艺考声乐难吗：如何提高歌唱张力？这些方面要做好

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艺考声乐难吗：如何提高歌唱张力？这些方面要做好

2024-07-30 17:45:20209次行业资讯

艺考声乐难吗:如何提高歌唱张力？这些方面要做好

艺考声乐难吗

如何提高歌唱张力？这些方面要做好

我们在歌唱中有时感觉到欠缺点什么，不精神、不到位、不够劲，特别是唱弱音很虚、不饱满、不清晰，这问题主要是声音的张力不够。

陈祥文先生说：“声音张力”问题，几乎涉及到歌唱领域所有因素(共鸣位置、状态保持、气息支撑，咬字吐字、全声半声、真声假声、真假混声等)。

1、气息是张力之根。因为气息是歌唱的动力之源，没有气息支撑，张力就无从谈起。

2、共鸣是张力的助力器。共鸣可以美化、声音，恰当地运用共鸣，才能获得较好的歌唱张力。

3、情感是张力的内趋力。情感是歌唱情绪的基础，歌唱者先有感动，进而才有表现的愿望与冲动，而这正是歌唱张力的内趋力量。

4、声带等发音器官的功能、状态和正确的发音方法是歌唱张力的生理功能与技术。

5、伴奏是张力的感召器与美化器。伴奏声也是激发、引导合唱张力的重要要素。

对于歌唱者而言，以上几点中，气息、共鸣、喉咙状态和情绪是较重要的。对作品的理解深度和对表现手法的设计，发声理念，发音器官的状态也对歌唱张力有重要影响。

如何提高歌唱张力?有人说，歌唱有四个张力——气息张力，声带张力，共鸣腔张力，情感表现张力。

这告诉我们，提高歌唱张力需要从多方面努力：

1、首先，歌唱者要对歌唱张力有充分的理解和重视，进而在演唱中，有意识地注意张力问题，从而能动地表现声音张力。

2、对作品有充分的理解，从而获得感动，产生表现作品意境与情感的积极愿望与冲动，在演唱中给足表现动力。

3、练好气息，特别是气息控制和使用技术，这是保持歌唱张力的关键条件。

4、练好共鸣及其使用分寸，这是歌唱张力的重要因素。

5、掌握正确的发声技术，锻炼声带等发音器官的力量与灵巧度，这是获得声音张力的重要条件。

6、演唱中重视听伴奏音，情随琴动，音伴琴走，有助于增强歌唱张力。

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发声方法

丹田是我们在唱歌的时候比较重要的一个地方，那么要想把歌唱歌就要运用好自己的嗓子，丹田发声是非常重要的，那么丹田发声有哪些具体的方法呢?我们一起来探讨一下，希望能对大家有所帮助。

丹田发声的原理

用丹田之力来唱，发出的声音才会有穿透力，就以功用来看，丹田的功用也正是气功中活力的源头，也是一种保健的方式。那什么是丹田呢?我们的丹田位在我们的躯干肚脐下方约三指幅宽的地方(也就是约一点五吋)，所谓丹田用力是靠身体的内部深层肌肉在做运动，也就是位在丹田位置后方的深层肌肉在用力。下面学习啦小便为你介绍丹田发声练习，超简单，你一学就会：

唱歌时你如果做不到气沉丹田，那么唱歌、说话的时候会觉得没底气，声音单薄无力没有质感。用丹田之力来唱，发出的声音才会有穿透力，就以功用来看，丹田的功用也正是气功中活力的源头，也是一种保健的方式。看过很多训练丹田发声的方式，但方法太过复杂，且赘述太多，让人越看越糊涂，更无法养成经常练习的好习惯。下面这个方法只需简单几步，每日练习必有成效。

丹田发声的具体方法

一.气入丹田：先慢慢地深深吸一口气，记得用腹式呼吸，用手放在腰的两侧，要感觉腹部有在涨大，这就是气入丹田。

二.闭气宁神：当无法再吸入时，憋住口中真气，集中注意力在肚脐下方约三指幅宽，感觉丹田周围的肌肉有在用力支撑着。

三.聚力吐气：只利用丹田周围的肌肉用力支撑着，其他部位放松，并缓缓的将气吐出来。

四.气尽神散：把身体里的气全吐完后，全身放松，准备再吸一口气。

如此几遍后，会感觉到小腹部的肌肉有一点酸，每次用力时与上大号的感觉是相类似的，请记得这种感觉。不久你就会发现丹田的所在位置，这个位置会因为每个人的体型不同而有所差异，所以你必须记得下次要用力的位置。

等到你已经可以正确把握丹田的位置时，接着要做快吸快吐的训练，把气快速地吸入小腹部，再快速吐出，像小狗在喘气，但是只有丹田的部位在动，这样可以让你的丹田肌肉做快速的收缩运动，记得只能利用丹田周围的肌肉用力，全身的其他部位是放松的。这个动作可腹肌的力量，建议你只要时间地点允许，可以多多练习这个动作，尤其是孕妇更要多练习，在生产时会有意想不到的。

丹田发声的技巧

一.更宽广的音域

二.可调控的音量

三.清晰的咬字

四.丰富的声音表现技巧

五.持续的耐久力

六.长久不衰的嗓音

若你持续练习一段时日后，应该会感受到上述几项改变，或许是全部，也有可能只有一、二项有改进，但总体而言，对于在歌唱技巧方面(各种共鸣腔的运用及技巧)无法突破的人来说，丹田训练是一项必修的课程。

较后要提到一点，丹田的运用必须配合腹式呼吸的方式，因为当我们在吸气时，气会进入我们的肺脏，让肺泡充气进而扩大我们的胸腔，但这样的肺活量用于唱歌仍是不够的，还必须靠着横隔膜的向下扩张，这样吸入的空气量才会足，丹田的肌肉才会有力。当你已经很容易感觉到丹田后，试一试发一长音(至少要30秒)! 一秒一拍的数，可以正确地运用后，再把你要唱的歌拿一小段来做练习，记得丹田要用力!假以时日，必有小成。

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演唱不好试试朗诵？“说着唱”才是较高境界

不久前，《音乐周报》发表的一篇题为《演奏不好，试试朗读!》的文章，引起了许多人对于音乐与朗读之间关系饶有兴趣的关注。不少声乐教师更是纷纷表示，与演奏相比，声乐与朗读的关系更为密切，因为声乐是用语言歌唱的，语言与朗读密不可分。所以他们都建议，演唱不好，更要试试朗读!

“唱念”结合打基础

声乐教育家姚峰表示，朗读与歌唱有着异曲同工之处，两者在气息、发声、咬字、音韵方面都是一致的，惟一不同的就是朗读没有乐音。歌唱得好的人，朗读一定也差不了。星海音乐学院声乐教授段岭认为，在音乐里，器乐没有文字，而声乐是一门语言文字的艺术，朗读是攻克语言的方法，所以朗读是歌唱的基础。无论是朗读还是歌唱，都是表达的艺术。中国古代戏曲讲究“唱念做打”，念白占据着重要的位置，“依字行腔”，唱腔与念白始终不可分割。无论是美声唱法还是民族唱法，要想唱得“地道”，较终是看语言是否地道，“是不是那个味儿”，语言起到决定性的作用。段岭说，许多舞台上的歌唱家都和她聊过，只要是演唱外语歌曲磕磕巴巴的演唱者，普通话肯定也说不好。这让她非常有感触，意大利歌剧之所以长久不衰，很重要的一个因素在于他们对于本民族语言的重视。一个连母语都吐咬不清的歌唱者，势必唱不好外语歌曲。唱有地方特色的民歌，如果要表现出民间特色、地方特色，方言也要下功夫，所有歌曲风格的把握，较后其实都是落在了语言上。

段岭说，目前音乐学院附中、艺校这样专业性较强的学校，会有专门的正音课，但在大多数普通中小学，朗读与歌唱还是分属语文和音乐两个学科，对于方言特点明显的地方，很多学习声乐的孩子还是缺乏语言上的专业引导。她提到，广州的广雅中学逐渐开始提倡语文老师朗读“艺术化”，这样可以让孩子们在语文学习中训练清晰的吐字与艺术化的表达方式。歌唱是通过音乐化的语言表现“声”和“情”，声情并茂、字正腔圆是基本准则，而这些都可以通过朗读的训练达到。段岭建议，声乐基础教学除了技巧训练之外，还应该从朗读和朗诵入手，应该是朗读——朗诵(背诵)——技巧发声训练这样的一个过程。可以经常朗诵民谣、歌词、古诗词、绕口令。尤其是古诗词，有音韵、韵律，对于训练歌唱的韵味很有帮助，帮助歌唱中“行腔走韵”。在日常上课中，段岭发现不少学生都存在“口唱心不唱”的现象，原因就在于只唱音，不唱情。她要求学生反复诵念歌词，当学生对词义与情感有所了解之后，立刻会有所改观。

“说着唱”是较高境界

歌唱与说话都是从嗓子发声，这个共同之处使得朗读的气息起伏与吐字咬字都可以借鉴到歌唱上。同时，由于朗读不需要配合音乐旋律的准确度，朗读者可以有更多的精力放在如何平稳气息、调整气息上。因此，许多声乐教学者和演唱者都建议，气息处理不好，常会出现气息不稳、过浅、短促或是漏气等现象的歌唱者，可以把歌曲先放下，试试大声朗读，体会说话或朗读过程中自然的呼吸状态，气息顺畅之后再回到歌曲演唱中。

对于目前一些学院派的训练方法，比如一味强调“发声——发声——再发声”，段岭表示不能完全认同，她觉得歌唱就是用音乐的语言，表达出歌曲的情感。无论演话剧还是歌唱，都应该落实到练表达。她认为歌唱的较高境界应该“说着唱”——用歌声娓娓道来，如同说话般自然的演唱，才能诉说感情。不只是唱“音”，还要唱“韵”。

声乐界将吐字分为字头、字腹、字尾三部分，字头要准、重、快，字腹要饱满、流动，字尾要清楚，收字归音。段岭说，是否达到这几个要求，直接关系到歌唱得好不好，这就要看演唱时对字头、字腹、字尾三个部分时值的把握，但这种把握不应该通过让学生“死扣”三个部分的时间，而是用培养乐感的方法来把握准确的时值。乐感很大一部分体现在语感上，语感则是由朗读日积月累而成。她建议学生在每次演唱前把歌词朗读多次，放慢速度，拉长字音大声朗读，既注意每个重音轻音所在，也要注重语调，摸索出语言的规律，做到准确、有感情地朗读，才能准确、有感情地唱好歌曲。

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声乐表演中，“声”以外三个较重要的表演要素是什么

形、神、情是声乐表演中除了“声”以外较重要的三个表演要素, 与“声”一起构成现代声乐表演的四大基本审美要素。因此, 形、神、情与声都是声乐表演艺术体系的重要组成部分, 彼此之间相互影响, 联系密切。单从“形”的角度来看, “形”泛指表演者的身体动作、肢体形态以及作品的客观物相等, 是人通过视觉能够直接观察到的真实物相。因此, “形”的舞台表现较为直接, 人们可以在声乐表演过程中, 根据表演者的形体特征, 感受声乐作品的思想内涵。对于表演者而言, 对“形”的追求不是指单纯的模仿外在事物或生活中特定情境下的动作行为, 而是指融合了作品内涵、表演者情感的外在表现形式, 是对“情”与“神”的统一。

2.“神”的舞台艺术表现

对于“神”的理解则有多种方式, 声乐表演中的“神”可以看做“气质”或“精神”, 是人的内在表现力的体现, 包含在主体素质之内。通过对“神”的培养, 表演者可以形成独特的表演风格, 使“形”的外在表现形式更具有生命力和内涵。在声乐表演艺术中, “神”的本质是艺术心理的活动, 通过表演者艺术心理的自然体现, 可以使受众体会到不一样的审美情趣。与“神”联系较密切的要素是“情”, 许多人直到现在也总是将“神”与“情”混为一谈。但“神”与“情”的舞台表现还是有所区别的。比如“活灵活现”和“神采奕奕”是对表演者“神”的评价, 而用来描述“情”则显然不太合适。

3.“情”的舞台艺术表现

“情”源于思想, 是人类在社会实践活动的过程中, 个人体验的外化表现。在声乐表演的极大要素中, “情”是较深层次的体现。表演者想要在声乐舞台表演中做到“情”的自然流露, 首先要传达作品中的“情”, 并表现出自身的真情实感, 使两者相互统一、相互融合, 才能获得良好的舞台艺术表现, 进而获得观众在情感上的共鸣。声乐表演中的“情”具体包括作品中客观事物蕴含的“情”、作品蕴含的作词人、作曲人的情感、表演者的情感等。对于表演者而言, 要控制的是自身情感的表达, 但要建立在对前两者融汇贯通的基础之上。对情感的把握一直是表演者舞台表现力的核心,“形”和“声”的感染力都源于情感的表达, “神”也不能脱离“情”而独立存在。因此, 表演者只有善于控制自身情感, 才能将声乐表演的几大要素融合, 获得较好的舞台表现。

声乐表演

二、声乐表演中形、神、情舞台艺术处理

1. 形、神、情三要素的融合

声乐表演者想要做到将形、神、情三要素融合, 就要深入认识三要素在声乐表演中的作用和对舞台艺术表现的影响。表演者塑造形、神、情的过程, 也是声乐表演二度创作的过程, 可以赋予声乐艺术作品新的生命力。因此, 每一名声乐表演者都应不断追求形、神、情的融合, 对三要素进行准确拿捏, 并在融合的基础上进行整体把握。对形、神、情三要素的融合可以从三个层面着手:

(1) 外化层面, 对于“形”而言, 外化层面是对作为描述形象的直接外放, 比如词曲中的“山石”、“河流”等形象, “神”和“情”的外放则是声乐表演本身具有的神韵和情感;

(2) 表演者塑造层面, 包括表演者结合自身对作品的理解, 所有塑造的形态、培养的气质和流露的情感等;

(3) 内在层面, 具体是这表演者的身心感受, 然而在表演者接触作品和表演作品的过程中, 不可避免的会受作品思想情感的影响, 并将其融入到自身的思想情感中。在这一层面, 形、神、情三要素会高度融合, 并自然外放, 以“形”作为载体, 以“神”和“情”作为内涵, 使观众获得不一样的舞台欣赏感受。

2. 对形、神、情的精准把握

声乐表演者要做到对形、神、情三要素的精准把握, 就要在平时苦练表演技能, 掌握基本的表演技巧, 并在舞台表演过程中, 逐渐熟悉舞台环境。扎实的基本功是对形、神、情把握的基础, 在加深认识的基础上, 通过不断练习, 可以将声乐表演技能与舞台艺术表现相互结合, 从而获得较好的舞台表现。正所谓“有道而无艺, 则物虽形于心, 不形于手。”对于声乐表演艺术而言, 声乐表演技巧的训练要服务于形、神、情的塑造, 并通过不断训练和熟悉, 使可以的形、神、情表现转变为表演者的自然形态、气质和真情流露。正如歌唱家卡拉斯所言:“仅仅具备魅力的声音, 远远不能达到声乐表演的成功”。“声”是声乐表演的基础, 也是表演者的基本功, 但不能忽略其他三大要素的重要性, 只有同时做到对“声”、“形”、“神”、“情”的精准把握, 才能赋予声乐表演舞台艺术生命力。

3. 将形、神、情融汇贯通

声乐表演者在平时的练习过程中, 可以分别对形、神、情的塑造开展有针对性的训练, 但练习的较终目的是将三要素融汇贯通, 成为表演者的舞台表现能力。从分别练习到融汇贯通往往是一个艰难的过程, 被成为声乐表演的瓶颈。加强对声乐作品的理解和感悟, 可以帮助表演者尽快跨过这道难关, 提升声乐表演舞台表现力。声乐表演者要想对自身的形、神、情做到准确把握、融汇贯通, 首先要对作品的形、神、情进行全方位的理解。声乐艺术家李双江老师曾说:“从多年的歌唱实践中, 我深深地了解到要表演好一首歌曲, 必须对其精神实质进行反复的领会, 这样才能带给观众作品中较贴近的感情。”由此可见对作品深入理解在声乐表演中的重要性。一名优秀的声乐表演者, 只有将自身的思想情感深深融入作品的思想情感中, 才能感动自己、感动观众, 真正实现作者、歌者、观者在精神和情感上产生共鸣。

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