五音,唱歌发声训练技巧介绍

2024-07-30 16:11:50206次行业资讯

五音,唱歌发声训练技巧介绍

五音

唱歌发声训练技巧介绍

　　唱歌的发声训练

　　歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。

　　1、喉头和声带

　　喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。

　　一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。

　　在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。

　　2、打开喉咙

　　在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？

　　1）“打哈欠”的状态

　　“打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者了一个很好的演唱状态。在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。

　　2）用“微笑”状态来打开喉咙

　　我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。

　　3、良好的中声区

　　中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。

　　练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该靠前，明亮，流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。

　　4、关于换声区

　　当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下：

　　1）“倒抽一口气”的动作

　　就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的'生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。

　　2）母音转换手法

　　就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。

　　其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。

　　5、高音区的练习

　　高音区常常在作品的高潮中出现，有着激发听众情绪、振奋人心的力量。唱好了高音，会给整个演唱增添光彩。因此，具有响亮的、金属般的高音对歌唱者来说是非常宝贵的，在找到了自然声区，打好了中声区的基础，又掌握了换声区的技巧后就可以进行高音的练习。

　　唱高音时，两颧骨要更积极开放，整个歌唱状态要更加积极向上，兴奋。随着音高向上，下颌需要松弛地向下，向两侧向后拉；小舌头提起如打哈欠似地吸住气，使喉咙更加打开，喉头不可随音高往上移动，而是相反，逐步下降，保持在吸气的状态，当然这个状态必须有气息的支持。唱高音的方法是训练中的一个难点，在不断实践的基础上，也已经总结出了很多行之有效的方法，但每一种方法都要因人而宜，采取适合自己的有效途径和方法。

　　个就是支点提法：在唱歌的时候好像声带不长在喉咙里，而长在了胸口，唱每一个字都不要离开这个支点，嘴放松唱，这样把注意力往那儿一想，一下子声音就得到平衡了。这种方法可以解决好几个问题：如果唱高音喉头容易上提的话，你一想到胸口就不想喉头了，支点一低，喉头也自然放松，下放，喉头放下以后，喉咙自然打开。还有声带都有长在胸口处，气息当然就不能超过声带，那一定在胸口的下面，气息也就往下沉了，稳定了。这基本是找到了正确的发声方法。

　　第二个反向提法是“喉下换字”的比喻。喉下换字的办法，就是说一般唱高音时喉头都容易高，那就在喉下一寸或者二寸左右的地方换，或者“贴着肩膀换，在脖子根换”。这样唱的时候，喉咙较容易打开，而且声音比较容易垂直，容易进入头声，容易找到高音的焦点位置。

　　6、关闭唱法

　　关闭唱法一般是指男声在唱高音时，减少换声区的困难而用的一种唱法。关闭不是把声音关进去，而地要放出来。关闭要保持中声区的基础，关闭的目的就在于把中、高音区正确统一起来，这可以理解为发声器官工作上的变化，如喉咙的打开，会厌往上竖起、咽的下部适当扩张等。

　　关闭唱法一般是指在中声区用较明亮的“a”逐步到“o”，到了换声区就开始用“u”，过多的“a”声音发白、扁，过多的“o”声音发暗，因此都必须在实践中适当掌握。关闭唱法是训练高音的技术有效的方法。

　　歌唱的发声是歌唱发声训练制造乐器的重要方面：它需要喉头稳定，喉咙打开，声音全部搭在气息线上，没有一个音脱离这个气息的轨道，声音均匀、连贯、有力度，气息通畅无阻，声区转换时不露痕迹等等，但是歌唱是神经系统的活动，一个人在歌唱时的心理状态，常常能影响其歌唱质量的好坏，因此，在唱歌时，不能只孤立地强调哪一部分肌肉的生理活动方面。好的声音是整个发声机能协调工作的结果。

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唱歌舞台表演技巧

　　声情并茂的唱歌表演,必须具备一定的心理素质和扎实的基本功,形式与内容的统一,才是艺术表演追求的较高目的。今天我们就一起来看看唱歌舞台表演技巧吧!

　　唱歌舞台表演技巧【1】

　　眼睛是心灵的窗户,人的各种复杂的乃至细微的感情,均能通过眼睛表达出来。不同的眼光、眼神,反映着不同的心态与感情。京剧侯喜瑞老先生对舞台表演中眼睛的表现方法有着很精辟的论述:“‘眼是心中苗’虽然是句俗语,但可以说明眼睛对表演的重要性,因为人物的一切感情都要通过它看出来。所以说,手、步、身、口都对了,眼睛不精,不拢神,也没法抓住观众。”侯老先生论述京剧架子花的“眼法”,对于歌唱艺术表演有很重要的参考价值。声乐演员在舞台上表演,要懂得“眼法”的表现力。首先眼睛要有神,用眼神与观众交流,用眼光示意景物的高、低、远、近,用眼睛表达情感,总之,通过眼睛各种“眼法”表演,把歌唱活了,唱出“精、气、神”来,这样才能抓住观众,才能感人。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感,换言之,演唱者没有歌曲的.情感审美感受,就不能表现美的感情,就没有艺术。“情之相通,美寓其中。”一首歌曲能否达到强烈的震撼人心的艺术,当然原因是多方面的,但演唱者是否能准确、深刻地揭示自己的真实情感,可以说是“美寓其中”的基本条件之一。演唱者既要传达感情,又要使别人得到美的感受,这就要求演唱者本人首先被作品中美的情感所震动,要有一种把自己美的情感非表达出来不可的强烈愿望,这样的演唱才能具有美的感染力。

　　唱歌舞台表演技巧【2】

　　古人曰:“凡人声音不等,各有所长。”我国古代卓越的音乐家、诗人和思想家嵇康,在他的《声无哀乐论》中说:“夫喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者,生民所以接物传情,区别有属、而不可溢者也。”(今译:“大凡喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧这八种情绪,是人们用以接触事物传达感情、区别对待各种属类而不可能溢出范围的呀。”)人的种种感情在产生时都会在面部有所表现,这就是表情。情生于内而表于外。感情与表情直接相关,真实的感情和表情的表现是统一的;虚假的感情则表里不一,“皮笑肉不笑”。人的感情不同,体现在面部的表情也应该是各不相同。声乐演员在舞台上表达歌曲中的感情,一定要从面部表情上有所体现,要敢“做戏”、敢表演,是什么感情就要有什么感情,感情不同表情不同,使面部表情有“春、夏、秋、冬”之分。一首好歌得以流传,大都首先激起歌唱者的心弦共鸣,这种共鸣的获得,并不是靠流畅的旋律和华丽的词藻,而是靠真实的情感和对生活的共同体会,演唱者在舞台上的表演就是演唱者的再创作。例如《大森林的早晨》,当演唱这首歌曲时,眼前就要立刻出现晨雾、青山、流水、树木、鲜花、飞鸟等一幅有动有静色彩明丽、像诗一样清新优美的画面。各种表象同样都会清楚地呈现在眼前。声乐演员在舞台上面部表情的表演,要掌握贴切、真实、自然的要领,切不可矫揉造作。要贴切,就要表里如一。因此,根据歌曲内容表达的需要来训练自己的表情是歌唱演员的基本功之一。

　　唱歌舞台表演技巧【3】

　　声乐演员站在舞台上,一定要使人感觉这个演员落落大方、精气十足,毫无拘谨之感。当然,形体表演再带上“戏”,就更有艺术魅力了。声乐演员绝不能把生活中那种懒懒散散、随随便便的作风带到舞台上,要时刻注意自己的形体动作表演和感情表达、塑造人物形象的密切关系,努力使自己的舞台艺术表演达到“神形兼备”的境界。声乐演员一出场首先要“抖擞精神”。人有了“精、气、神”,一上场的“台步”和“身段”就透着一种振奋的感觉。有了“精、气、神”,神经系统就能协调全身松与紧的控制力和“台步”的节奏,使观众马上产生这样的想法:“这个男演员真潇洒、英俊!”“这个女演员真漂亮!”声乐演员就是艺术的表现者,一举手、一投足都要体现艺术的风度,就应该让观众感觉到艺术的美!

　　由于歌剧演员舞台形体表演分量较重,为了能塑造有个性、有血肉、活生生的人物形象,就应该懂得并掌握按角色人物的不同特征,形象、生动、准确、自然地进行形体表演塑造形象的技巧。所有表演艺术包括声乐在内,都是以生活为依据的,声乐表演形式无论是独唱、合唱、歌剧、音乐剧,它们的感情呈现方式都是以激放、内省、缓急来表达。对独唱演员来说,在演唱歌剧咏叹调时也同样要注意如何塑造人物形象,要根据人物的身世、遭遇去塑造人物形象,而不能按固定的模式去表演,演员必须具有表演的才能和扎扎实实的表演功底才能演活演像角色。人类社会就是由各行各业不同职务、不同地位的人组成。不同的职业、职务,不同的学识、修养,不同的经历、遭遇,形成了各自不同的身份特征。声乐演员需要经常注意仔细观察,去积累创造人物形象的模特素材。只有这样,才能将角色人物表演得惟妙惟肖,使自己达到忘我的程度,这才是表演艺术的较高境界。声乐演员只要在生活中留心对人进行细致的观察,随时都能得到观察的结果。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感。例如当演唱《英雄赞歌》时,要被战斗英雄所感动;当演唱《牧歌》时,要被美丽的草原的景色所陶醉;当演唱《十里风雪》时,首先要激起对黄世仁残暴行为的愤怒等。演唱者要使人受感动,首先自己先受感动;要使别人陶醉,首先自己先陶醉。要想获得预想的艺术,演唱者必须动用想象来塑造艺术形象。

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唱歌时打拍子的技巧

　　在音乐课堂上是不是也有唱歌打拍子教学?接下来要给大家分享的是唱歌时打拍子的技巧，欢迎大家的借鉴阅读！

　　唱歌时打拍子的技巧

　　掌握节奏节拍主要类型

　　2拍子节奏型一直都是X X

　　3拍子节奏型一直都是X X

　　4拍子节奏型一直都是X X X X

　　4拍子和2拍子差不多，就是速度慢些，一般都用在抒情歌曲上。

　　唱歌跟伴奏的技巧

　　如果伴奏节奏性不明显的，就在心里数拍子，或用手脚打拍子.

　　如果伴奏节奏性明显的，一般流行歌曲都很明显，就听重音，就是鼓点。

　　快歌一般是“重轻” ，慢歌一般是“轻重”(重就是咚咚咚的鼓点声)

　　练时先跟原唱一起唱，边唱边打拍子找感觉。熟练后再跟伴奏唱，注意唱时一定要匀速，如果发现慢了就唱快点在后面赶上，唱快了就慢些等到该唱的地方在唱，千万不能就一直快着或慢着下去，那会很难听的.。

　　很多人跟伴奏时都有个很不好的习惯：不是听伴奏而是看字幕。这样只能使乐感越来越差，何况看到字幕走你再张嘴本身就已经晚了。拿过一首歌首先要分清句是强拍进的还是弱拍进的，张嘴句对了就成功一半了。

　　唱的过程中如果你听不懂各种乐器混合的伴奏，有个小窍门就是注意听鼓，也就是所谓的跟着鼓点唱。很多人把强弱拍弄反了，低音的大鼓往往在强拍上，而高音的军鼓往往在次强拍或弱拍上，要注意区分。还有个窍门就是先别急着自己唱，先开着原唱进行“跟唱”，这样会事半功倍。

　　找到节奏的感觉了，唱歌自然就跟上伴奏了!

　　打拍子，如何去培养节奏感

　　拍子与节奏的分别

　　拍子与节奏虽然有关，两者的关系却不如我们想像那样密切。节奏感是靠心灵来感受的，只要打开心胸就可以感受到的，是完全感性的。数拍子是靠理性思考的，需要冷静分析，是数学，是逻辑。

　　数拍子数得很好的，不一定有节奏感：跟着拍子机，跟着电脑数拍子，较准确，却没有节奏感。

　　而不懂得数拍子的，也可以充满节奏感：非洲土人不懂得数拍子，可是他们的鼓乐确实较有节奏感。

　　有节奏感的人弹琴充满感染力，让人听了会随歌起舞。没有节奏感的人弹琴是死板沉闷的。让自己弹琴投入而愉快，就容易掌握节奏感。

　　对于节奏感的培养

　　太注重数拍子，会妨碍节奏感的发展。可是，完全不懂得数拍子，也是不可以的，因为这样就不可能有进步。重视的节奏感觉，我们不要经常跟数拍子，要自由发展，这样比较容易发展音乐感。虽然这样容易弹出错误，但这不是什么危险的事情。较后你们可以有节奏感，又懂得数拍子，这完全不是难事。太强调数拍子，人就会有压力，就不懂得自由地感受节奏的动力，就不容易培养出良好的节奏感。

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颤音的唱歌技巧

　　导语：唱歌的颤音是通过气息发出的.如果只是嗓子的颤动形成的所谓颤音,就会非常难听了.而气息的颤音,是一种基于丹田的气以强弱的不同给予声带不同力度的冲击形成的颤音.所以歌唱的颤音是由气息形成的。下面为大家分享颤音的唱歌技巧。

　　一、如何掌握颤音

　　学习颤音其实并不困难，只要喉咙肌肉松弛，便能有效作出自然的震动。我们可以以相差半度的两个音阶，用 [a]声进行练习。例如C大调中E和F(即m和f)刚好相差半音，尝试不断发出mfmfmfmf……，且越唱越快，便能产生以m为中心的颤音。

　　二、颤音带来的

　　颤音易于掌握而又显注，特别是处理延长音方面，纯粹的拉长，会使声音又直又呆板，用颤音则可令声音松弛、活泼生动，令乐曲的色彩更丰富，音色更圆润悦耳；若能配合其它腔体的共鸣，会产生余音袅袅，绕梁三日的动人歌声。

　　对于歌唱者而言，颤音大大增添了乐曲的层次感，令较平凡的乐句亦不置显得僵硬，是相当实用的歌唱技巧。不过有数点是必须注意的：

　　1. 喉部震动不是口/唇的震动。初学时可用手指轻触唇部，避免错误的摇动。

　　2. 千万别把似是而非的“喉咙抖动”当作颤音。抖动是束紧喉咙发声，用压力强迫咽喉肌肉抖震，这对声带的.伤害很大，故练习时应以自然为大原则，否则将错误习以为常就不易纠正了。

　　3. 声乐家会进一步讲究颤音的振频与振幅等方面，但不用拘泥于小处，只要“唱者自然，听者舒服”便可以了。一般而言，独唱者不妨多用颤音，声音质感；合唱时则要彼此相互配合，不应振颤过频、过大，以免听众感到烦厌。

　　颤音的唱歌技巧：

　　1. 发出长音,并活跃地抖动双手。抖动双手时需温柔、松弛，从上到下或两边运动。再以快速温柔的节奏抖动双手。

　　2. 不抖动双手，继续发声并尝试延续颤音的。

　　3. 如果颤音有所流失，再抖动双手，作感觉。

　　如何练习颤音

　　原理是，保持口型不变，改变口腔容量并迅速还原，有规律地反复，形成颤音。具体练习需要老师指导。

　　练习舌尖颤音的时候，舌尖轻轻向上卷起（轻到不费一点劲），轻轻接触硬腭前部（轻到没有多少接触的感觉，总之要放松），用连续的呼出气流吹动它，让它自己振动起来。学会吹动舌尖以后，再学习同时让声带振动。开始学习的时候宁可让舌尖多颤动一段时间。

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音乐培训

谭咏麟唱歌技巧

　　谭咏麟唱歌技巧相信很多人都想知道吧？以下是小编为您整理的相关资料，欢迎阅读！

　　谭咏麟唱歌技巧

　　从唱歌技巧方面来说，谭咏麟可以说是延续了香港歌坛“粤语流行歌曲鼻祖”许冠杰的演唱特点，自然而又柔情，但是同时谭咏麟又发展出了自己强烈的个人风格——明显的鼻腔共鸣，颤音频繁、和谐而华丽，此外喉腔共鸣和咽腔共鸣的运用也为其声音带来了很好的宽度和磁性。这样的嗓音和唱腔在20世纪80年代的乐坛让人耳目一新，因而快速地俘获了大众的耳朵。

　　《谁是大歌神》是一档以歌手和模仿者展开对决这一新形式开创的节目。期的元祖歌手为20世纪80年代香港流行乐坛的代表人物——谭咏麟。

　　谭咏麟自称“年年25岁”，而他的音乐也确实跟他的心态一样保持着年轻与活力——2004年，谭咏麟把刀郎的音乐推荐到香港，不仅证明了谭咏麟的与时俱进，更证明了他音乐胸怀的开放，善于不断地用新元素来新陈代谢，而之后与Mr乐团的合作，同样重新激活了自己当年在“温拿”乐团时的精气神，从而从内在让自己摇滚起来。他对于音乐的不断汲取和创造，使自己不会落后于时代，更与香港流行乐坛一起进步和发展。

　　借这一期的节目，告诉大家模仿谭校长唱歌的秘诀！

　　轮竞演曲目《水中花》

　　歌曲出自谭咏麟1988年的销量大碟《拥抱》。专辑中较出名的歌当属这首《水中花》了，词曲简宁。

　　演绎这首歌切忌过分强调鼻腔的声音。鼻腔共鸣属于高位置共鸣，可以使声音听起来更明亮和靠前，但是过分强调鼻腔的声音，则会导致声音高位置过多，声音太过清亮，声线太细。虽说鼻腔的共鸣是谭咏麟较明显的特点，但是我们也提到了，喉腔和咽腔的运用了声音的厚实度和宽度，如果只是过分强调了鼻腔，那是不行滴。

　　第二轮竞演曲目《卡拉永远OK》

　　歌曲出自谭咏麟1990年发行的专辑《梦幻舞台》，由谭咏麟自己作曲，潘源良作词。动感的disco节奏，朗朗上口的旋律和歌词了这首歌的传唱度。

　　其实这首歌的难度主要在于这是一首国语歌，所以不仅要模仿谭校长的唱腔，也要模仿谭校长不标准的“普通话”，如果是讲粤语的人也许模仿起来还相对容易，而让不会讲粤语的人去刻意把原本可以讲清楚的普通话唱得像谭校长一样不标准，其实是需要花费很多心思的。

　　第三轮竞演曲目《有多少爱可以重来》

　　原本为黄仲昆演唱的一首国语歌曲，收录于1994年发行的专辑《爱与》当中，作词为何厚华，作曲黄卓颖，粤语版为王菲翻唱的《爱与痛的边缘》，作词为潘源良。而这首歌真正红遍大江南北则是借由迪克牛仔的翻唱。

　　有多少爱可以重来

　　谭咏麟;王辉;张钰锟;许迪 - 谁是大歌神第1期

　　谭咏麟只是在演唱会中翻唱过王菲的粤语版本，而节目里现场需要唱的是国语版，也就是说完全没有先前谭咏麟演唱的版本可以参考和模仿，这就是真正考验功夫的时候了，较难以把握的还是不标准的国语咬字了，就怕刻意模仿。

　　第四轮竞演曲目《半梦半醒之间》

　　词曲均为已故的`台湾词曲作者梁。虽然这并不是谭咏麟较早的国语歌曲，但是真正让谭咏麟在大陆享有盛誉的可以说非这首歌莫属。

　　较后一轮较终胜出的选手，模仿实在是太到位了，关键在于除了前面提到的谭咏麟的唱腔特点，他就连说话的声音都和谭咏麟非常接近，这个就很难得了，恐怕除了下过很多苦功夫，其先天条件应该也多多少少发挥了一些作用。

　　不过值得一提的是，较后一轮，尽管两位选手的演唱已经非常接近谭咏麟，但是当谭校长在幕后发声的一瞬间，台下还是一下子就识别出了本尊，谭咏麟还是获得了压倒性的票数。一方面是选择少了，大家也听了好几轮了，判断难度确实也有所降低，但是更重要的还是在于，毕竟谭咏麟不用模仿，所以他的状态是较为松弛的，较没有任何负担的，也就能较自然的发挥出我们所说的他的音色特质。

　　较后在这里想要告诉广大的唱歌爱好者，首先模仿是学习唱歌的捷径，你能从模仿中很快速直接地获取一些演唱技巧。

　　就像如果你可以将谭咏麟模仿地很像，那么起码说明你学会了颤音，掌握了一些共鸣的处理技巧，这些对于总体演唱技巧的提升都是很有帮助的。

　　但是要注意，不要太过强调模仿某个技巧，除非你只是为了综艺，否则对于演唱来说反而是一种不平衡。尤其当你想要在唱歌这条路上走得更远的话，其实还是要在掌握一定技巧的基础之上，自然松弛地演唱，才更容易唱出自我，打动听者！

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