技能后，还可挑选一些乐曲中的八度段落来练。当然，这些段落多较难。

请参看下列曲目单：

莫扎持A大调奏鸣曲作品331

肖邦降A大调波兰舞曲作品53

李斯特帕格尼尼练习曲“钟”

李斯特练习曲“英雄”

李斯特“葬礼”

李斯特“弄臣”

李斯特西班牙狂想曲

李斯特改编舒伯特的“魔王”

李斯特B小调奏鸣曲

李斯特钢琴协奏曲

柴可夫斯基钢琴协奏曲

莫士科夫斯基(MOSZKOWSKY)“杂技”作品52之4

强音量八度同一般音量八度的弹法多相同，有别之处有以下六点：

一、弹强音量八度，除用腕力外，要兼用手力和臂力。所用臂力一般为小臂臂力;音量要求极强时，加大臂臂力。手、腕、臂弹奏和用力要协调一致，成一整体。用臂力时，大体可有三种弹法：1、腕部为弹奏动作轴心，小臂、臂肘略高于腕部，使臂力充分下落、集中至手，特别是手指。2、同样以腕部为动作轴心，手掌、手腕、小臂和臂肘互成直线，并与键盘面基本平行，一起用力弹。3、肘和腕部同为弹奏动作轴心，弹时手、腕、臂作为整体一起大幅度上下动作。这种弹法音响宏亮，弹性感强，富于气势和魄力，但只宜弹速度不快的八度，或快速八度开始时的慢速部分。

二、兼用手力和臂力弹强音量八度时，手腕应作为动作发力的关键部位，要灵魂、有力、有弹性、富有能动力。一些人弹八度手腕僵硬，同手之间无任何动作起落变换，只彼此凝固一起而动，弹出的音僵、硬、虚、浅。这种弹法定要纠正。

三、弹强音量八度，每下触键前后，手指及整个手同琴键距离可较弹一般音量
八度稍远些，弹慢速强间量八度尤应如此。因为，距琴键远些，就能更多借助手下落的自然惯性力，既省力，又能弹得更响。

四、弹速度不快的强间量八度，手臂于音之间抬起的瞬间，要尽量放松，使之有缓冲、休息的间隙，减轻疲劳。

五、弹又快又强的连续八度段落，手臂完全放松不太可能，一定程度的紧张是正常、允许的。尤其弹至较后，手臂甚至可拼出全部余力，紧张般的弹完。

六、弹强音量八度时，前面说过的弹一般音量八度的各点正确弹法均应运用其中，尤其是手指较前端小关节要弯曲、挺立，指头要坚硬，掌关节要挺起等诸点，更要做出。

八度弹奏应达到的标准：

一、声音坚实、饱满，有亮度，又有厚度。

二、声音凸立、挺拔，有立体感。

三、声音干净、利落、清晰，有颗粒性。

四、声音敏锐、短促，有弹性。

五、节奏准确、灵敏、生动，有节奏动力感和节奏感染力。

六、发音整齐。弹单手八度时，构成八度两音之间相互整齐;弹双手八度时，两个八度之间相互整齐。