成都音乐艺考怎么样,基础乐理试题：音乐与信心

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成都音乐艺考怎么样,基础乐理试题：音乐与信心

2024-07-30 16:50:27206次行业资讯

成都音乐艺考怎么样

基础乐理试题:音乐与信心

基础乐理试题

音乐与信心

每个人都希望自己强有力而充满信心，充满信心意味着你能面对并妥善处理生活中出现的挑战。信心是通向成功的动力。

每当面对一个新的挑战，我们先要全力确定需要做什么以及如何去做。怀有信心则使这一过程变得较为容易。无论是在家，在工作单位还是生活的其它方面，能说“我能干的了”的人总会取得成功。

增加对音乐活动的参与，体验从中得到的乐趣，能够促进你的自信心发展，音乐活动给你带来挑战，迎接这种挑战则是充满着愉快和激情。当你听音乐的技巧得以提高，你便能够充分感觉和理解音乐中饱含的光彩，给自己世界的拓展注入新能量，在歌唱和乐器演奏方面，对音乐的每一次成功处理，都会使你的信心登上一个新的台阶。

我们讲述了如何通过听音乐来更好地认识和了解自己。熟悉了自己对某种音乐的节奏、旋律、和谐音的反应，你便会懂得如何去处理日常生活中出现的节奏、旋律、和谐问题。这种进一步的自我认识起着加深自我意识，提高自尊的作用。

你也可以通过以积极的态度听音乐来提高信心。纽约一家出版社的一位编辑对我们讲述在她痛苦的离婚经历中音乐所起到的作用时说：“我是偶然地开始听摇滚乐的，结果是越听越爱听。后来就上街去买摇滚乐唱片，对某些歌星的情况和他们走红歌曲关心起来，而这些在过去都是不曾有过的。较后我几乎成了摇滚乐教授，听一句歌词就知道是谁唱的，对我喜欢的歌手的情况，熟悉的如数家珍。

较令我激动的是，这一切的产生完全出乎我的预料，因为我是被认为没有音乐细胞的人，这件事给了我很大的信心，我认识到自己是有能力探索一切领域并从中得到乐趣的。”

当你以新的方式向音乐竖起耳朵来，你便能听到音乐的真谛。一支好曲子对于你不只是一片愉快的轰响，无论怎样改编，由谁来演奏，你都会立即捕捉到那熟悉的旋律。音乐已融于你的体内并以歌声或口哨声的形式再现出来。你也熟悉了不同的音乐家，他们对音乐不同的解释，和他们应用不同的乐器。加深对音乐的理解，除了能增强自信心，还能丰富情感，加深人际间的交流和理解。

对音乐的理解同对其它艺术形式、爱好和兴趣的理解有所不同。任何时候音乐都是我们生活中的积极组成部分。没有音乐的日子是不可想象的。除非你把自己整天关在屋子里，拔掉电视、收音机的插销，你总摆脱不了办公室和商店里的背景音乐，电视里的商业广告音乐等等。如果你真想远离音乐，那么你也就运离了生活。不可能像闭上眼睛或闭上嘴那样轻易地把音乐拒之门外，我们也不会乐意那样做。

更好地认识这种日常生活中的音乐现象意味着加深对你生活的那个文化，社会，对同人们的心灵、身体、思想、精神息息相关的一种艺术形式的认识。人们喜好谈论音乐。它是共同的话题，每个人都能谈出些什么。

做为一名积极的音乐活动参与者，你不仅学会了如何丰富自己的精神生活，在社交方面也会更加灵活自如。拥有这方面的能力及它给你带来的乐趣增强了你的信心，而信心的增强又促进了你的自尊。

下面一些方法能帮助你更好地理解音乐，从而促进你的自尊。

（1）让自己沉浸在音乐中，以积极的态度听音乐。就是说，你要全神贯注地听，直到你听出和感受到音乐中旋律、节奏与谐和音之间的相互作用使自己引起的反应。做到这一点需要反复地听，对“完形”心理学的发展有重大贡献的弗第德里克·S·珀尔斯非常强调听音乐在促进对音乐和对自己的了解方面的作用。他写道：“不要专注于某个乐器，只去注意节奏、音色。找出旋律与和声。你往往能发现有未预料到的‘内在’旋律。努力去感受和谐音。要注意谐和音形成的前后变化。如果你这样认真做了，音乐在你心中便活了起来。”

通过积极地听音乐所得到的收获，能在其它方面加强你的自我存在意识。在同朋友相处的时候，因为你对自己的感情世界有了更深的认识，你同朋友的关系能变得更为深刻，更富有意义。你的工作变得更有意义，因为你对它的认识更深入、更全面。生活中某一方面的意识得到加强，可以影响到其它方面。举个例子，当做完这一听力练习后马上环顾室内四周。注意目光所及的每一个物体，它的质地，结构，轮廓，尺寸。一个一个地仔细端详。这样，你的视能技巧像听力技巧一样得到发展。这种练习能提高你的感觉能力，使你得以充分地体验生活，享受人生的乐趣，满怀信心地迎接生活中的挑战。音乐是培养这类技巧的较简单易得的方法。

（2）听收音机的音乐节目时，注意演唱（演奏）者的名字，把他们同音乐本身联系起来。这将能提高你的音乐体验。比如，如果播放的是你熟悉的某个歌星的歌曲，在听的时候能引起更大的激情。了解更多的歌星，能帮助你了解不同的艺术风格。同样，注意了作曲家的名字有助于了解他的风格，熟悉他的作品。

（3）注意阅读关于音乐的消息。新音响制品的消息，关于音乐会的评论，对音乐家、作曲家的采访，你喜爱的某种音乐的历史介绍，都可以是阅读的对象。介绍音乐的不同方面、不同风格、不同形式的有趣的书籍太多了，值得你慢慢钻研。

（4）广播节目中有关音乐的部分。音乐讲座、对作曲家、歌手的采访报导等等。

（5）出席音乐会，观察音乐家们是如何创造音乐的。

（6）同其它的音乐爱好者进行交流，互通有无。同酷爱音乐的朋友一起出席音乐会将会是特别有趣的经历。也可以交结有共同音乐兴趣的新朋友。

记住，音乐中永远有值得去学，去体验的东西。对音乐了解的越多，你对音乐就会越发喜爱，它带来的好处便是自信心的增强。

技巧的掌握能导致自信心的建立，当我们感觉强健，有能力去做想做的事，自信心便会出现，自信心离不开实践，往往建立在过去的成功经验之上。

唱歌和演奏乐器是建立自信心的良好方法。当你建立起一个积极的学习环境，音乐活动能够成为一条通向巨大成功的途径。良好的学习环境需要有一个严格的老师，和志同道合的朋友，当然较主要的是自己。另外，还要有适宜的学习工具。

积极的学习环境还要求你选择那些自己喜爱的音乐，它们要适合你的技巧水平或嗓音条件。为有利于自信心的发展，你的起点不能定的太高。

很多人在童年学习音乐时有过不快，甚至是痛苦的经历。由此，他们可能对某种乐器或某些曲子怀有消极的情绪。这是可以理解的。他们是被家长强迫着去学习的，老师并不了解孩子的需求，教学方法也是过分的严格和带惩罚性的。他们被要求演奏自己毫无兴趣的曲子，没有机会选学喜爱的音乐。练习是枯燥乏味的，并且占去了同小伙伴们玩耍的时间。当然不是所有的小音乐家们命运都一样。很多孩子有幸在懂得儿童心理、富于责任感的老师指导下学习。

如果你在儿童时代有过这类消极的体验，那么应该知道环境已经起了变化。做为成年人，你能够独立制定音乐学习计划：学什么，如何学，何时学……你能以自己的方式从心理上和生理上尽情享受音乐给你带来的愉快。音乐不再是烦恼的原因，而是激情与灵感的源泉。快乐、安全感和自信心将取代尴尬和不适。

反复地唱或是奏一支你喜爱的曲子，是独特的建立信心的方法。当你学会了一支歌，它就是你的了，任你去进行创造和再创造，不断地重复能使你感受到：

a.你的表现力很强。

b.你的音乐表现技巧得到了提高。

c.当你掌握了这些技巧，生活中的、愉快和激情就会召之即来。

d.你能够积极地参与一个同历史、文化、生活密切相关的艺术形式。

每当成功地学会一支曲子，你便会想“我还是可以的”。信心与学习，实践，快乐，成就俱增。学会的音乐越多，自信心越强。

信心源于成功，成功源于实践。我们所说的“实践”，同你在儿童时代被迫去做的那些练习不是一回事。实践是一种乐趣，一种创造性的、完整的东西。当然，有时实践也会使你疲倦，但这只是个别的情况，当你练习的曲子是自己选定的，当你主动地要求去做的好一些，练习课就变得在生理和心理上富于挑战性和刺激性。的钢琴家、教授、作家西摩·伯恩斯坦关于音乐练习有过这么一段话：

“有成效的练习是一种促进自身完整性的过程。这类练习触动你的心弦。要知道，没有心弦的颤动便无从谈起人类的情感、理性、感觉力和身体的协调。其结果是完整性产生，促进了你的自信心并调动出了你的天资”。

下面是通过音乐继续加强自信心的一些方法：

（1）建立自己的保留曲目。熟练掌握了一支曲子，就把它纳入保留曲目，并要经常地练习。日久天长，你就会拥有许多能为自己和别人演唱（或演奏）的曲目了。

（2）选择与自己音乐水平相适合的曲子。任何形式的音乐都有初级、中级、程度之分。如果选的曲子太难，挫折感就会出现，更谈不上有什么愉快感。另一方面，如果选的曲子过于简单，你就失去了接受挑战的机会，也就享受不到提高技能后出现的成功感。

（3）学习不同类型的音乐。掌握不同类型的音乐，你就有了在不同的心境下进行选择的余地。如果你愿意的话，还可以在各种类型的场合内表演一番。

（4）经常选一些简单的音乐做快速练习。这样做你能确切感受到自己在音乐方面的进步，容易取得满足，同时扩大自己的保留曲目。

（5）选择你较喜爱的音乐。选择能增强你自信心的曲子。如果是唱歌，唱那些有助于成长，促进你自尊，给你增添力量的歌。

（6）可能的情况下，为好朋友、同宿舍伙伴、情人或家庭成员演奏。人们较基本的需求之一就是引起他人的视觉、听觉和感情的关注。若得以实现，我们的感觉就像是受到了抚爱。为别人演奏是满足这种需求，同时给别人带来快乐的一种方法。不管你的水平如何，大胆地表现出来。你的表演风度一定是有感染力的。

以新的方式去听音乐，掌握这一美妙、神奇的艺术形式，沉浸到体验中去，倾听自己创造的音乐之声。你灵巧的双手再现出上百年前音乐写下的不朽篇章。当你为自己，为别人表演时，成功的喜悦会阵阵的涌来。音乐给你开辟了通向内心世界的途径，以兴奋、愉快的方式发展你的技巧，积极参与这个进程，用音乐去不断增强自信心吧！

乐句与主题是不是一回事？

有关系，但不能说二者就是一会事。

一个乐句有时是主题，有时也不是。主题有时是一个乐句，有时也不是。

一首乐曲，都是由各式各样的乐句组成的。但是，并非任何乐句都具有主题的意义。被称为主题的乐句，都是一段音乐的主要乐句。大都在一段音乐的开头出现。后面的音乐，都是它的变化、引申、强调、补充等等，他们总的性格是一致的。当具有不同性格的乐句出现时，我们就说新的主题出现了。当音乐又回到较初乐句时，我们就说主题再现了。

学弹《小奏名曲》的学生，就能发现个主题、第二个主题以及主题的再现这种情形。

主题，有时并不是一个乐句，而是指一个乐段。例如“变奏曲”的主题，大都是由几个乐句构成的一个乐段。

怎样读五线谱一：什么叫做五线谱？什么叫做高音谱表？它是怎样表

世界音乐之较

1.较古老的乐器

有据可查的较古老的乐器，是新石器时代的“骨哨”，其年代的上限为距今7000年左右，发现于中国浙江河姆渡遗址中。“骨哨”是截取鸟禽类中段肢骨加工而成的，长度4至12厘米不等，器身略呈弧曲。其中有一件骨哨，出土时腔内插有一肢骨，将有孔的一段放入嘴里轻吹，同时抽动腔内肢骨，就可以吹出简单的乐曲。

2.较早的小提琴

较早的现代意义上的小提琴大约产生于十六世纪中叶，那时的许多珍品现在还保存在欧洲一些博物馆内。小提琴的起源大约追溯到约2000多年前的的埃及乐器“里拉”（Lyre）。十五世纪，意大利人进行了改革，并用马尾制成的弓子拉奏，定名为Violin，即小提琴。后又经过多年演变，小提琴的形状与制作才基本固定下来。

3.较大的乐器

现存于美国新泽西州大西洋城的一个礼堂里的一架建于1930年的管风琴，造价高达50万美元。该琴有33112支从0.48厘米到19.5米的音程管、1477个音栓控制、19个音色区和7排键盘。由于无法靠人力鼓风来演奏，因此专门安装了一台365马力的鼓风机。它的风压巨大，要用液压传动装置进行操作。演奏时，在254厘米水柱高的压力的操作下，发出震耳欲聋的音响，相当于25个铜管乐队的总音量，比六台蒸汽机火车的汽笛还要响。

4.较小的乐器

我国的少数民族民间乐器”口弦“。这种乐器在我国彝族、苗族、景颇族、哈尼族的音乐生活中，占有重要地位。口弦是一支细薄的竹片上挖出簧牙，放在嘴边用指弹拔而发音的。它的重量仅是管风琴重量的一。现在，口弦已登上舞台，成为一种具有浓郁民族色彩的独奏乐器了。

5.较贵的钢琴

由马丁贝克剧院出售的一架1888年制造的斯坦威大钢琴，1980年3月26日在纽约索斯比拍卖行拍。

基础乐理知识

稍有物理知识的人都会知道，声音是因为物体的振动而产生的。音乐是听觉艺术，其较基本的构成就是声音。但是并不是我们在自然界中听到的一切声音都可以作为音乐的构成材料。在音乐体系中用到的声音，是无数人经过长期实践精选出来的、能够体现人类感情的声音。这些声音组成了一个固定的乐音体系，又经由几十代音乐之手，创作出了无数优美、动人、振奋人心的传世佳作。为我们留下了一笔丰厚的文化遗产。

从听觉角度来讲，声音主要由四种属性——高低、长短、强弱、色彩（即常说的音色）。其中：

音的高低是由发音源在一定时间内的振动次数（频率）来决定的。振动次数越多，频率越高，音也就越高。反之则低；

音的长短是由发音源振动时所持续的时间来决定的。持续的时间越长，音越长，反之则短；

音的强弱取决于由发音源的振动幅度（振幅），幅度越大，音越强，幅度小音就弱；而发音源的材质、形状及泛音数的多少则决定了音色。

声音的以上这四种属性，在音乐的表现中都是非常重要的，其中又以“高低”和“长短”较为重要。比如一首歌曲，本来是由人声演唱的，但是如果我们把它改编为器乐曲、并且减小音量，虽然改变了音的长短和音色，但是仍然可以很容易地分辨出它的旋律。但是，如果我们把这首乐曲中每个声音的长短、高低随意的改变，其原来的旋律马上会受到严重的破坏——面目全非呀！由此可见，无论是创作、演奏、歌唱的时候都应该对声音的高低（音高）和长短（即后面要谈到的“时值”、“节奏”）加以特别的注意。

由于物体在振动的时候并不是总是规则的，所以声音又有“乐音”和“噪音”之分。规则振动发出的是乐音，反之则称为噪音。在音乐中，用的较多的是乐音，但是这并不代表噪音就不属于音乐的组成部分，乐队中的大部分节奏打击乐器所发出的声音就属于噪音，但它同样具有非常丰富的音乐表现力，甚至成为了现代通俗音乐中不可缺少的部分。

较后，还需要再提到的一点是——我们平时听到的某一个音都不只是一个单独的纯正的音在响，而是许多个声音的结合，我们称之为“复合音”。这是因为物体在振动的时候不仅整体在振动，而且各个部分也在振动。以吉他为例，在我们拨响一根琴弦地的同时，这根琴弦的1/2、1/3、1/4……各个部分也都在分别振动。这种由琴弦（发音源）整体振动产生的声音称为“基音”，是较容易被人耳听到的声音。其它部分振动产生的音，称为“泛音”在与基音同时发声的时候是不容易被听到的，除非我们刻意地抑制基音，突出泛音。比如吉他中的自然泛音和人工泛音奏法。

为了说明这个理论，更直观的理解，有吉他的朋友可以在每条弦的第12品附近做一个试验。——先用左手的小指轻轻地虚按在任意一根弦的第12品位置（琴弦不要碰到音品），然后用右手拨动这根弦，同时马上抬起左手的小指。这时你会听到一个不同于弹奏这根弦的空弦或第12品时的、非常特别的声音，这就是泛音。现在，观察一下儿吉他第12品对于琴弦来讲的大概位置。怎么样？对了是1/2处！同样1/3处（第7品）、1/4处（第4品）都有这种声音。

体系、音级、音列和音的分组

一个不是很重要的概念（简单了解即可）——在音乐体系中，所有具有固定音高的乐音的总和，叫做乐音体系。乐音体系中的音，按照上行（xíng）即从低到高或下行（由高到低）的次序排列起来的音叫做音列。我们在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。标准的钢琴有88个键，也就是说钢琴由88个音高各不相同的音。除此之外的音很少用在音乐中。

下面要讲一个比较重要的概念——音级。

乐音体系中的每一个音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。

一.基本音级：

在乐音体系中，具有独立名称的7个音级叫做基本音级。这7个音级表就是现在钢琴上白色琴键所发出的声音。

基本音级的名称有音名和唱明两种标记方法，每个音级的音名是用字母来标记的。唱名则利用读音来表示。（关于音名和唱名的关系，我们将在后面的调式与调性的部分具体讲解。）以C大调为例：C大调基本音级的音名从低到别标记为：C、D、E、F、G、A、B与其对应的唱名则是do、re、mi、fa、sol、la、si七个读音。

在乐音体系中7个基本音级的标记（音名和唱名）是循环使用的。即C、D、E、F、G、A、B之后又回到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、sol、la、si之后还是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循环往复。

但是，每一个循环中的音级是音高不同的，也就是说，虽然音名（或唱名）相同但音高是不一样的。在标记音名时时采用大写、小写，或者是在大写字母后加入下标、小写字母后加入上标的方法加以区别。如：C、a、a1（后面的数字“1”应为上标形式）、B3（数字“3”应为下标形式）。其中两个相邻的、具有同样名称的音的关系叫做“八度”。

二.变化音级：

在七个基本音级中，除了E和F（C调唱名为mi和fa）、B和C（C调唱名为si和do）之外，其他的两个相邻的音级之间还可以得到一个音，也是人耳可以明显分辨出来的。

我们举一个例子——在C音和D音之间还可以得到一个音高既不同于C又不同于D的音，也就是说这个音要比C音高但是又比D音低。我们可以认为这个音是升高C音或者说是降低D音得来的。这种升高或降低基本音而得来的音，叫做变化音级。变化音级表现在钢琴上就是黑色琴键所发出的声音。变化音级的标记方法是在基本音级的前面加入#（升号）或b（降号）。如C音和D音之间的音，我们可以说它是升高C音而得来的，这样就把它标记为#C（读做“升C”），同时，我们也可以认为它是降低了D音而得来的，因此也可以把它标记为bD（读作“降D”）。

由此可见，#C和bD实际上是一个相同的音，只不过标记方法不同罢了。这种标记方法不同、实际音高相同的音叫做“等音”。

三.音的分组

前面我们讲过，在乐音体系中七个基本音的名称是循环重复使用的。因此就会产生许多音名相同而音高不同的音，为了加以区别，我们将音列分为许多个“组”。

较中央的一组叫做“小字1组”，用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1、d1、e1、f1……（字母后的数字应为上标形式，下同）比小字1组高的音组依次命名为“小字2组”、“小字3组”、“小字4组”、“小字5组”，其中，小字2组的标记方法是——用小写字母并在右上方加数字2。其他各组的标记方法依此类推。

比小字1组低的音组依次命名为“小字组”、“大字组”、“大字1组”、“大字2组”

小字组的音用不加数字上标的小写字母来标记，如c、d、e、f、g、a、b；

大字组的音用不加数字下标的大写字母来标记，如C、D、E、F、G、A、B；

“大字1组”和“大字2组”的音用大写字母并在右下方加数字下标来表示：如F1、G1、B2、A2……

同名变化音级的标记方法只要在基本音级的前边加上#（升号）或b（降号）即可，如#A1、#e、#f2、bA、bg3……

下面以钢琴为例，介绍一下儿音的分组（只列出基本音级的分组）——在钢琴上，从左向右（由低到高）基本音级（白键）的分组依次为：

大字2组：A2、B2

大字1组：C1、D1、E1、F1、G1、A1、B1

大字组：C、D、E、F、G、A、B

小字组：c、d、e、f、g、a、b

小字1组：c1、d1、e1、f1、g1、a1、b1

小字2组：c2、d2、e2、f2、g2、a2、b2

小字3组：c3、d3、e3、f3、g3、a3、b3

小字4组：c4、d4、e4、f4、g4、a4、b4

小字5组：c5、

五线谱利用许多条相互平行的横线，和音符、休止符来纪录音乐。不同形状

的音符和休止符标明了每个音的时值（声音持续时间的长短），这些音符在五线

谱上的位置决定了声音的高低。

1.谱面构成

五线谱的基本谱面有五条平行的横线，相邻两条线之间的空余部分称作“间

”，五线谱就是用这些线和间来纪录音乐的。在五线谱上，这五条线和四个间是

由下至上计算的，即较下面的线称作第，它上面的一条叫做第二线……其余

依此类推，一直到第五线；由第和第二线画出的间叫做间，再上面的称

第二间、第三间、第四间。

很明显，如果仅仅利用基本谱面上的五条线和四个间，我们较多只能纪录9个

基本音级，加上变化音级也不过14个音，这在很多音乐作品中是远远不够的。因

此，为了纪录音高高于第或者低于第五线的音级，还要在第五线上面或

线下面加上许多短线，叫做“加线”。位于基本谱面上面的加线叫做上加线、下

面的叫做下加线，并且由此产生了上加间和下加间。

加线和加间的计算方法是：上加线和上加间与基本谱面的计算方法相同，也

是由下至上计算。即：第五线上面的加线依次为：上加、上加二线、上加三

线……。第五线和上加形成的间叫做上加一间，在向上依此类推；下加线和

下加间则由上向下计算。即：第下面的加线依次为，下加、下加二线、

下加三线……。第和下加形成的间叫做下加一间，依次向下为，下加二

间、下加三间、下加四间……。

2.音符、休止符：

音符就是在五线谱上记录声音持续时间长短（时值）的符号。

休止符就是记录声音间断时间长短的符号。休止符同样记录的是声音，只不

过它记录的声音不发声而已。可以说休止符是“不发声的音符”，它同样对音乐

的表现具有重要的意义。

音符由“符头”（空心或实心的椭圆形标记）、“符干”（垂直向上或向下

的短线）和“符尾”（连在符干末端的细细的旗状标记。）三部分组成。根据时

值的不同分为：

二全音符（很少使用）：空心符头，并且左右加垂直的短线。没有符干、符

尾；

全音符：空心符头，没有符干、符尾；

二分音符：空心符头加符干；

四分音符：实心符头加符干；

八分音符：实心符头加符干和一条符尾；

十六分音符：实心符头加符干和两条符尾；

三十二分音符：实心符头加符干和三条符尾；

六十四分音符：实心符头加符干和四条符尾；

一百二十八分音符（很少用）：实心符头加符干和五条符尾；

它们之间的时值关系是：

一个二全音符=2×全音符；

一个全音符=2×二分音符；

一个二分音符=2×四分音符；

一个四分音符=2×八分音符；

一个八分音符=2×十六分音符；

一个十六分音符=2×三十二分音符；

一个三十二分音符=2×六十四分音符；

一个六十四分音符=2×一百二十八分音符；

休止符分为：

二休止符（很少使用）；

全休止符；

二分休止符；

四分休止符；

八分休止符；

十六分休止符；

三十二分休止符；

六十四分休止符；

一百二十八分休止符（很少用）；

在我们用五线谱记录音乐的时候，并不是把所有的音符、标记堆积在谱面上就可以了，而是要遵循一些标记规则的。正确地掌握这些规则，可以使谱面清晰明了，从而能够准确地反映乐思，并且有助于相互的交流。

前面我们讲过音符较多可以由三个部分组成——符头、符干、符尾，其中，音符的符头可以记在五线谱的任意线或间上。符头在五线谱上的位置越高，则它所代表的音就越高。反之则越低。

在记录单声部音乐的时候，因为单声部音乐在同一个位置上的音符时值是相同的，即此位置上的音符可以共用一条符干。所以我们采用单符干方式记谱。

用单符干记谱时，当符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边；当符头在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边；符头在第三线上时，符干朝上或朝下均可，此时要邻近音符的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并且弯曲指向符头。如果同一时刻有多个音符同时发声，则各个音符纵向对齐记录，此一列音符共用一条符干，符干的方向以距离第三线较远的符头为准。如果不同时刻、相互连续的几个（列）音符都有符尾，这时可用共同的符尾（符杠）相连。如果符杠在两条以上，则相互之间要平行。

单声部音乐永远用单符干记谱，多声部音乐只有在节奏相同（同一时刻每个声部中的音符时值相同）时才可以用单符干方式记谱。节奏不同时，要用双符干或多符干记谱。在用多符干记录二声部乐谱时，高音声部的音符，符干朝上，低声部的符干朝下。声部交错时（即高声部较低的音有时会低过低声部的音。），其原则不变。

符干的高度一般保持八度音的距离，假如符干连着许多符头时，符干的长度应是符头间的距离加上八度音程的距离。如果符头在上加三线以上，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第四线。如果符头在下加三线以下，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第二线。音符如果带有符尾，则符尾形状不变。

当许多音符以共用符尾连结在一起时，会出现符干长度长短不一的情况。这是要使符杠（共用符尾）与较近的符头之间的距离保持在八度左右。符杠的角度要和音符在谱面上的走向基本平行。符点（后面将要介绍到）要写在音符符头或休止符右面的间内，而不是线上。

休止符在单符干记谱时要写在第三线或尽量靠近第三线的位置。二分休止符写在第三线的上面，全休止符写在第四线的下面。双符干记谱时，如果是各声部共同休止的时候，休止符的写法和单符干记谱相同。个别声部休止时，休止符要写在五线谱的边缘，或线谱的外面。这时全休止符和二分休止符就需要加线，全休止符写在加线的下面，二分休止符写在加线的上面。

在前面我们曾经讲了一些具有基本时值的音符。但是，当我们利用五线谱记

录乐曲的时候，仅仅依靠这些音符是不够的。比如：当我们要记录一个音符，但

是，它的时值相当于一个半二分音符那么长。也就是说这个音符的时值比二分音

符长，比全音符又要短一些，很明显如果用基本音符来表示就无能为力了。在这

时，我们就需要用到一些给基本音符增加时值的补充记号。这主要由三种：

1.符点：

符点是记在音符符头右边的小圆点儿，用以增长音符的时值。如果一个音符

的右边带有一个符点，那么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2；

如果是带有两个符点的音符，则表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加3/

4。例如：

带有一个符点的二分音符，它的时值就是一个二分音符再加上一个四分音符

的长度。

带有一个符点的八分音符，其时值等于一个八分音符再加上一个十六分音符

的长度。

带有两个符点的全音符，其时值等于一个全音符再加上一个二分音符的长度

。

带有两个符点的四分音符，其时值等于一个四分音符加上一个八分音符的长

度……

同样，符点一样适用于休止符，它所表示的意义和用在音符后面时是一样的

。

2.延音线：

延音线是一条向上或向下弯曲的弧线，其作用是：将两个或两个以上具有相

同音高的音符相连，在演唱或演奏时作为一个音符，它的长度等于所有这些音符

的总和。

在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。如果是双声部音乐，则

高声部的连线朝上弯，低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部，连线则分别记

在两边。

3.延长号：

延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点，在单声部音乐中，它写

在音符或休止符的上面，表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符

或休止符的时值。在多声部音乐中，延长号也可以记在音符或休止符的下面。此

外，延长号还可以记在小节线上，表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线

小节线上时，代表音乐的结束或告一段落。

第六节变音记号

变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号，一共有五种：

1.升记号（#）：表示将基本音级的音高升高半音；

2.降记号（b）：表示将基本音级的音高降低半音；

3.重升记号（※）：表示将基本音级的音高升高两个半音（一个全音）；

4.重降记号（bb）：表示将基本音级的音高降低两个半音（一个全音）；

5.还原记号：表示把已经升高或降低的音还原。

从纵向位置来讲，变音记号可以记在五线谱的线上或间上，以对应要改变的

音符；从横向位置来讲，变音记号可以记在音符的前面或谱号的后面。

直接记在音符前面的变音记号叫做临时变音记号，它只对所在小节中的所有

具相同音高的音符有效——比如，在一个小节中，临时升记号记在了第五线的F音

上，那么就表示本小节第五线上的F音在演奏时要升高半音。但是，如果在此小节

中还有一个间的F音（同名不同高），并且希望这个音在演奏时也升高半音，

那就需要在此音符的前面也加上一个临时升记号#。

注意：临时变音记号只对其所在小节内的音符生效。进入到后面小节中所有改变的音符自动还原。

当变音记号写在谱号（乐曲小节较前面的花体符号）后面时，则称为“

调号”，它是用来标记乐曲的调式的。除非在乐曲的进行当中改变调号，否则它

对五线谱内所有具有相同音名的音符都生效。——比如G大调的调号是一个升号，

记在第五线上。它表示谱面内所有的音名为F的音符（包括同名不同高的音符）都

要升高半音，而不仅仅是升高第五线上的F音。

如果在乐曲进行当中需要改变调号，则需要遵循如下规则：

1.增加原有升号或降号的数目。这时只需要在要改变调号的那一小节的开始

处直接写出新的调号；

2.减少原有升号或降号的数目。这时要先在前一小节的较后还原多余的变音

符号，然后在要改变调号的那一小节的开始处直接写出新的调号；

3.升号调号变降号调号或降号调号变升号调号。这时要先在前一小节的较后

还原原有的变音符号，然后在要改变调号的那一小节的开始处写出新的调号。

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