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乐理和声,呼吸和音色

2024-07-29209次艺考信息

乐理和声,呼吸和音色

乐理和声

呼吸和音色

也许大家都知道音色的重要性，不管个人的技巧再怎么高超，只要音色一不好，很快就会让人看破手脚。那决定音色好坏较主要的因素是什么呢？我个人觉得是呼吸，特别是针对管乐器而言。

这样的关系就好比弦乐器和弓之间的相辅相成。弦乐器一旦失去了弓，就无法演出。而呼吸对管乐器来说，也是如此。

大家不妨建立这样的观念：管乐器演奏的呼吸发展是建立在人的自然呼吸基础上的。在相关的书籍中，有三种主要的呼吸法：胸式、腹式（横隔膜式）、胸腹混合式。但不管是哪一种，都是后天训练出来的技巧。简而言之，这些呼吸法都是人的自然呼吸透过实际演奏而运用的。

在武术的领域里，有个名词叫做「偷呼吸」，这个跟管乐器演奏呼吸的道理是一样的。

管乐器的演奏要想全面掌握呼吸的方法，就必须遵守换气的规则。吹奏的时候，就得先计算好用气的量；诠释乐曲时，就要知道哪些地方适合换气，哪些地方是不适合的。就像两个人在对话，或是在朗读文章时，总不希望听起来是不完整，且容易让人误解的。

有些乐曲的乐句之间没有休止符，那就必须想办法缩短前一个音的时值，再进行换气。否则，就会在拍子上造成错误。

在文章的开头，就有告诉大家呼吸和音色是有相关的。而所采用的呼吸法，也都是希望自己能靠着这样的气息，吹奏出悦耳动听的音色。事实上，音色的掌握应该要全面。比如说：个人的音准、节奏的正确性等。有个更重要的名词是「音质」。像是乐器本身、吹嘴、号嘴、簧片、哨片等配件，都会影响到的。也就是说，没有好的音质就没有好的音色。上述的功夫若不做好，是不可能有好音色的。

我再举刚刚的例子，还记得「偷呼吸」这个名词吗？两个绝顶高手要对决，除了看谁的武功较高外，就是看谁在呼吸上先占上风。

有不少人会产生一个疑问：进行一些体育运动，对增强吹奏者的呼吸是否有所帮助？嗯！在某种程度上是有的。譬如说：长跑、游泳可以加强各部位的呼吸肌肉，增加其肺活量等。但有一部份则是必须靠乐器的练习去养成，像是吹奏各种不同力度变化的延续音（长音），可以使得个人的音色获得适当的改善。

基本上，长音的练习是发展吹奏者呼吸较好的方式之一，这种练习应是长期且不间断的（每天）。对于初学者来说，可以找寻比较容易吹出的音开始练起，尽量保持声音的均匀，音量维持在中强（mf）左右。若吹出的声音是颤抖的，即应立刻做调整。等到掌握住其嘴型和呼吸方法后，再做扩大音域的练习。

很重要的一点是：用气的多少是根据音响的需要来决定，而不是音高。也就是说，气的多寡是决定吹奏出来的力度，并非是音的高低。各种力度的练习可采以下的方式：

1、强音（f）的长音练习时，吹奏出来的音要有力量，特别是点音的部分；其呼出的气流要大，流动的速度要快，个人的气息要保持平稳，这样才会使长音饱满，强而有力。

2、一般来说，开始的那个音不用刻意强调，点音稍微轻点，所呼出的气流要小，流动的速度也就要相对地慢，发音虽弱，但气息仍要做到平稳的要求。用气不可忽多忽少，这样才能使吹出的声音较为柔和。

3、长音上的渐强转弱（p<f>p）的练习：由弱音开始逐渐加强其音量，到强音后再渐弱下来。它其实还是靠着气息的控制来完成的。气流的大小和流速的快慢要根据音响力度的变化来做改变。

4、长音上的特强、突弱再渐强后再渐弱（sfpp<f>p）练习。这点音的力量要大于强音时的力量，当奏出特强音头后，气息要立即控制住转而吹奏倍弱音、这样才能获得特强到突弱的声音、然后渐强到强音再逐渐弱下来。

在练习时，有两点是要特别注意的：

1、注意呼吸和音色间的搭配，切忌让气息因声音的延长而消耗殆尽，不要完全靠嘴唇来承受压力，这会使得声音过于僵硬，对吹奏者也不好。

2、随时注意自己的音准，并加以调整。嘴唇和呼吸的关系必须是相辅相成的。

觉得无聊的话，可以搭配着练习曲，或做少量乐器组合的练习。

一个优秀的管乐团亦是如此。当所有演奏者达到气息上的一致时，在乐曲上的表现势必是行如流水、无懈可击的。

摇滚音乐类型-Rap的起源和发展

说唱乐的起源可以追溯到黑人音乐根源中吟咏的段落中，到了70年代说唱乐正式确立了自己的风格，其中较主要的功劳要归根于当时流行的迪斯科舞厅中的DJ们，他们将黑人当时正在风行的FUNK节奏混入流行的迪斯科节奏中，并且在唱片机上反复重复同一张的唱片的内容，做自己的LOOPS，随着那些在现在广为人知和DJ们普遍应用的“打碟”法出现，说唱开始被街头黑人文化所流传，并且衍生出相当丰富的分支，诸如西海岸说唱乐（WestCoastRap）、南部说唱乐（SouthernRap）、流行说唱乐（PopRap）、老派说唱乐（OldSchold）、中西部说唱乐（MidwestRap）、拉丁说唱（LatinRap）、硬核说唱（HardcoreRap）、黑帮说唱（GangstaRap）、外来说唱乐（ForeignRap）、东海岸说唱乐（EastCoastRap）、过渡说唱乐（CrossoverRap）、喜剧说唱乐（ComedyRap）、基督教说唱（ChristianRap）、另类说唱乐（AlternativeRap）等等，我们现在所谓的HIP-HOP正是由这些流派综合了当今流行元素而诞生的新词汇。尽管早在90年代初期就有人认为这种絮絮叨叨，满是脏话粗口，叛逆词语的音乐会很快消失，而事实上，在90年代末，随着一批新进的说唱乐手和以白人为主的说唱摇滚的风行，曾经被黑人抛弃的音乐又重新回到了流行音乐的前端，至少在新世纪的现在，这个风潮还不会消退。RAP是美国黑人音乐中的重要组成部分，是街头文化的主要基调，是世界流行音乐中的一块“黑色巧克力”。本文试图通过介绍几支美国当红RAP歌手/团体，让歌迷了解这些人的背景资料，找到自己喜欢的RAP明星。在这个新千年的美国，Rap新世代Eminem一路杀上了全美MTV大奖的颁奖台，Nelly在Billboard创造了六连冠的奇迹；在韩国，以“神话”为代表的青春说唱组合全面登场；在香港，L.M.F等靠粗口说唱起家的“乐势力”咸鱼翻身。Rap，在中国人的字典里有两个词可以代替，“说唱”和“饶舌”。前者是一种源于民间的古老艺术，后者是一种婆婆妈妈，唧唧歪歪的作风（如《大话西游》里的唐僧）。据考证中国早在十一世纪就有世界上较长的说唱史诗《格萨尔王》，比美国早了整整九百年，这样看来Rap还算得上咱中国的第五大发明呢。Rap在八十年代，九十年代初从美国大地狂吹到咱们被英国拐走到香港那里。很快香港的前卫人士林子祥就不甘落后地炮制了一首叫《对话》的Rap歌曲（在此之前他已经有一首自传式的《阿LAM日记》，可见Rap在中文流行曲里已是由来已久），跟着舞曲天王张立基直接将“锤子先生”的歌曲改编成中文版的Rap《震撼》，也是红极一时。而较令中国人自豪的莫过于软硬天师在1992年推出的一张《广播道软硬杀人事件》，这张极富野心的全中文Rap大碟触及到了香港和中国内地的许多敏感话题，音乐上也是造诣不凡，可称华语说唱乐的一个巅峰。

Rap代表歌手

MCHammer（MC汉默）

MC汉默在从艺前曾是美国奥克兰棒球队队员。1990年他开始在乐坛上崭露头角，同年推出的专辑《PleaseHammerDon''tHurt''Em》（请别让锤子伤害他们）在美国专辑榜上取得了好几周的佳绩。来自专辑中的主打歌曲“UCan''tTouchThis”（你不能碰这个）是一首为RickJames的“SuperFreak”（超级瘾君子）的采样作伴奏的轻柔Rap歌曲，它既是汉默的代表作，又可看作是90年代初流行说唱乐的一种风格标志。

MCHammer善用音乐录像形式来表现他的作品，其中融合了令人眩目的舞蹈动作、精致的灯光与舞美设计。汉默还经常把一些明星如MarvinGaye，B.BKing或Prince等人的作品拿来翻唱。

1994年，汉默的专辑《TheFunkyHeadhunter》（疯克猎人首领）是由GanstaRap的制作人来操刀制作的，其中的音乐明显趋于硬朗化，并反映了汉默更多的街头观感Run-D.M.C

Run-D.M.C是一支Hip-Hop类型的说唱合，与其他同类型的乐队相比，他们的音乐更趋于重金属化，有人把Run-D.M.C称作是支硬核式说唱乐组合。80年代初就已组队的Run-D.M.C是较早把说唱乐引入主流音乐圈的Rap组合，他们的作品还影响了后来大红大紫的PublicEnemy、BoogieDownProduction和N.W.A这些乐队的创作历程。

1983年，Run-D.M.C推出的上榜单曲“It''sLikeThat”（象那一样）和随后出炉的同名专辑均显示了其说唱风格大胆、狂野的一面。1985年的专辑《摇滚之王》（KingOfRock）标志着他们的创作已打破了传统摇滚和说唱乐的界限，成为当年美国较受欢迎的Rap组合。许多乐队纷纷效仿他们这种Rock+Rap的创作手法。1986年，Run-D.M.C的第3张专辑《上升的地狱》（RaisingHell）把这种融合摇滚的说唱乐表现风格带入了主流音乐创作的行列，成为首张登上R&B专辑榜的说唱乐专辑。Rap存在的特定场所

网络日志（经常会搭配一些RAP）

街头（特别是在美国）

酒店

KTVRap代表歌曲

《OnceInALife》

《StreetCats》

《Let'sDance》RapMV

音的性质

世界充满声音：高昂的，低沉的，清亮的，令人愉快的，感到厌烦的。。。从我们出生的时刻开始（甚至是以前），就感受到五花八门无穷无尽的声音。其结果是：我们大家把声音的现象当做是理所当然的事情！

音乐是特殊种类的声音。

音的高低是由物体在一定时间内的震动次数决定的。震动次数多，音则高；震动次数少，音则低。

音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长；音的延续是间短，音则短。

音的强弱是由于振幅的大小决定的。振幅大，音则强；振幅小，音则弱。

音色则由于发生体的性质，形状及其泛音的多少等而不同。

音的以上四种性质，在音色表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。我们平时听到的某一个音，都不只是一个音在响，而是很多个音的结合，这种声音叫做复合音。复合音的产生是由于发生体（以弦为例）不仅全段在震动，它的各部分也在分别的同时震动。由于发音体全段震动而产生的音叫做基音，这也是我们较一听见的声音，由发音体各部分震动而产生的音叫做泛音。这些音就是我们听觉不容易听出来的。

什么是音乐中的音区？有什么作用

音区（register）即音的高低范围。

它虽然有约定俗成的概念，但没有非常严格、确切的界限，所谓高音区、中音区、低音区是相对而言。对于各种乐器和各种人声的音区划分，它们的标准是不同的。比如钢琴上的中央C，即整个键盘中间的C音，对于小提琴来说，是低音区，可是对于倍大提琴来说，它就是高音区了；同样，男低音的高音区是女高音的中低音区，等等。我们这里所谈论的音区是以一个完整的管弦乐队或一个完整的合唱队为范畴的，它的概念是广义的，而不是针对某一件乐器或某一种人声。

音区是音乐写作中十分重要的一个手段，不同的音区可以表达不同的思想感情、模仿生活和大自然中的声音，同时，作品中音区的变化还会带来新鲜的意趣。通常来讲，高音区一般具有清脆、明亮、尖锐的特性；而低音区则往往给人以浑厚、深沉之感（请注意：音乐中的各种要素都不可能孤立地使用，它们在和其他要素结合时会产生出各种各样的）。在模仿隆隆雷声时，作曲家常常会使用低音区的定音鼓，模仿云雀的婉转歌喉时，会选用高音区的木管乐器；在表现安详沉思的时候，往往会利用大提琴那凝重深沉的音区；而在表现飘逸神思的时候，可能会让小提琴声部在高音区轻柔地歌唱。

在一部作品中，作曲家不会只使用同一个音区，他们会利用音区的对比来造成新鲜感和情绪上的推进、变化，这样的例子数不胜数。例如，英国作曲家阿诺尔德（M.H.Arnold）的《四首苏格兰舞曲》中的第二首，它的素材十分简洁，只用了一条活泼跳跃的旋律，但通过运用音区（还包括音色以及节奏）的变化，使音乐显得妙趣横生。

谱例：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：Vivace（活泼的）

首先是乐队中音区较低的大管和在低音区吹奏的单簧管；第二段是音区略高的长笛，但它是长笛本身的中低音区，与此同时，伴奏的乐器采用不同于主旋律的音区，形成了鲜明的对照；在第三段里，作曲家再次换了一个音区（也换了一个调），比刚才还要高些，这是小提琴组的声音，但第二个句子就又换成了低音区的大提琴。第四段是音区更高的小提琴组以及小号，第五段是在中音区的木管组和弦乐拨弦。第六段速度变慢，低音区的大管再次成为主角。第七段是中音区的单簧管。

曲例一：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：Vivace（活泼的）

从上面的例子可以看出，音区是音乐写作中十分有效的手段，它的变化会带给听者新鲜的意趣和生动、丰富的联想。

器乐爱好者入门基础乐理知识100问

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1：音（Tone）是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音（不含音），一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。

2：音色（Tone-color）指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。

3：共鸣（Resonance）

共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。

4：基音（Fundamentaltone）

物体振动时所发出的频率较低的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。

5：泛音（Harmonicovertone）

除了发音体整体振动产生的较低的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。

6：音高（Pitch）

音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前国际通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。

7：音名（Pitchname）

音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个国家是不同的。被广泛采用的是：CDEFGAB。

8：唱名（Syllablenames）

唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。

9：音域（Compass）

人声或乐器所能达到的较低音和较高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。

10：调性（Tonality）

调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系较后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。

11：音阶（Scale）

指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高來排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶，就是以较普遍的大音阶（大调）与小音阶（小调）为主。

12：五声音阶（Pentatonicscale）

由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如：do、re、mi、sol、la、（do）。13：大调（Majormode）

调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。

14：小调（Minormode）

调式的一种，七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调"、"現代小音阶"四形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调（小音阶）的二三两音间与五六两音间为半音。

15：纯律（Justintonation）

与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。

16：主音（Key-note）

调式音阶里的音。十二平均律（Temperament）音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。

17：半音、全音（Semitone、Wholetone）

将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度，全音相当于大二度。

18：协和音程与不协和音程（Consonant，Dissonance）

根据协和的程度可分为完全协和音程（纯１、４、５、８度）和不完全协和音程（大、小３、６度）。除此之外都是不协和音程。

19：音程（Interval）

指两音之间的距离。计算音程的单位称"度"，两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。

20：十二音体系（tweleve-tonesystem，tweleve-notesystem）

现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理，除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。

第二单元 2.2 复拍子

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复拍子

第二节　复拍子

复拍子是由完全相同的单拍子组合起来所构成的拍子（“完全相同的单拍子”指的是同为二拍子或同为三拍子，并且其单位拍的时值是相同的）。复拍子除了有强拍和弱拍外，还有次强拍，次强拍的出现增加了拍子的强弱层次，能使音乐的强弱变化更丰富。次强拍相对于强拍来说是处于弱拍的位置；但同时它相对于弱拍来说，它又是处于强拍的位置。

常见的复拍子有四拍子、六拍子、九拍子、十二拍子等。

四拍子是两个二拍子相加而形成的复拍子，其中常用四拍子的有四四拍，不常用的有八四拍、二四拍等。

在四四拍中，它基本的强弱规律是强、弱、次强、弱，即拍强，第二拍弱，第三拍次强，第四拍弱，第二拍出现一个强拍（或次强拍）。

用　 ● 　○　　　　○　　｜　●　　○　　　　　○　｜来标记。

强　　弱　次强　弱　　　　强　　弱　　次强　　弱　

红河谷

在六拍子是由两个三拍子相加所形成的复拍子，其中常用的是八六拍，不常用的有四六拍、二六拍。

在八六拍中，它的基本强弱规律是强、弱、弱、次强、弱、弱，即、第四拍强，第二、第三、第五、第六拍弱，每三拍出现一个强拍（或次强拍）。

用　●　○　〇　　 ○　〇　｜ ●　○　〇　　 ○　〇｜来标记。

强　弱　弱次强弱　弱　　强　弱　弱　次强　弱　弱

同桌的你　桑塔露琪亚

九拍子是由三个三拍子相加所形成的复拍子，常用的九拍子是八九拍，其它的九拍子比较少见。其基本的强弱规律是强、弱、弱、次强、弱、弱、次强、弱、弱，即、第四、第七拍为强拍、其余的为弱拍，每三拍出现一个强拍（或次强拍）。

天鹅（圣桑）

十二拍子使用的并不太多，它是由四个三拍子相加所形成的复拍子，用的十二拍是八十二拍，其它的十二拍极为少见。其基本的强弱规律是强、弱、弱、次强、弱、弱、次强、弱、弱、次强、弱、弱，，即、第四、第七、第十拍为强拍、其余的为弱拍，每三拍出现一个强拍（或次强拍）。

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